Известный сюжет в изобразительном искусстве XVI–XVII веков — публичная операция удаления так называемого «камня глупости». В конце XIX столетия французский невролог Генри Мейдж впервые собрал и описал причудливые живописные образы эскулапа, делающего надрез на голове пациента и вынимающего странный предмет. Мейдж назвал его pierre de tete — «головной камень».
Наиболее известное воплощение этой занимательной, но малопонятной современному зрителю сцены — картина «Извлечение камня глупости», приписываемая одному из величайших нидерландских мастеров Иерониму Босху. Сегодня мы расскажем вам о ее самом популярном в искусствоведческой среде трактовании.
🌟 Обрамляющая картину рифмованная надпись готическим шрифтом гласит: «Доктор, камень вынь сейчас, а зовусь я Лубберт Дас». Имя Лубберт было нарицательным и связывалось с голландскими идиомами «иметь камень в голове» (быть глупцом или безумцем), «вырезать камень» (обманывать).
🌟 В основной сцене задействованы четыре персонажа. Крайний слева – хирург-шарлатан. Перевёрнутая воронка на его голове символизирует ложную мудрость и пустоту намерений. Хирург извлекает из головы пациента не камень, а тюльпан, подобный тому, что лежит на столе. В Средневековье тюльпан, в зависимости от контекста, отражал значение человеческих пороков, среди которых были наивная глупость и желание обмануть.
🌟 Пациента художник изобразил в виде толстого пожилого крестьянина, привязанного к стулу, да еще и без обуви.
🌟 В темном одеянии – монах с кувшином вина в руках. Он то ли отпускает грехи, то ли отвлекает внимание оперируемого.
🌟 За столом – старуха-монахиня с книгой на голове. Эта книга встраивается в один ряд с другими знаковыми деталями: кошель на поясе той же монахини и кувшин с вином в руках священника выдают корыстолюбие и стяжательство духовенства. Образ закрытой книги разъясняется еще и как попрание Божьей благодати, забвение христианской добродетели. Таким образом можно допустить, что картина имеет еще и антиклерикальный подтекст.
#живопись #искусство
Наиболее известное воплощение этой занимательной, но малопонятной современному зрителю сцены — картина «Извлечение камня глупости», приписываемая одному из величайших нидерландских мастеров Иерониму Босху. Сегодня мы расскажем вам о ее самом популярном в искусствоведческой среде трактовании.
#живопись #искусство
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Стыдно, когда видно: за что пытались запретить «Страшный суд» Микеланджело 👁
В 1541 году Микеланджело по заказу папы Павла III создал одно из самых грандиозных своих произведений — фреску «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы. Еще при жизни художника произведение вызвало в кругах высшего духовенства ожесточенные споры. На самого заказчика «Страшный суд» произвел невероятно мощное впечатление. По свидетельствам современников, Павел III даже пал пред ней на колени. Напротив, кардинал Карафа — иезуит и инквизитор — был немало возмущен живописью Микеланджело, назвав его произведение безнравственным и непотребным.
Скандал, связанный со «Страшным судом» Микеланджело, не утихал долгие годы и разворачивался на фоне одного из самых важных соборов в истории католической церкви — Тридентского. По итогам этого собора в 1564 году был утвержден декрет о вольности в религиозной живописи, запрещавший изображение обнаженных тел.
Конечно, произведение Микеланджело прямиком подпадало под этот декрет. Еще в конце 1550-х годов папа Павел IV (тот самый кардинал Карафа) предлагал сбить «Страшный суд». К счастью, сделать этого он не успел. Пришедший ему на смену Пий IV отказался от идеи полного уничтожения фрески и решил ее немного «подкорректировать» согласно декрету.
В 1564 году ученик Микеланджело Даниеле Риччарелли из Вольтерры приступил к цензурированию непотребной срамоты.
Надо сказать, что сделал он это с большим уважением к труду своего учителя. Правда, ему пришлось полностью переписать изображения святой Екатерины Александрийской и святого Власия: церковники сочли, что их позы напоминают совокупление.
На этом история с исправлениями «Страшного суда» не закончилась. В течение XVIII и XIX века работу неоднократно подновляли, поскольку «непристойная» авторская живопись постоянно проступала через позднейшие записи.
