На днях, когда я работала в Ларце, на новой для себя выставке, пришёл один дядька.
Я тогда впервые проводила там медиацию, она не только очень сырая, но и моё знание экспонатов минимальное. Вообще, мне нравится порой подменять коллег в Ларце, и я бы даже с удовольствием делала это чаще, потому что у них там в основном групповые выставки. Они меняются чаще, чем в Коллайдере, и информации о работах и художниках приходится собирать больше, а значит, ты погружаешься в контекст, в тему и детали глубже. У меня в Коллайдере соло выставки и длятся они по полгода, поэтому тут особо не разгуляешься в этом смысле.
Я сама продолжаю обучение на искусствоведа, но чтобы знать мир современного искусства - это отдельная работа, и в Ларце очень хорошо получается её проделывать. И меня, конечно, восхищают те, кто хорошо разбирается в теме. Раньше я смущалась, что порой знаю меньше кого-то, кто пришел посмотреть, но приняла это смущение как топливо для развития, и каждый раз очень увлекательно узнавать про нового для себя художника и рассказывать о своих находках.
Так вот, пришёл дядька. Смотрит на скульптуру деревянную мужчины в красном трико с поднятыми в руках гантелями, и справшивает меня - это Кончаловский? А я только что прочитала на открытке с таким же изображением, что да, это он. Я знаю, что Петр Кончаловский - художник. И что есть картина Машкова, где они с Кончаловским сидят очень накаченные в спортивных трусах, это всё) А, ну и видела на прошлой выставке его эскиз к картине "Полотёр". Я тогда ещё долго думала, какой-то французский термин, какой-то polauteur, а потом выяснила, что полотёр это очень на русском - тот, кто трёт пол. Хоспаде, у меня с этими сложносочинёнными словами всегда были проблемы. Помню, как долго соображала, что такое продают под названием на ценнике кольцедер-жатель. Думаю, странно, зачем существует кольцедёр, и зачем кольце-жатель, и как это устройство работает в едином объекте и, опять же, зачем?! Потом оказалось, что это, конечно же, кольцедержатель, с переносом на другую строку через дефис.
В общем, посетитель, скульптура Кончаловского, я. Ну пообщались, и он ушёл, а я потом думаю, а вот как он догадался, что мужик в красном трико - Кончаловский? Не то что бы тот ходил в красном трико. И не то что бы был цирковым спорстменом, чтобы по гантелям и усам понять. Я подумала, что посетитель просто очень умный, но мне был интересен ход его мысли. Так что я стала гуглить. И вот что я нашла:
Тут сработало несколько слоёв узнавания. Автор скульптуры Николай Ватагин (между прочим, внук известного анималиста Василия Ватагина) работал не через портретное сходство, а через типаж и миф. Ну, скульптуры у него, довольно стилизованные, почти лубковые.
А у Кончаловского в художественной среде был очень устойчивый образ - мощный, плотный, "мясистый", человек телесной энергии, силы. Живописец с мышцами, не отлетевший визионер, а земной титан. И этот образ настолько въелся, что увидеть мускулистого мужчину с гантелями для человека, близкого к искусству, значит почти на автомате вспомнить Кончаловского. Это что-то вроде добродушной гиперболы.
Получается, что этот образ культурно закодирован. Как для нас Малевич = квадрат, Маяковский - гром, Кандинский - духовная вибрация, так и Кончаловский для знающего - мышцы, тело, мощь. Даже если человек не может это рационально объяснить, он узнает архетип. То есть, это некая визуальная формула личности. Получается, что Кончаловский в культуре уже существовал, как "атлет живописи", а Ватагин перевел эту репутацию в форму наивной скульптуры.
А дальше мне стало ещё интереснее, потому что я напала на информацию о том, как художники ХХ века создавали мифы друг о друге. Напишу об этом в следующем посте, а то этот и без того слишком длинный🙃
Я тогда впервые проводила там медиацию, она не только очень сырая, но и моё знание экспонатов минимальное. Вообще, мне нравится порой подменять коллег в Ларце, и я бы даже с удовольствием делала это чаще, потому что у них там в основном групповые выставки. Они меняются чаще, чем в Коллайдере, и информации о работах и художниках приходится собирать больше, а значит, ты погружаешься в контекст, в тему и детали глубже. У меня в Коллайдере соло выставки и длятся они по полгода, поэтому тут особо не разгуляешься в этом смысле.
Я сама продолжаю обучение на искусствоведа, но чтобы знать мир современного искусства - это отдельная работа, и в Ларце очень хорошо получается её проделывать. И меня, конечно, восхищают те, кто хорошо разбирается в теме. Раньше я смущалась, что порой знаю меньше кого-то, кто пришел посмотреть, но приняла это смущение как топливо для развития, и каждый раз очень увлекательно узнавать про нового для себя художника и рассказывать о своих находках.
