Проканало и на этот раз. Не сразу, но довольно быстро. Сначала я попробовала писать на заказ – но обо всем подряд я не хотела, а о том, чего хотела я, не хотели «они». Потом задумала издать несколько книжек – быстро составив смету и проведя ряд переговоров, затею оставила: плохих не умею, а хорошие – очень невыгодно. Взялась редактировать переводной фолиант – умерла бы с голоду, если бы переводчик не подкармливал и не подбадривал. И тут вспомнила об одном своем опыте, удачном и очень взбудоражившем: еще в бытность моей работы в Vogue, Марина Добровинская, зачинавшая в тот момент свои искусствоведческие курсы при филиале аукционного дома Phillips, попросила порекомендовать кого-то, кто может прочесть курс лекций по истории современного дизайна. Никого более подходящего, чем я сама, я ей предложить не смогла. “Вот и отлично! Шесть понедельников в феврале и марте – твои!” – услышала я в ответ.

То боевое крещение прошло достойно. В панике я готовилась так, что могла бы не по три часа рассказывать, а по шесть. Слушатели внимали, как завороженные. До сих пор помню, как Володя Глынин, наш знаменитый фотограф, рассматривал изображения барселонского павильона Людвига Мис ван дер Роэ и качал головой со словами: “Надо же, надо же, почти сто лет назад построено, а и сейчас выглядит недостижимым авангардом!”

И я взяла эту программу, пошаманила еще над ней, добавила изюму, перца, нарастила жирку – и объявила о создании «Дизайн-лектория Ольги Косыревой», общеобразовательных лекций по истории дизайна ХХ и ХХI веков. Среди первых слушателей была моя подруга-архитектор и парочка ее сотрудниц, близкая подруга моего партнера-соучредителя, старинный знакомый – мебельный дилер и один его клиент, ставший приятелем. Постепенно, как это обычно бывает в Москве, включилось сарафанное радио, и сейчас большая часть лиц на моих лекциях – незнакомые. И сама моя жизнь – другая. Теперь я езжу на фестиваль дизайна в Лондон – и рассказываю своим слушателям в Москве о британских перформансах и новинках. Ем дизайнерский обед в голландской глуши – и устраиваю лекцию о все усиливающейся связи между дизайном и едой. Осматриваю в Дубае первые «Дни дизайна» - и приглашаю слушателей обсудить ближневосточный феномен. Встречаюсь в Антверпене с эпатажными дизайнерами из Studio Job – и ставлю на повестку дня вопрос, является ли дизайн искусством и уместны ли в нем провокации. Послушать и узнать что-то новое для себя ко мне приходят дизайнеры, мебельщики, девелоперы, владельцы строительных компаний – им нужна постоянная подпитка, нужно быть в курсе, нужно не ударить в грязь лицом и знать, куда ветер дует. Приходят и просто люди, которые не любят останавливаться, которых тащит за собой их любопытство, которые считают, что, раз уж научились разбираться в сортах устриц и названиях шато, то и в формальдегидных акулах и винтажных скандинавских стульях неплохо бы сориентироваться.

Чего уж там скрывать, мне все это нравится. Как однажды сказала одна моя острая на язык подружка: “Еще бы! В редакции, даже если ты начальник, то все равно дурак. Потому что у тебя всегда дедлайн, всегда цейтнот, всегда бюджет, и всегда где-то там еще есть начальник, с которым вы не сходитесь во мнениях. А тут – ты приходишь в класс, где ты любого на две, десять, двадцать голов образованнее (хотя бы в своей узкой области). И этот любой два часа смотрит тебе в рот и записывает каждое твое слово. Это как должно поднимать самооценку-то!”

С самооценкой у меня и раньше было все окей. Но чем дальше, тем больше правды я нахожу в ее словах. Гуру быть приятно. Даже просто любимым преподавателем и лектором быть приятно. Приятно, когда к тебе подходят после лекций и благодарят. Когда аплодируют. Когда говорят, что одна сегодняшняя твоя речь объяснила больше, чем два семестра в Академии художеств. Когда приходят советоваться, надо ли отдавать детей учиться в архитектурный или на дизайнера. Когда звонят за консультацией и безоговорочно принимают советы. Когда на защите диплома признаются: “Если бы не вы, этого диплома не было бы ”. Когда в комментах в ФБ пишут: “Спасибо, я счастлив быть с вами знакомым”.