В 1994 году была произведена последняя на данный момент реставрация фрески. Реставраторы очистили произведение Микеланджело от записей XVIII и XIX века, но оставили живописные вмешательства XVI века как историческое свидетельство церковной цензуры времен Контрреформации.
#живопись #искусство
В 1541 году Микеланджело по заказу папы Павла III создал одно из самых грандиозных своих произведений — фреску «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы. Еще при жизни художника произведение вызвало в кругах высшего духовенства ожесточенные споры. На самого заказчика «Страшный суд» произвел невероятно мощное впечатление. По свидетельствам современников, Павел III даже пал пред ней на колени. Напротив, кардинал Карафа — иезуит и инквизитор — был немало возмущен живописью Микеланджело, назвав его произведение безнравственным и непотребным.
Скандал, связанный со «Страшным судом» Микеланджело, не утихал долгие годы и разворачивался на фоне одного из самых важных соборов в истории католической церкви — Тридентского. По итогам этого собора в 1564 году был утвержден декрет о вольности в религиозной живописи, запрещавший изображение обнаженных тел.
Конечно, произведение Микеланджело прямиком подпадало под этот декрет. Еще в конце 1550-х годов папа Павел IV (тот самый кардинал Карафа) предлагал сбить «Страшный суд». К счастью, сделать этого он не успел. Пришедший ему на смену Пий IV отказался от идеи полного уничтожения фрески и решил ее немного «подкорректировать» согласно декрету.
В 1564 году ученик Микеланджело Даниеле Риччарелли из Вольтерры приступил к цензурированию непотребной срамоты.
Надо сказать, что сделал он это с большим уважением к труду своего учителя. Правда, ему пришлось полностью переписать изображения святой Екатерины Александрийской и святого Власия: церковники сочли, что их позы напоминают совокупление.
На этом история с исправлениями «Страшного суда» не закончилась. В течение XVIII и XIX века работу неоднократно подновляли, поскольку «непристойная» авторская живопись постоянно проступала через позднейшие записи.
В 1994 году была произведена последняя на данный момент реставрация фрески. Реставраторы очистили произведение Микеланджело от записей XVIII и XIX века, но оставили живописные вмешательства XVI века как историческое свидетельство церковной цензуры времен Контрреформации.
#живопись #искусство
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Голо, да гордо: за что пытались запретить «Аллегорию с Венерой и Купидоном» Аньоло Бронзино 👼
Глядя на эту картину, несложно угадать, что именно в ней смутило цензоров и какие именно фрагменты полотна подлежали корректировке.
Впрочем, удивительно здесь то, что срамные места, а именно гениталии Венеры и ягодицы Амура, были прикрыты не в XVI веке, а в середине XIX века. Конечно, во времена Контрреформации Церковь не одобряла нагие тела, но запрет на их изображение распространялся по большей части на религиозную живопись, а также на скульптуру.
Но «Аллегория» Аньоло Бронзино была написана на мифологический сюжет, а также не была доступна широкой публике.
Картина была написана по заказу Козимо I Медичи, великого герцога Тосканского, который подарил ее французскому королю Франциску I. Откровенный эротизм и предельная чувственность «Аллегории с Венерой и Купидоном» соответствовали вкусам как Медичи, так и самого Франциска I, чей двор был одновременно невероятно утонченным и развращенным.
Во времена Наполеона работа была перевезена из Парижа в Вену, а в 1813 году ее купил коллекционер Иоганн Кеглевиц. В 1860 году картина попала в Лондонскую национальную галерею. Сдержанная и консервативная английская публика не выдержала столь неприкрытого во всех смыслах эротизма, поэтому на гениталии Венеры «накинули» драпировку, а ягодицы Амура прикрыли веточкой.
И только в XX веке реставраторы вернули произведению Бронзино первоначальный вид.
#искусство #живопись
Глядя на эту картину, несложно угадать, что именно в ней смутило цензоров и какие именно фрагменты полотна подлежали корректировке.
Впрочем, удивительно здесь то, что срамные места, а именно гениталии Венеры и ягодицы Амура, были прикрыты не в XVI веке, а в середине XIX века. Конечно, во времена Контрреформации Церковь не одобряла нагие тела, но запрет на их изображение распространялся по большей части на религиозную живопись, а также на скульптуру.
Но «Аллегория» Аньоло Бронзино была написана на мифологический сюжет, а также не была доступна широкой публике.