Так вот, пришёл дядька. Смотрит на скульптуру деревянную мужчины в красном трико с поднятыми в руках гантелями, и справшивает меня - это Кончаловский? А я только что прочитала на открытке с таким же изображением, что да, это он. Я знаю, что Петр Кончаловский - художник. И что есть картина Машкова, где они с Кончаловским сидят очень накаченные в спортивных трусах, это всё) А, ну и видела на прошлой выставке его эскиз к картине "Полотёр". Я тогда ещё долго думала, какой-то французский термин, какой-то polauteur, а потом выяснила, что полотёр это очень на русском - тот, кто трёт пол. Хоспаде, у меня с этими сложносочинёнными словами всегда были проблемы. Помню, как долго соображала, что такое продают под названием на ценнике кольцедер-жатель. Думаю, странно, зачем существует кольцедёр, и зачем кольце-жатель, и как это устройство работает в едином объекте и, опять же, зачем?! Потом оказалось, что это, конечно же, кольцедержатель, с переносом на другую строку через дефис.
В общем, посетитель, скульптура Кончаловского, я. Ну пообщались, и он ушёл, а я потом думаю, а вот как он догадался, что мужик в красном трико - Кончаловский? Не то что бы тот ходил в красном трико. И не то что бы был цирковым спорстменом, чтобы по гантелям и усам понять. Я подумала, что посетитель просто очень умный, но мне был интересен ход его мысли. Так что я стала гуглить. И вот что я нашла:
Тут сработало несколько слоёв узнавания. Автор скульптуры Николай Ватагин (между прочим, внук известного анималиста Василия Ватагина) работал не через портретное сходство, а через типаж и миф. Ну, скульптуры у него, довольно стилизованные, почти лубковые.
А у Кончаловского в художественной среде был очень устойчивый образ - мощный, плотный, "мясистый", человек телесной энергии, силы. Живописец с мышцами, не отлетевший визионер, а земной титан. И этот образ настолько въелся, что увидеть мускулистого мужчину с гантелями для человека, близкого к искусству, значит почти на автомате вспомнить Кончаловского. Это что-то вроде добродушной гиперболы.
Получается, что этот образ культурно закодирован. Как для нас Малевич = квадрат, Маяковский - гром, Кандинский - духовная вибрация, так и Кончаловский для знающего - мышцы, тело, мощь. Даже если человек не может это рационально объяснить, он узнает архетип. То есть, это некая визуальная формула личности. Получается, что Кончаловский в культуре уже существовал, как "атлет живописи", а Ватагин перевел эту репутацию в форму наивной скульптуры.
А дальше мне стало ещё интереснее, потому что я напала на информацию о том, как художники ХХ века создавали мифы друг о друге. Напишу об этом в следующем посте, а то этот и без того слишком длинный🙃
❤6
В общем, внутри арт-мира начала ХХ века сложилась интересная картина, в которой художники помогали друг другу сохранить смыслы. То есть рассказывая друг о друге, в этом бесконечном потоке художественных -измов, они закрепляли за собой некие образы, или, если хотите, фигуры силы, позволяющие их идеям выживать.
Ситуация в России в начале ХХ века сделала создание таких архетипов стало необходимым, и художники сплотились, найдя выход в создании так называемого мифа художника. Это произошло, потому что основные опоры искусства в то время рухнули. А оно до этого момента опиралось на академический канон, религиозную составляющую (напомню, что наступило советское время с отрицанием религии), что привело к распаду единого стиля времени. В этом создавшемся вакууме художник должен был ответить на вопрос - а кто я, если больше нет Бога, Академии и Заказчика?
То есть, в этом была необходимость для выживания русского искусства вообще. И ответом на этот вопрос стал миф художника.
Миф строится на трех принципах:
• повторяющееся поведение (что человек делает постоянно, даже если это невыгодно)
• ограничение (чего человек не делает: отказ от использования стиля, темы, площадок, языка)
• внешнее узнавание (что говорят о его творчестве другие)
Я расскажу про 4 типа, но, разумеется, это не все, просто самые яркие в тот период. И хочется показать принцип каждого. Вдруг, эта тема отзовется, и захочется порассуждать о своём мифе)
Итак, художник-пророк.
Сюда можно отнести Кандинского, Рериха, позднего Малевича.
Создаётся через тексты, манифесты, «учения», образы восхождения, света, космоса, дистанцию от быта.
Если говорить о внешнем узнавании, вот что делали другие художники в их отношении: подчёркивали его «неземность», рассказывали истории «озарений», усиливая тем самым ощущение избранности.
В сознании зрителя возникает миф «он не рисует, он знает.»
Кстати, мне лично максимально интересны художники этого типа. Я просто наслаждаюсь их изучением.
Второй тип - Художник-титан / телесный герой ( как раз-таки Кончаловский, Машков, часть Бубнового валета)
Создаётся художником через рассказы о силе, аппетите, темпераменте, грубоватую живопись, бытовые образы
Коллеги подхватывают через анекдоты, гиперболу, почти цирковую образность.