Когда звонят из Рязани и говорят: “Приезжайте, у нас информационный голод!” Когда в Казани прекращают запись на лекцию за неделю до, потому что уже не вмещает зал. И когда ты понимаешь, что после твоих слов у кого-то переворачивается жизнь и начинается новая – ты понимаешь, что и твоя не кончилась с уходом из блестящего редакционного мира, а только началась.

#нескромноосебе

Как я недавно писала, женщин среди предметных и промышленных дизайнеров никогда не было много. Но как раз последние год-два принесли всплеск новых интересных имён. Вот, например, Виктория Вильмотт. Блондинка, француженка, изучала дизайн интерьера в Париже, а продакт-дизайн - в Лондоне в Royal College of Arts. Самостоятельно работает с 2008 года, причём на очень разные институции. В ее послужном списке и IKEA, и галерея Пьера Берже в Брюсселе (это бывший партнёр Ива Сен-Лорана, серьезный коллекционер и арт-дилер, антиквар, в общем - знаток, каких мало). Как минимум одну ее вещь вы тоже знаете - это столик с граненым зеркальным основанием для компании Classicon, одна из самых популярных моделей маленьких столиков в последние годы.

Pli side table сделан из полированного металла, и четыре варианта цвета основания – результат различной по продолжительности обработки нержавеющей стали. Стекло столешницы окрашено в цвет основания и выглядит с ним как единое целое.
В январе 2018-го в Кёльне была выпущена его новая версия. Основание по-прежнему из полированного металла, но с мраморной столешницей. И мрамор подобран настолько «в цвет», как будто бы он просто специально таким родился, вот прям для этой композиции.

Кстати, этот столик в своей инсталляции для Das Haus immGologne использовала Люси Колдова, ещё одна новая звёздочка на дизайнерским небосклоне, о которой я писала раньше.

И настоящая премьера Виктории Вильмотт - это зеркало Piega Mirror из полированной нержавеющей стали. Тоже для Classicon. Скорее не для самолюбования, а для любования игрой света и теней. Как сейчас часто случается - в большей степени не функциональный объект, а скульптура в интерьере. Маленький гранёный камушек - может, не бриллиант, а графит, но графит, как известно, спустя миллионы лет станет бриллиантом 😜

Вчера в Москве в галерее «Палисандр» открылась выставка итальянского дизайна, где можно вживую увидеть вещи знаменитого Этторе Соттсасса, основателя группы «Мемфис», легендарного итальянского дизайнера, чьи работы служат источником вдохновения и идей для дизайнеров нового поколения. На основе его новаторских вещей в наши дни рождается гораздо более широкий и массовый стиль «неомемфис». #неомемфис #легендыдизайна #этторесоттсасс #предметныйдизайн

Те, кто отправится в Милан в апреле (как, впрочем, и те, кто вообще прилетал в прошлом и полетит в будущем через миланский аэропорт Мальпенса) обязательно познакомятся (или уже знакомы) с грандиознейшей работой Соттсасса. Когда вы прилетаете в миланский Мальпенса, вы всегда проходите мимо памятника Этторе Соттсассу. Каждый раз. Потому что все вокруг было спроектировано Sottsass Associati, еще при его жизни, точнее, задолго до смерти (аэропорт был открыт в 2000 году, проектирование велось с 1994 по 1998). И он не сомневался в том, что строит себе памятник. Который будут посещать тысячи людей, на протяжении многих десятилетий: “Мы не проектировали машину для перемещения гигантских пассажиропотоков, мы просто создавали комфортное пространство, в почти традиционном средиземноморском стиле. Мы не использовали блеск металла, стекла, полированного мрамора, мы предпочли спокойные матовые поверхности, поглощающие не только свет, но и звуки. Мы заботились об уставших после перелетов людях и старались создать обстановку максимального комфорта. Мы исключили яркий свет и многочисленные световые указатели - вся информация размещена на зеленой ленте, бегущей вдоль стен, подобно морскому прибою. Образ получился ясный, линеарный, спокойный, с цветами и очертаниями, напоминающими Средиземноморье. Мы создали образ Италии, для человека из любой точки мира, но не через характерные черты, а через связь с нашей культурой, высшая ценность которой- личность”.