Картина была написана по заказу Козимо I Медичи, великого герцога Тосканского, который подарил ее французскому королю Франциску I. Откровенный эротизм и предельная чувственность «Аллегории с Венерой и Купидоном» соответствовали вкусам как Медичи, так и самого Франциска I, чей двор был одновременно невероятно утонченным и развращенным.
Во времена Наполеона работа была перевезена из Парижа в Вену, а в 1813 году ее купил коллекционер Иоганн Кеглевиц. В 1860 году картина попала в Лондонскую национальную галерею. Сдержанная и консервативная английская публика не выдержала столь неприкрытого во всех смыслах эротизма, поэтому на гениталии Венеры «накинули» драпировку, а ягодицы Амура прикрыли веточкой.
И только в XX веке реставраторы вернули произведению Бронзино первоначальный вид.
#искусство #живопись
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Как смотреть голландский натюрморт: цветы 💐
Голландский натюрморт XVI–XVII веков — интеллектуальная игра, в которой зрителю предлагалось интерпретировать определенные символы и знаки. То, что с легкостью считывали современники, сегодня понятно не всем и далеко не всегда.
Этим постом мы открываем цикл публикаций, где будем объяснять, что означают изображенные художниками предметы.
#искусство #живопись
Голландский натюрморт XVI–XVII веков — интеллектуальная игра, в которой зрителю предлагалось интерпретировать определенные символы и знаки. То, что с легкостью считывали современники, сегодня понятно не всем и далеко не всегда.
Этим постом мы открываем цикл публикаций, где будем объяснять, что означают изображенные художниками предметы.
#искусство #живопись
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Унизил святого: почему заказчики отвергли «Святого Матфея и ангела» Караваджо
«Святого Матфея и ангела» Караваджо написал для капеллы Контарелли. Алтарный образ должен был стать центром живописного цикла капеллы и завершить посвященный евангелисту ансамбль.
Таким образом, капелла становилась фактически единым произведением Караваджо: здесь уже висели две его работы 1599 года — «Призвание апостола Матфея» и «Мученичество апостола Матфея».
В первом варианте картины художник изобразил апостола неотесанным мужиком, который с большим трудом удерживает в своей не привыкшей к письму руке перо. Рядом с ним, подперев подбородок, стоит несколько скучающий, но терпеливый ангел, который направляет своей изящной дланью грубую руку Матфея. Ноги евангелиста — обнаженные и, как водится у Караваджо, грязные и мозолистые — буквально лезут в нос зрителю.
Такая трактовка (которая, в сущности, была очень правдивой) шокировала церковников. Они сочли это изображение унизительным, выставляющим святого в дурном и неподобающем свете, и аннулировали свой заказ.
Тогда Караваджо написал второй вариант «Святого Матфея и ангела», который полностью удовлетворил заказчиков и до сих пор находится в капелле Контарелли.
Ну а первый вариант картины долгое время хранился в Берлине и был утрачен во время штурма города в 1945 году.
#живопись #искусство
«Святого Матфея и ангела» Караваджо написал для капеллы Контарелли. Алтарный образ должен был стать центром живописного цикла капеллы и завершить посвященный евангелисту ансамбль.
Таким образом, капелла становилась фактически единым произведением Караваджо: здесь уже висели две его работы 1599 года — «Призвание апостола Матфея» и «Мученичество апостола Матфея».
В первом варианте картины художник изобразил апостола неотесанным мужиком, который с большим трудом удерживает в своей не привыкшей к письму руке перо. Рядом с ним, подперев подбородок, стоит несколько скучающий, но терпеливый ангел, который направляет своей изящной дланью грубую руку Матфея. Ноги евангелиста — обнаженные и, как водится у Караваджо, грязные и мозолистые — буквально лезут в нос зрителю.
Такая трактовка (которая, в сущности, была очень правдивой) шокировала церковников. Они сочли это изображение унизительным, выставляющим святого в дурном и неподобающем свете, и аннулировали свой заказ.
Тогда Караваджо написал второй вариант «Святого Матфея и ангела», который полностью удовлетворил заказчиков и до сих пор находится в капелле Контарелли.
Ну а первый вариант картины долгое время хранился в Берлине и был утрачен во время штурма города в 1945 году.