И Николай Ватагин здесь абсолютно точен. Хоть он жил и творил гораздо позже. Но в этом мы видим преемственность и продолжение традиции поддержания мифа художника.
Третий тип - Художник-жертва / мученик (Филонов, Платонов в литературе, позже Кабаков в версии о советском художнике)
Создаётся через рассказы о бедности, непонятости, добровольном отказе от успеха.
Коллеги, рассказывая о нем, усиливают трагизм, подчеркивают глубину.
Миф звучит примерно как «он слишком чист для этого мира.»
И последний из мифов на сегодня - Художник-шут / трикстер (сюда можем включить Хлебникова, Хармса, раннего Малевича, дадаистов)
Создаётся через абсурд, нарочитую наивность, отказ быть «серьёзным». Другие художники пересказывают нелепые истории, поддерживают игру.
Миф «он знает больше всех, но говорит наоборот».
То есть, мы видим, что миф, это не то, кем себя представляет художник, не то, что он сам про себя рассказывает, а какой вайб возникает вокруг него. Это могут быть фразы, которые он никогда не скажет, но которые считает зритель. Получается, что миф нельзя придумать, но можно посадить семя, из которого он вырастет. А путем к обретению этого семени будет как раз понимание, что для тебя естественно делать и от чего ты должен осознанно отказаться.
Но вот что важно: «миф» не равно ложь.
Миф берёт одну доминанту, усиливает её и убирает всё, что отвлекает. И человек начинает совпадать со своим мифом. Иногда добровольно, а иногда трагически.
Наверное, поэтому художнику так важно знать вот эту основу для себя - что он делает, а от чего осознанно отказывается. Потому что непонимание может увести туда, где быть совсем не хочется.
Для меня, например, увлечение художниками-пророками грозит душнотой.
Ситуация в России в начале ХХ века сделала создание таких архетипов стало необходимым, и художники сплотились, найдя выход в создании так называемого мифа художника. Это произошло, потому что основные опоры искусства в то время рухнули. А оно до этого момента опиралось на академический канон, религиозную составляющую (напомню, что наступило советское время с отрицанием религии), что привело к распаду единого стиля времени. В этом создавшемся вакууме художник должен был ответить на вопрос - а кто я, если больше нет Бога, Академии и Заказчика?
То есть, в этом была необходимость для выживания русского искусства вообще. И ответом на этот вопрос стал миф художника.
Миф строится на трех принципах:
• повторяющееся поведение (что человек делает постоянно, даже если это невыгодно)
• ограничение (чего человек не делает: отказ от использования стиля, темы, площадок, языка)
• внешнее узнавание (что говорят о его творчестве другие)
Я расскажу про 4 типа, но, разумеется, это не все, просто самые яркие в тот период. И хочется показать принцип каждого. Вдруг, эта тема отзовется, и захочется порассуждать о своём мифе)
Итак, художник-пророк.
Сюда можно отнести Кандинского, Рериха, позднего Малевича.
Создаётся через тексты, манифесты, «учения», образы восхождения, света, космоса, дистанцию от быта.
Если говорить о внешнем узнавании, вот что делали другие художники в их отношении: подчёркивали его «неземность», рассказывали истории «озарений», усиливая тем самым ощущение избранности.
В сознании зрителя возникает миф «он не рисует, он знает.»
Кстати, мне лично максимально интересны художники этого типа. Я просто наслаждаюсь их изучением.
Второй тип - Художник-титан / телесный герой ( как раз-таки Кончаловский, Машков, часть Бубнового валета)
Создаётся художником через рассказы о силе, аппетите, темпераменте, грубоватую живопись, бытовые образы
Коллеги подхватывают через анекдоты, гиперболу, почти цирковую образность.
И Николай Ватагин здесь абсолютно точен. Хоть он жил и творил гораздо позже. Но в этом мы видим преемственность и продолжение традиции поддержания мифа художника.
Третий тип - Художник-жертва / мученик (Филонов, Платонов в литературе, позже Кабаков в версии о советском художнике)
Создаётся через рассказы о бедности, непонятости, добровольном отказе от успеха.
Коллеги, рассказывая о нем, усиливают трагизм, подчеркивают глубину.
Миф звучит примерно как «он слишком чист для этого мира.»
И последний из мифов на сегодня - Художник-шут / трикстер (сюда можем включить Хлебникова, Хармса, раннего Малевича, дадаистов)
Создаётся через абсурд, нарочитую наивность, отказ быть «серьёзным». Другие художники пересказывают нелепые истории, поддерживают игру.
Миф «он знает больше всех, но говорит наоборот».