В этом заключается суть проектного стиля Этторе Соттсасса, в основе которого —не функция и рациональность, а среда и атмосфера, в которые погружён объект.

#этторесоттсасс #легендыдизайна #isaloni #миланскаявыставка

Сто лет назад, в 1917 году, времена были крутые. Менялся мир, так или иначе. Именно тогда на свет появился бунтарь Этторе Соттсасс, основоположник целой философии в дизайне века грядущего. Философия Соттсасса состоит в том, что все, нас окружающее, должно будоражить и вызывать яркие эмоции, что любая сильная реакция, пусть и отрицательная, лучше, чем никакая. Он называл это медитативным стилем. И следовал ему беспрекословно, оставаясь при этом одним из самых мощных промышленных дизайнеров. Полное понимание рынка и никакой абстракции.
До сих пор по его эскизам изготавливаются кровати и ванны, обеденные столы и кухонная мебель, входные двери и дверные ручки, офисные столы и стулья, светильники и выключатели. Ножи, вилки, ложки, стаканы, тарелки, чашки, образы которых он когда-то задумал, продолжают продаваться с прежним успехом. «Когда я был молод, всё, о чём мы слышали, это функционализм в кубе. Этого недостаточно. Дизайн должен также быть чувственным и захватывающим», - это его собственное высказывание.

Судя по тому, что все востребовано до сих пор, он нащупал ту тонкую грань между функционализмом в кубе (возведенным в третью степень) и эмоциями. Любая вещь должна восприниматься как магический объект, но ни в коем случае как примитивное орудие. Отсюда медитативный дизайн, спонтанность, авторский жест - суть эстетики Этторе Соттсасса. Каждый предмет, пусть крошечный, был для него так же значителен, как дом, относиться к нему нужно было с должным вниманием и уважением, придавать характер и индивидуальность - просто обязательно. Именно поэтому, создавая дизайн повседневных вещей, Этторе Соттсасс видел себя архитектором, а не дизайнером. Он их строил.

Он умело совмещал потребительский сегмент с индивидуальными заказами. При этом смысловая нагрузка не страдала. Просто Этторе Соттсасс был отличным промышленным дизайнером. Именно по этой причине массовые его продукты до сих пор в большом почете, а эксклюзивные модели вполне можно причислить к произведениям искусства. Посмотрите внимательно хотя бы на эту вазу - в ней все сказано.
#этторесоттсасс #легендыдизайна #сексидизайн

Ваза Shiva, дизайн Этторе Соттсасса для bd Barcelona, 1973. С 70-х она изготавливается в розовом цвете, а в 2005-м, было выпущено 50 «золотых» экземпляров (таких, как автор держит на фотографии).

На прошлой неделе я писала про визит в Москву молодого талантливого итальянского дизайнера Маттео Чибича - помните парня с набором небанальных портретов и таких же незабываемых вещей? (Не помните - листните 👆, это того стоит). Он смешно рассказывал про свои работы, говорил, что будущее не за технологиями, а за биотехнологиями, и новые предметы надо не проектировать, а выращивать на деревьях. Журналисты из @designmate записали его выступление. Почитать можно тут: https://t.me/designmate/195

#сексидизайн Судя по тому, какой резонанс вызывает фотография Этторе Соттсасса в обнимку с керамическим членом-вазой, далеко не все знакомы с другими, менее известными сексуальными аллюзиями в дизайне. А меж тем их было и есть немало. Первым делом вспоминается, конечно, Фабио Новембре с его попами, мужской и женской, на пластиковых креслах а-ля Вернер Пантон. Ну и вообще Новембре - большой поклонник антропоморфности в дизайне и проповедник эротики в жизни и на службе. Но есть и гораздо менее известные примеры. В 2013 году я, помнится, посетила вполне грандиозную выставку "Секс и дизайн" в миланском Палаццо Триеннале, где было много интересного и не было ни грамма пошлости. Смотрите.