#живопись #искусство
Картина в деталях: «Неравный брак» Василия Пукирева
Браки по расчету, а не по любви, очень часто с большой разницей в возрасте, были достаточно распространенным явлением в середине XIX века. Проблема была прямо-таки злободневной, поэтому деятели творчества часто посвящали ей свои литературные и живописные произведения.
Одна из таких работ – картина «Неравный брак» Василия Пукирева, привлекающая внимание любопытными деталями.
Если с основой картины все ясно, то задний план вызывает вопросы. На полотне изображены две старухи с украшением на голове, подобным венчальному. Искусствоведы выдвигали версию, что это бывшие покойные супруги жениха, то есть призраки. Да и манера изображения женщин в тусклых полупрозрачных тонах соответствует этим образам. Получается, что на картине художник изобразил аж трех невест.
Не менее любопытны и версии о том, кто же послужил прототипом персонажей картины. Возможно, здесь изображена некая Прасковья Варенцова. На рисунке 1907 года авторства Владимира Сухова, который хранится в Третьяковской галерее, есть подпись: «Прасковья Матвеевна Варенцова, с которой 44 года назад художник В. В. Пукирев написал свою известную картину «Неравный брак». Госпожа Варенцова живёт в Москве, в Мазуринской богадельне».
В другой версии замешан друг художника – Сергей Варенцов, влюбившийся в Софью Рыбникову. Оба представляли купеческое сословие, но девушка вышла за другого – пожилого богача Андрея Карзинкина. Сергей же выступал на свадьбе шафером, так как семьи Варенцовых и Карзинкиных близко дружили. Вполне может быть, что именно эта история вдохновила художника на написание картины. Но к тому моменту, как работа была готова, страсти улеглись, и Сергей женился на другой. И тогда Пукирев убрал с полотна друга, поместив вместо него себя.
#живопись
Браки по расчету, а не по любви, очень часто с большой разницей в возрасте, были достаточно распространенным явлением в середине XIX века. Проблема была прямо-таки злободневной, поэтому деятели творчества часто посвящали ей свои литературные и живописные произведения.
Одна из таких работ – картина «Неравный брак» Василия Пукирева, привлекающая внимание любопытными деталями.
Если с основой картины все ясно, то задний план вызывает вопросы. На полотне изображены две старухи с украшением на голове, подобным венчальному. Искусствоведы выдвигали версию, что это бывшие покойные супруги жениха, то есть призраки. Да и манера изображения женщин в тусклых полупрозрачных тонах соответствует этим образам. Получается, что на картине художник изобразил аж трех невест.
Не менее любопытны и версии о том, кто же послужил прототипом персонажей картины. Возможно, здесь изображена некая Прасковья Варенцова. На рисунке 1907 года авторства Владимира Сухова, который хранится в Третьяковской галерее, есть подпись: «Прасковья Матвеевна Варенцова, с которой 44 года назад художник В. В. Пукирев написал свою известную картину «Неравный брак». Госпожа Варенцова живёт в Москве, в Мазуринской богадельне».
В другой версии замешан друг художника – Сергей Варенцов, влюбившийся в Софью Рыбникову. Оба представляли купеческое сословие, но девушка вышла за другого – пожилого богача Андрея Карзинкина. Сергей же выступал на свадьбе шафером, так как семьи Варенцовых и Карзинкиных близко дружили. Вполне может быть, что именно эта история вдохновила художника на написание картины. Но к тому моменту, как работа была готова, страсти улеглись, и Сергей женился на другой. И тогда Пукирев убрал с полотна друга, поместив вместо него себя.
#живопись
Продолжаем рассказывать о смыслах и символах, скрытых в голландских натюрмортах 🔮
Предыдущие части: цветы, предметы
#живопись #интересное
Предыдущие части: цветы, предметы
#живопись #интересное
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Неприкрытая правда: почему заказчики отвергли «Успение Богоматери» Караваджо
Успение Богоматери — традиционный сюжет христианской живописи, который изображает момент между смертью Девы Марии и ее вознесением на небеса. Считается, что в это время Богоматерь не была мертва в обычном понимании: она как бы пребывала в глубоком священном сне, который сохранял ее тело нетронутым.
Именно этот сюжет и заказали Караваджо для церкви Санта-Мария делла Скала. Однако живописец, для которого достоверное и натуралистичное изображение человеческой плоти было основным художественным приемом, изобразил Деву Марию мертвой в самом прозаическом смысле. По некоторым свидетельствам, «моделью» послужило тело выловленной из Тибра утонувшей проститутки. Зеленоватый оттенок лица Богородицы, а также распухшее тело и торчащие из-под платья босые грязные ноги возмутили заказчиков.