То есть, мы видим, что миф, это не то, кем себя представляет художник, не то, что он сам про себя рассказывает, а какой вайб возникает вокруг него. Это могут быть фразы, которые он никогда не скажет, но которые считает зритель. Получается, что миф нельзя придумать, но можно посадить семя, из которого он вырастет. А путем к обретению этого семени будет как раз понимание, что для тебя естественно делать и от чего ты должен осознанно отказаться.
Но вот что важно: «миф» не равно ложь.
Миф берёт одну доминанту, усиливает её и убирает всё, что отвлекает. И человек начинает совпадать со своим мифом. Иногда добровольно, а иногда трагически.
Наверное, поэтому художнику так важно знать вот эту основу для себя - что он делает, а от чего осознанно отказывается. Потому что непонимание может увести туда, где быть совсем не хочется.
Для меня, например, увлечение художниками-пророками грозит душнотой.
❤2🔥2
Хоть я и в восторге от всех этих их возвышенных идей, если я бы выбрала этот путь, я бы умерла в какой-то момент от серьезности и невозможности задуряться. Мне стало очень интересно, а что для меня, как для художника, естественно, а что я осознанно хочу отодвинуть. Это прям очень увлекательные размышления, которыми займусь в ближайшее время.
Такой вот кусок вкуснейшего пирога искусства вам сегодня принесла❣️
Такой вот кусок вкуснейшего пирога искусства вам сегодня принесла❣️
❤2
А вообще, выставка Игрушки-игрушечки довольно симпатичная. Но ностальгия как будто немного тягостная, не светлая.
Было забавно, когда мы недавно сидели в баре с Илаем и ещё парой ребят, и я его в отрыве от всего вдруг спрашиваю, а расскажи мне про ёлочку. И он начинает рассказывать о core memories из детства про Новый год и зиму, про то, как он с семьей ходил рубить елочку, потом они несли ее, пахучую, домой, и как, вспоминая об этом, начинают приходить другие, менее яркие воспоминания, а за ними и ещё более мелкие… Сказал, что память похожа на ёлочку — как от её ствола отходят большие ветви, от них ветки поменьше, а от тех - самые маленькие, а на них иголочки.
Наверное, со стороны этот разговор выглядел очень кинематографично😁 Хотя я просто просила его поделиться информацией о его работе, которая на 4 фотографии, чтобы потом рассказывать посетителям :)
Было забавно, когда мы недавно сидели в баре с Илаем и ещё парой ребят, и я его в отрыве от всего вдруг спрашиваю, а расскажи мне про ёлочку. И он начинает рассказывать о core memories из детства про Новый год и зиму, про то, как он с семьей ходил рубить елочку, потом они несли ее, пахучую, домой, и как, вспоминая об этом, начинают приходить другие, менее яркие воспоминания, а за ними и ещё более мелкие… Сказал, что память похожа на ёлочку — как от её ствола отходят большие ветви, от них ветки поменьше, а от тех - самые маленькие, а на них иголочки.
Наверное, со стороны этот разговор выглядел очень кинематографично😁 Хотя я просто просила его поделиться информацией о его работе, которая на 4 фотографии, чтобы потом рассказывать посетителям :)
❤5
Я уже больше полугода в терапии, и меня отправили в тренинг - на контактную импровизацию. Благо, у нас во Владимире она не только есть, но и проводится моей знакомой. Если кратко - это погружение в тело, понимание его желаний, осознание собственных и чужих границ, а также взаимодействие с другими для обретения и укрепления новых навыков контакта. Это работа на уровне тела, но влияет она и на то, как мы общаемся с другими на других уровнях.
Мне понравилось, что тело получает опыт, который ум не очень-то может понять. В конце-концов, сколько бы ты себе не рассказывал о чем-то и не старался "переписать" в уме привычные сценарии, решает только опыт тела. Интересно, что после первого же занятия я почти весь следующий день спала. Видимо, психика производила какие-то глубинные перестройки, которые требовали больших энергетических затрат. Хотя на занятии мы просто наблюдали за внутренними импульсами, были под наблюдением других. И ещё была очень бережная практика прибытия в тело, когда другой помогает тебе напомнить о том, что является твоим телом. Сложно рассказать понятно, опять же, потому что эта практика не для понимания, а для чувствования.
В конце мы обсуждали, как себя ощущали, когда и почему было некомфортно и когда сдерживали свои импульсы. Это очень тонкая работа, которая мне за неделю после знакомства с ней выдала кучу осознаний во взаимодействии с другими, которые я раньше совсем не замечала. Как будто бы за то время, пока я спала на следующий день после занятия, мне установили обновление системы. Уверена, что буду продолжать. Что-то безумно ценное, чему хочется дать место в своей жизни🌱
Мне понравилось, что тело получает опыт, который ум не очень-то может понять. В конце-концов, сколько бы ты себе не рассказывал о чем-то и не старался "переписать" в уме привычные сценарии, решает только опыт тела. Интересно, что после первого же занятия я почти весь следующий день спала. Видимо, психика производила какие-то глубинные перестройки, которые требовали больших энергетических затрат. Хотя на занятии мы просто наблюдали за внутренними импульсами, были под наблюдением других. И ещё была очень бережная практика прибытия в тело, когда другой помогает тебе напомнить о том, что является твоим телом. Сложно рассказать понятно, опять же, потому что эта практика не для понимания, а для чувствования.