Священнослужители Санта-Мария делла Скала отвергли полотно, которое спустя несколько лет приобрел герцог Мантуи по совету Рубенса. Фламандский живописец был поражен эмоциональной напряженностью произведения Караваджо и всячески хотел реабилитировать его создателя.
#живопись
Успение Богоматери — традиционный сюжет христианской живописи, который изображает момент между смертью Девы Марии и ее вознесением на небеса. Считается, что в это время Богоматерь не была мертва в обычном понимании: она как бы пребывала в глубоком священном сне, который сохранял ее тело нетронутым.
Именно этот сюжет и заказали Караваджо для церкви Санта-Мария делла Скала. Однако живописец, для которого достоверное и натуралистичное изображение человеческой плоти было основным художественным приемом, изобразил Деву Марию мертвой в самом прозаическом смысле. По некоторым свидетельствам, «моделью» послужило тело выловленной из Тибра утонувшей проститутки. Зеленоватый оттенок лица Богородицы, а также распухшее тело и торчащие из-под платья босые грязные ноги возмутили заказчиков.
Священнослужители Санта-Мария делла Скала отвергли полотно, которое спустя несколько лет приобрел герцог Мантуи по совету Рубенса. Фламандский живописец был поражен эмоциональной напряженностью произведения Караваджо и всячески хотел реабилитировать его создателя.
#живопись
Картина в деталях: «Розы Гелиогабала» (1888) Лоуренса Альма-Тадемы
На первый взгляд картина совершенно умиротворяющая — красивые розы, приятные люди и нежные пастельные тона. Но на самом деле благости здесь мало — изображена сцена массового убийства. Согласно «Истории августов» римский император Гелиогабал задумал покарать своих врагов и пригласил их на пир к себе во дворец, а потом велел высыпать в комнату, где они находились, множество роз, от сильного запаха (и количества) которых гости должны были задохнуться.
Полотно, конечно, очень занимательное, однако получило много негативных оценок, потому-что Тадема откровенно слукавил и допустил массу исторических ошибок.
Безусловно, Гелиогабал был «достойным» продолжателем дела Нерона и Калигулы. Он любил носить женские одеяния, спал со всеми подряд, к 19 годам женился уже пять раз и был абсолютным моральным уродом. Однако «История августов», по мнению критиков, — очень сомнительный исторический материал, хотя сам Тадема обожал историю и все его картины были вполне достоверными.
Поэтому вопрос, почему же он решил написать «Розы Гелиогабала», по-прежнему остается открытым.
#живопись
На первый взгляд картина совершенно умиротворяющая — красивые розы, приятные люди и нежные пастельные тона. Но на самом деле благости здесь мало — изображена сцена массового убийства. Согласно «Истории августов» римский император Гелиогабал задумал покарать своих врагов и пригласил их на пир к себе во дворец, а потом велел высыпать в комнату, где они находились, множество роз, от сильного запаха (и количества) которых гости должны были задохнуться.
Полотно, конечно, очень занимательное, однако получило много негативных оценок, потому-что Тадема откровенно слукавил и допустил массу исторических ошибок.
Безусловно, Гелиогабал был «достойным» продолжателем дела Нерона и Калигулы. Он любил носить женские одеяния, спал со всеми подряд, к 19 годам женился уже пять раз и был абсолютным моральным уродом. Однако «История августов», по мнению критиков, — очень сомнительный исторический материал, хотя сам Тадема обожал историю и все его картины были вполне достоверными.
Поэтому вопрос, почему же он решил написать «Розы Гелиогабала», по-прежнему остается открытым.
#живопись
Заключительная серия карточек, посвященная символике голландского натюрморта.
Предыдущие части: цветы, предметы, анималия
#живопись #интересное
Предыдущие части: цветы, предметы, анималия
#живопись #интересное
Обличил на славу: за что пытались запретить «Крестный ход на Пасху» Василия Перова
Впервые картина была показана на выставке в Петербурге в 1862 году и вызвала горячие споры. Одни были восхищены смелостью художественного высказывания Перова, другие — оскорблены в лучших чувствах.
Знаменитый критик Владимир Стасов, чья деятельность была тесно связана с передвижниками, писал, что Перов в своем творчестве правдив и искренен, несмотря на жесткую сатиру. Большинство же критиков обвиняли живописца в том, что он, карикатурно показывая неприглядную сторону жизни, попросту убивает искусство и низводит его до уровня обличительного памфлета.
Представителей Святейшего синода глубоко оскорбило произведение молодого передвижника. Художник был обвинен в намеренном очернении Церкви, а обер-прокурор Синода генерал Ахматов предписал Академии художеств снять полотно с выставки и запретил его публичное экспонирование.
К тому моменту, как разгорелся скандал, картину уже приобрел в свою коллекцию Павел Третьяков. Кстати, это он дал картине название «Крестный ход на Пасху», во многом исказив сюжетный замысел полотна.
Изначальное название, которое дал картине Перов, — «Поп».
#живопись
Впервые картина была показана на выставке в Петербурге в 1862 году и вызвала горячие споры. Одни были восхищены смелостью художественного высказывания Перова, другие — оскорблены в лучших чувствах.
Знаменитый критик Владимир Стасов, чья деятельность была тесно связана с передвижниками, писал, что Перов в своем творчестве правдив и искренен, несмотря на жесткую сатиру. Большинство же критиков обвиняли живописца в том, что он, карикатурно показывая неприглядную сторону жизни, попросту убивает искусство и низводит его до уровня обличительного памфлета.
Представителей Святейшего синода глубоко оскорбило произведение молодого передвижника. Художник был обвинен в намеренном очернении Церкви, а обер-прокурор Синода генерал Ахматов предписал Академии художеств снять полотно с выставки и запретил его публичное экспонирование.
К тому моменту, как разгорелся скандал, картину уже приобрел в свою коллекцию Павел Третьяков. Кстати, это он дал картине название «Крестный ход на Пасху», во многом исказив сюжетный замысел полотна.
Изначальное название, которое дал картине Перов, — «Поп».
#живопись
Картины Альфонса Алле
В 1882 году французский журналист, писатель, художник и, видимо, стендапер Альфонс Алле создал рисунок «Битва негров в тёмной пещере глубокой ночью», который представлял собой просто чёрный прямоугольник.
Полотно имело успех и показалось публике настолько уморительным, что Алле создал серию, в которую вошло еще несколько цветных прямоугольников. В этих работах нет никаких глубоких смыслов и стремлений познать бесконечное — только юмор из XIX века.
Синий: «Оцепенение новобранцев, впервые увидевших лазурь Средиземного моря», 1884
Серый: «Хоровод пьяных в тумане», 1884
Белый: «Первое причастие страдающих анемиеи девушек в снежную пору», 1883
Зелёный: «Сутенеры в расцвете сил, пьющие абсент, лежа на животах в траве», 1884
Желтый: «Работа с охрои желтушными мужьями-рогоносцами», 1884.
Красный: «Уборка урожая помидоров на берегу Красного моря апоплексическими кардиналам», 1884
#живопись
В 1882 году французский журналист, писатель, художник и, видимо, стендапер Альфонс Алле создал рисунок «Битва негров в тёмной пещере глубокой ночью», который представлял собой просто чёрный прямоугольник.
Полотно имело успех и показалось публике настолько уморительным, что Алле создал серию, в которую вошло еще несколько цветных прямоугольников. В этих работах нет никаких глубоких смыслов и стремлений познать бесконечное — только юмор из XIX века.
Синий: «Оцепенение новобранцев, впервые увидевших лазурь Средиземного моря», 1884
Серый: «Хоровод пьяных в тумане», 1884
Белый: «Первое причастие страдающих анемиеи девушек в снежную пору», 1883
Зелёный: «Сутенеры в расцвете сил, пьющие абсент, лежа на животах в траве», 1884
Желтый: «Работа с охрои желтушными мужьями-рогоносцами», 1884.
Красный: «Уборка урожая помидоров на берегу Красного моря апоплексическими кардиналам», 1884
#живопись
Картина в деталях: «Неутешное горе» Ивана Крамского
Полотно является отражением глубокой личной трагедии художника. Картина была создана после смерти его младшего сына Марка в 1876 году.
Завершив работу, художник понял, что столь трагичный сюжет не подходит для спальни или гостиной, поэтому найти покупателя для такого полотна будет ой как непросто.