В конце мы обсуждали, как себя ощущали, когда и почему было некомфортно и когда сдерживали свои импульсы. Это очень тонкая работа, которая мне за неделю после знакомства с ней выдала кучу осознаний во взаимодействии с другими, которые я раньше совсем не замечала. Как будто бы за то время, пока я спала на следующий день после занятия, мне установили обновление системы. Уверена, что буду продолжать. Что-то безумно ценное, чему хочется дать место в своей жизни
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤5
Мне очень нравится этот Димин суздальский стилёк:) но я, конечно, мечтаю о техноверсии саундтрека к Чародеям:)
❤3👍2
Forwarded from NEVOLNIK
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Вот так еще умею)
🔥5
Сейчас в Суздале низкий сезон, и гостей на выставке почти нет.
В такие дни на работе я обычно занимаюсь самообразованием - слушаю лекции, узнаю больше о материале, с которым работаю, иногда просто пишу размышления и структурирую их. Сегодня размышляла над намеренным разрывом логики для создания интеллектуального пространства произведения или выставки.
Это то, чего мне не хватало в собственных работах - как художественных, так и кураторских, да и в качестве медиатора тоже. То что позволяет создать пространство, где зритель переходит из наблюдателя в сопричастного к произведению.
Мне раньше думалось, что если наполнить каждую деталь смыслом, то вот оно. Но, всё-таки, смысл возникает в промежутке, а не в каждом элементе. Отсюда и потребность в намеренном разрыве логике - таком, что позволяет достроить зрителю свои смыслы, но не бросает его наедине с этим разрывом, а подкидывает подсказки. Даёт ему чувство, что он сам нашёл какой-то клад, почти случайно. Может, автор его туда и не закладывал, ведь напрямую и не сказано.
Однажды узнала одну галерейную хитрость, которая мне очень понравилась - разместить самую ценную работу как бы между прочим, в каком-нибудь малозаметном углу, чтобы у коллекционера создалось чувство, что он нашёл никем не примеченный шедевр, которым ему надо непременно завладеть, пока никто другой его не увидел. И всё это ради вот этого чувство "открытия", нахождения ценного клада. Такая игра, в которой всем хорошо и приятно.
Создание намеренного логического разрыва в произведении или выставке стремится к той же цели, с отличием лишь в том, что ты ведёшь и направляешь, но не задаёшься целью проконтролировать жёсткий результат. И прийти к этому не так сложно, как кажется.
Нужно всего лишь создать пустоты, которые будут достаточными, чтобы зритель заполнил их своими интерпретациями. На практике это выглядит примерно так:
Работа - это одно
Текст - про другое
Название - про третье.
Например, работа у тебя про ностальгию по ушедшему периоду жизни, а название не является пояснительной запиской к работе, и текст описывает процесс создания, или ограничение, которое было наложено, или сомнение, возникшее во время работы, а может, и решение, которое не было принято.
То есть, происходит смещение фокуса с "что это" на "как это сделано".
Для того, чтобы произвести этот сдвиг, из экспликации или кураторского текста нужно исключить слова, связанные со смыслом, темой или значением, заменив их на действия художника, его решения, от чего он отказался и какие ограничения себе поставил. Именно это создаёт интеллектуальное пространство, когда название не объясняет работу, текст не подтверждает визуальное, а визуальное не иллюстрирует текст.
Если говорить проще, то описание должно правдиво отвечать не на тот вопрос, который задаёт зритель.
Но чтобы ответить, на какой вопрос отвечать не нужно, надо понять, какой вопрос задаёт зритель, верно же?
Прежде, чем перейти к этому, хочу поделиться с вами кусочком интервью Андрея Бартенева с Алёной Лапиной, где он филигранно использует этот логический разрыв, тем самым, создавая классное пространство для мысли и обеспечивая собственную творческую свободу.
*Отрывок из книги "25 интервью с современными художниками 2014-2024" от The Art Newspaper Russia
В такие дни на работе я обычно занимаюсь самообразованием - слушаю лекции, узнаю больше о материале, с которым работаю, иногда просто пишу размышления и структурирую их. Сегодня размышляла над намеренным разрывом логики для создания интеллектуального пространства произведения или выставки.
Это то, чего мне не хватало в собственных работах - как художественных, так и кураторских, да и в качестве медиатора тоже. То что позволяет создать пространство, где зритель переходит из наблюдателя в сопричастного к произведению.
Мне раньше думалось, что если наполнить каждую деталь смыслом, то вот оно. Но, всё-таки, смысл возникает в промежутке, а не в каждом элементе. Отсюда и потребность в намеренном разрыве логике - таком, что позволяет достроить зрителю свои смыслы, но не бросает его наедине с этим разрывом, а подкидывает подсказки. Даёт ему чувство, что он сам нашёл какой-то клад, почти случайно. Может, автор его туда и не закладывал, ведь напрямую и не сказано.
Однажды узнала одну галерейную хитрость, которая мне очень понравилась - разместить самую ценную работу как бы между прочим, в каком-нибудь малозаметном углу, чтобы у коллекционера создалось чувство, что он нашёл никем не примеченный шедевр, которым ему надо непременно завладеть, пока никто другой его не увидел. И всё это ради вот этого чувство "открытия", нахождения ценного клада. Такая игра, в которой всем хорошо и приятно.
Создание намеренного логического разрыва в произведении или выставке стремится к той же цели, с отличием лишь в том, что ты ведёшь и направляешь, но не задаёшься целью проконтролировать жёсткий результат. И прийти к этому не так сложно, как кажется.
Нужно всего лишь создать пустоты, которые будут достаточными, чтобы зритель заполнил их своими интерпретациями. На практике это выглядит примерно так:
Работа - это одно
Текст - про другое
Название - про третье.
Например, работа у тебя про ностальгию по ушедшему периоду жизни, а название не является пояснительной запиской к работе, и текст описывает процесс создания, или ограничение, которое было наложено, или сомнение, возникшее во время работы, а может, и решение, которое не было принято.
То есть, происходит смещение фокуса с "что это" на "как это сделано".
Для того, чтобы произвести этот сдвиг, из экспликации или кураторского текста нужно исключить слова, связанные со смыслом, темой или значением, заменив их на действия художника, его решения, от чего он отказался и какие ограничения себе поставил. Именно это создаёт интеллектуальное пространство, когда название не объясняет работу, текст не подтверждает визуальное, а визуальное не иллюстрирует текст.
Если говорить проще, то описание должно правдиво отвечать не на тот вопрос, который задаёт зритель.
Но чтобы ответить, на какой вопрос отвечать не нужно, надо понять, какой вопрос задаёт зритель, верно же?
Прежде, чем перейти к этому, хочу поделиться с вами кусочком интервью Андрея Бартенева с Алёной Лапиной, где он филигранно использует этот логический разрыв, тем самым, создавая классное пространство для мысли и обеспечивая собственную творческую свободу.
*Отрывок из книги "25 интервью с современными художниками 2014-2024" от The Art Newspaper Russia
❤1
А.Б.
Я не художник, который занимается социальными проблемами. Совершенно. Мне это неинтересно. Мне интересно расширение эмоционального спектра человека. Это полная бесконечность. Такая практика может быть применима в первую очередь в межгалактических путешествиях, когда группа людей находится в замкнутом пространстве и есть специалист, который занимается перформанс-артом. Он разыгрывает со всеми членами команды различные абстрактные фантазийные мини-спектакли, и они психически поддерживают коллектив в замкнутом пространстве в долгом путешествии.
А.Л. А сами полетели бы?
Ну что мне «полетел»?! Я уже сто раз полетел. В каждом своем перформансе я уже куда-то полетел. Но эта тема возникла, потому что сейчас формируется команда на Марс. И я говорю: большая проблема, что в этой команде нет творческой личности, которая занимается именно контролем и стимуляцией эмоциональных выбросов команды. Я смотрю на весь окружающий мир и рассматриваю его как некие декорации для перформанса. Я вижу, какие есть хорошие моменты, а какие есть провалы у окружающего ландшафта. И через это я понимаю, что нужно пойти и сделать в этом провале какой-то перформанс, чтобы это место эмоционально подросло и в целом ландшафт был более комфортен для всех.
А.Л. Я так поняла, что ваша вечная молодость обусловливается выбросом какого-то гормона счастья во время ваших перформансов.
А.Б.
Может быть. Но это такая ерунда! Совершенно другое интересно во всем этом: практика перформанс-арта полна предощущений.
Я через это развлечение, через задачу все время что-то придумывать новое, через задачу смотреть на плоскость или смотреть на объем постоянно с новых точек нахожусь в эдаком предчувствии, что же произойдет завтра. И когда ты превращаешься в эту огромную тарелку-антенну, направленную своим ухом в будущее, ты, конечно же, получаешь оттуда импульсы первым.
Я не художник, который занимается социальными проблемами. Совершенно. Мне это неинтересно. Мне интересно расширение эмоционального спектра человека. Это полная бесконечность. Такая практика может быть применима в первую очередь в межгалактических путешествиях, когда группа людей находится в замкнутом пространстве и есть специалист, который занимается перформанс-артом. Он разыгрывает со всеми членами команды различные абстрактные фантазийные мини-спектакли, и они психически поддерживают коллектив в замкнутом пространстве в долгом путешествии.
А.Л. А сами полетели бы?