В итоге Крамской принял решение подарить картину Павлу Третьякову, надеясь, что тот примет ее в свою галерею. Третьяков же, осознавая ценность произведения, не только принял картину, но и выплатил Крамскому полный гонорар.
Кто эта женщина?
В окончательной версии картины Крамской проявил исключительную сдержанность в изображении внешних проявлений горя. Все эмоции сосредоточены в глазах и жестах женщины, которая, по всей видимости, является его женой Софьей Николаевной.
Женщина стоит неподвижно, с усилием сжимая мокрый платок. Ее глаза опухли и покраснели, но она так погружена в свои переживания, что сил плакать уже не осталось. Простое черное траурное платье лишний раз подчеркивает эмоциональную глубину горя и тяжесть утраты.
Детали
В картине ощущается мертвая тишина, которую усиливает висящая за спиной женщины картина Айвазовского «Черное море».
Ее выбор не случаен — Крамской видел в море символ вечного движения и жизни, но контекст переворачивает все с ног на голову так, что даже море кажется замершим.
Искусственный венок на ящике с цветами выделяется своей яркостью на фоне общей мрачности. В то же время, стоящие внизу тюльпан и нарцисс символизируют хрупкость жизни и необратимость смерти.
Проход за открытой дверью освещен солнцем, однако в данном контексте это добавляет тревожности и подчеркивает неизбежность происходящего — после того, как через эту самую дверь вынесут гроб, в доме воцарится абсолютная, всепоглощающая тишина.
#искусство #живопись
Полотно является отражением глубокой личной трагедии художника. Картина была создана после смерти его младшего сына Марка в 1876 году.
Завершив работу, художник понял, что столь трагичный сюжет не подходит для спальни или гостиной, поэтому найти покупателя для такого полотна будет ой как непросто.
В итоге Крамской принял решение подарить картину Павлу Третьякову, надеясь, что тот примет ее в свою галерею. Третьяков же, осознавая ценность произведения, не только принял картину, но и выплатил Крамскому полный гонорар.
Кто эта женщина?
В окончательной версии картины Крамской проявил исключительную сдержанность в изображении внешних проявлений горя. Все эмоции сосредоточены в глазах и жестах женщины, которая, по всей видимости, является его женой Софьей Николаевной.
Женщина стоит неподвижно, с усилием сжимая мокрый платок. Ее глаза опухли и покраснели, но она так погружена в свои переживания, что сил плакать уже не осталось. Простое черное траурное платье лишний раз подчеркивает эмоциональную глубину горя и тяжесть утраты.
Детали
В картине ощущается мертвая тишина, которую усиливает висящая за спиной женщины картина Айвазовского «Черное море».
Ее выбор не случаен — Крамской видел в море символ вечного движения и жизни, но контекст переворачивает все с ног на голову так, что даже море кажется замершим.
Искусственный венок на ящике с цветами выделяется своей яркостью на фоне общей мрачности. В то же время, стоящие внизу тюльпан и нарцисс символизируют хрупкость жизни и необратимость смерти.
Проход за открытой дверью освещен солнцем, однако в данном контексте это добавляет тревожности и подчеркивает неизбежность происходящего — после того, как через эту самую дверь вынесут гроб, в доме воцарится абсолютная, всепоглощающая тишина.
#искусство #живопись
Бесстыжий Караваджо: почему заказчикам не понравилась «Мадонна со змеей»
«Мадонна со змеей» Караваджо находилась в церкви Санта-Анна ровно два дня. Священнослужители были возмущены тем, что живописец изобразил Христа непристойно обнаженным и к тому же более старшего возраста, чем это было принято.
Не меньше возмутило их декольте Богоматери, которое подчеркивало ее соблазнительную грудь (художнику позировала всем известная римская проститутка). Сразу после того, как картину сняли, ее выкупил кардинал Шипионе Боргезе.
#искусство #живопись
«Мадонна со змеей» Караваджо находилась в церкви Санта-Анна ровно два дня. Священнослужители были возмущены тем, что живописец изобразил Христа непристойно обнаженным и к тому же более старшего возраста, чем это было принято.
Не меньше возмутило их декольте Богоматери, которое подчеркивало ее соблазнительную грудь (художнику позировала всем известная римская проститутка). Сразу после того, как картину сняли, ее выкупил кардинал Шипионе Боргезе.
#искусство #живопись