Ну что мне «полетел»?! Я уже сто раз полетел. В каждом своем перформансе я уже куда-то полетел. Но эта тема возникла, потому что сейчас формируется команда на Марс. И я говорю: большая проблема, что в этой команде нет творческой личности, которая занимается именно контролем и стимуляцией эмоциональных выбросов команды. Я смотрю на весь окружающий мир и рассматриваю его как некие декорации для перформанса. Я вижу, какие есть хорошие моменты, а какие есть провалы у окружающего ландшафта. И через это я понимаю, что нужно пойти и сделать в этом провале какой-то перформанс, чтобы это место эмоционально подросло и в целом ландшафт был более комфортен для всех.
А.Л. Я так поняла, что ваша вечная молодость обусловливается выбросом какого-то гормона счастья во время ваших перформансов.
А.Б.
Может быть. Но это такая ерунда! Совершенно другое интересно во всем этом: практика перформанс-арта полна предощущений.
Я через это развлечение, через задачу все время что-то придумывать новое, через задачу смотреть на плоскость или смотреть на объем постоянно с новых точек нахожусь в эдаком предчувствии, что же произойдет завтра. И когда ты превращаешься в эту огромную тарелку-антенну, направленную своим ухом в будущее, ты, конечно же, получаешь оттуда импульсы первым.
❤2
Итак, какой же вопрос задаёт зритель?
Почти всегда он задаёт один из очень ограниченного набора вопросов, которые можно уложить в 4 группы:
1. Что это означает? - самый частый.
Возникает, когда форма непривычна, нет очевидного сюжета, есть ощущение "я должен понять" (а оно есть почти всегда). Если отвечаешь на этот вопрос напрямую, закрываешь пространство для интеллектуальной работы зрителя.
2. Почему так сделано?- о логике автора.
Возникает, когда виден выбор, есть странность, есть несоответствие ожиданиям. Это оченьхороший вопрос, с ним можно работать.
3. Чтокурил хотел сказать автор? Вопрос школьного анализа.
Ну, тут ничего не поделаешь, так нас научили. Но именно этот вопрос мешает зрителю по-настоящему увидеть работу. Если он задаёт его себе и сам не может на него ответить, у него включаются защиты, и он либо игнорирует, либо отрицает работу. Если ответить на этот вопрос, то ты становишься "учителем" для зрителя, автоматически помещая тем самым его в позицию ниже (а нам этого не надо, нам нужен взрослый со своей головой на плечах).
4. А при чём здесь я? - самый ценный вопрос. Он появляется только если нет инструкций, нет морали, но есть некая незавершённость.
Пространство для интеллектуальной работы возникает, когда ты не отвечаешь на 1 и 3 вопросы, а позволяешь зрителю дойти до четвертого. Таким образом, "отвечать не на тот вопрос" означает смещение уровня ответа.
Зритель внутренне спрашивает "что это значит?", а ты отвечаешь "художник сделал это вот так". Между вопросом и ответом появляется разрыв, в котором рождается пространство для мышления.
Почти всегда он задаёт один из очень ограниченного набора вопросов, которые можно уложить в 4 группы:
1. Что это означает? - самый частый.
Возникает, когда форма непривычна, нет очевидного сюжета, есть ощущение "я должен понять" (а оно есть почти всегда). Если отвечаешь на этот вопрос напрямую, закрываешь пространство для интеллектуальной работы зрителя.
2. Почему так сделано?- о логике автора.
Возникает, когда виден выбор, есть странность, есть несоответствие ожиданиям. Это оченьхороший вопрос, с ним можно работать.
3. Что
Ну, тут ничего не поделаешь, так нас научили. Но именно этот вопрос мешает зрителю по-настоящему увидеть работу. Если он задаёт его себе и сам не может на него ответить, у него включаются защиты, и он либо игнорирует, либо отрицает работу. Если ответить на этот вопрос, то ты становишься "учителем" для зрителя, автоматически помещая тем самым его в позицию ниже (а нам этого не надо, нам нужен взрослый со своей головой на плечах).
4. А при чём здесь я? - самый ценный вопрос. Он появляется только если нет инструкций, нет морали, но есть некая незавершённость.
Пространство для интеллектуальной работы возникает, когда ты не отвечаешь на 1 и 3 вопросы, а позволяешь зрителю дойти до четвертого. Таким образом, "отвечать не на тот вопрос" означает смещение уровня ответа.
Зритель внутренне спрашивает "что это значит?", а ты отвечаешь "художник сделал это вот так". Между вопросом и ответом появляется разрыв, в котором рождается пространство для мышления.
👍1🔥1
Пробираясь через все сугробы, ощутила какую-то детскую радость от зимы. Не знаю, как остальные, но я обожаю снегопадище, когда засыпает так, что никакая коммунальная служба не справляется. Это моя стихия, я ж февральская)
Но если так подумать, я кайфую, когда любая стихия бушует, такая неизмеримая, неостановимая. Когда гроза с молниями, и громыхает так, что окна трясутся, когда дождь стеной превращается в реки на улицах, когда ветер сносит всё на своём пути... чувствую себя в своей тарелке, внутри столько мощи просыпается. Шаманка)
Сегодня в своём суздальском цифровом домике, засесённом снегами (Влад уже почистил дорожки, добраться теперь всё же можно), организовала себе уютное рабочее место с горячим чаем в термосе, книгами об искусстве и обогревателем. Думаю готовиться к мероприятию, которое буду проводить 15 февраля во Флигеле - практика импровизации "Ошибок нет", надо составить программу и продумать упражнения. В подготовке записалась на лабораторку в своей бывшей школе импровизации, немножко прийти в форму. Там ещё тема забавная, под стать Выставке Плохих Работ - "Больше кринжа" называется. Вспомнила сразу о своем канальчике "Я кринжую", сто лет туда не писала. Кринжевала ли я за эти сто лет? Скорее нет, чем да. Поняла, что за себя больше не стыдно - ну какая есть дурная порой, такая и есть. Ну вот и проверим на лабораторке, насколько😅
Но если так подумать, я кайфую, когда любая стихия бушует, такая неизмеримая, неостановимая. Когда гроза с молниями, и громыхает так, что окна трясутся, когда дождь стеной превращается в реки на улицах, когда ветер сносит всё на своём пути... чувствую себя в своей тарелке, внутри столько мощи просыпается. Шаманка)
Сегодня в своём суздальском цифровом домике, засесённом снегами (Влад уже почистил дорожки, добраться теперь всё же можно), организовала себе уютное рабочее место с горячим чаем в термосе, книгами об искусстве и обогревателем. Думаю готовиться к мероприятию, которое буду проводить 15 февраля во Флигеле - практика импровизации "Ошибок нет", надо составить программу и продумать упражнения. В подготовке записалась на лабораторку в своей бывшей школе импровизации, немножко прийти в форму. Там ещё тема забавная, под стать Выставке Плохих Работ - "Больше кринжа" называется. Вспомнила сразу о своем канальчике "Я кринжую", сто лет туда не писала. Кринжевала ли я за эти сто лет? Скорее нет, чем да. Поняла, что за себя больше не стыдно - ну какая есть дурная порой, такая и есть. Ну вот и проверим на лабораторке, насколько
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤3
И, кстати, раз уж говорить о феврале - 1 числа у меня день рождения. Думала, чем бы себя в этот день занять во Владимире, и решила, что а ведь не обязательно во Владимире, да? Купила билеты в Питер на несколько дней. Уже составила культурную программу. Помимо лабраторки в Точке Импро, собираюсь сходить в Анненкирхе, новый музей ОБЭРИУ и дом Матюшина.
По традиции рассказываю, каким подаркам буду точно ну прям очень рада:
- билетам на майский концерт ZOLOTO
- сертификату на массаж с ароматными маслами
- кольцу из офигенной коллекции сибирского бренда Endemica, репост сделаю ниже (вы тоже влюбитесь)
- ну и цветочки это всегда актуально.
Это, конечно, FYI. Я так-то вас и без подарков люблю
По традиции рассказываю, каким подаркам буду точно ну прям очень рада:
- билетам на майский концерт ZOLOTO
- сертификату на массаж с ароматными маслами
- кольцу из офигенной коллекции сибирского бренда Endemica, репост сделаю ниже (вы тоже влюбитесь)
- ну и цветочки это всегда актуально.
Это, конечно, FYI. Я так-то вас и без подарков люблю
❤1
Forwarded from Лепота
|украшения| — Endemica
Ребята из Сибири создают украшения, вдохновленные озером Байкал. Особенно понравилась идея кольца ‘Ice with the stone’. Оно выполнено из вторичного стекла, собранного вдоль берегов Байкала, с использованием натурального байкальского аквамарина.
Дизайнеры: «Мы истинные ценители природы нашего края, поэтому особое значение для нас представляет сохранность экологии озера. Стекло разлагается в воде не менее 1000 лет. Данными экспериментом мы хотим обратить внимание нашей аудитории на то, что даже бутылочное стекло, неосознанно брошенное в воды, пройдя все метаморфозы, может стать произведением искусства».
Ребята из Сибири создают украшения, вдохновленные озером Байкал. Особенно понравилась идея кольца ‘Ice with the stone’. Оно выполнено из вторичного стекла, собранного вдоль берегов Байкала, с использованием натурального байкальского аквамарина.
Дизайнеры: «Мы истинные ценители природы нашего края, поэтому особое значение для нас представляет сохранность экологии озера. Стекло разлагается в воде не менее 1000 лет. Данными экспериментом мы хотим обратить внимание нашей аудитории на то, что даже бутылочное стекло, неосознанно брошенное в воды, пройдя все метаморфозы, может стать произведением искусства».
❤1