Откиньтесь на спинку кресла, расслабьтесь и погрузитесь в дух Рождества с плейлистом фортепианной музыки для праздничного настроения. Здесь представлены оригинальные фортепианные пьесы, а также аранжировки рождественской музыки разных веков. #Подборка

В давние времена Швеция была в основном крестьянским обществом, где народная музыка была неотъемлемой частью жизни страны. Существовали песни рабочих, баллады и, конечно, танцевальная музыка. Девушки, которые пасли скот, разработали поразительный способ пения – кулнинг, – для того, чтобы зазывать коров с далеких пастбищ домой.

Начиная со средневековья, когда христианство утвердилось по всей стране, между народной культурой и религией сложилось не всегда легкое сосуществование. Некоторые гимны были адаптированы к эстетике народной музыки, в то время как фольклор стал приобретать христианский облик, о чем свидетельствует большое количество баллад о Стефане – первом христианском мученике.

Концерты Folkjul, которые сегодня мы публикуем, происходят из богатой и жизненно важной взаимосвязи между народной и высокой культурами Швеции, оживляя знакомые материалы и представляя нам совершенно новый взгляд на Рождество.

​​Поздравляем всех с прошедшими праздниками. А коль отдых закончился, то пора возвращаться в рабочий ритм. Лучше всего в этом поможет строгость и логичность форм французской музыки барокко, в частности – скрипичные концерты Жана-Мари Леклера. Прекрасная музыка, послушайте.

Напомним, что Леклер – это «французский Корелли», сумевший объединить волнующую непосредственность итальянской музыкальной школы с отчужденной французской элегантностью. Чем, собственно, и оказал значительное влияние на всю музыку Франции.

К концу XVII века Франция начала открываться итальянскому музыкальному стилю. Скрипка стала набирать все большую популярность. Ей был присвоен статус как сольного, так и концертного инструмента. Итальянцы, проживающие во Франции с начала XVIII века, внесли свои революционные методы в музыкальную форму тех лет, которые переняли такие великие композиторы, как Элизабет Жаке де ла Герр, Франсуа Куперен и Жан-Фери Ребел. Именно в этом необычайном художественном брожении музыкальных стилей и родился уникальный язык Леклера. #Леклер

​​Не секрет, что И. С. Бах не был при жизни так популярен, как его сыновья. Одним из таких любимцев публики был его второй сын – Карл Филипп Эммануил Бах.

Для XVIII века его творчество было новаторски необычным, что, безусловно, оказало большое влияние на музыкальный мир этого столетия. Его музыка была оригинальной, смелой и стилистически независимой. Выработанные им музыкальные формы и состояния можно назвать мостиком в эпоху классицизма, ведь именно они оказали большое влияние на творчество мэтров классической музыки – Гайдна, Моцарта и Бетховена.

Для знакомства с творчеством К. Ф. Э. Баха мы публикуем совсем свежую пластинку, озаглавленную «Концерты для гобоя». Они были написаны в т. н. «средний» творческий период композитора. На их примере можно заметить важный вклад в концертный жанр – это резкие смены настроения и богатая палитра эмоциональных состояний. Нехарактерные черты для мелодики тех лет. Можно сказать, что младший Бах освобождает музыкальный язык от математических и религиозных рамок, присущих музыке барокко, очеловечивает его.

Также на пластинке записаны две симфонии, которым тоже присущи концертные черты. Эти симфонии не следует воспринимать в традиционном значении термина. Это скорее ранний этап развития крупной формы – начало освобождения от оков строгой сонатной формы. Здесь развиваются темы неожиданного действия, эмоциональности, что в сумме рождает драматургию. Гармония раскрывается с новой стороны, а слушателя очаровывают неожиданные музыкальные повороты, стремительные смены настроения, гармонические пропасти и внезапные паузы... Такова музыка свободы. #КФЭБах

​​Симфония «Хроники блокады» создавалась Борисом Тищенко в 1984 году. Ее образы заставляют вспомнить о целом ряде сочинений XX века, обращенных к военной тематике – это «Военный реквием» Б. Бриттена, Седьмая симфония Д. Шостаковича, Третья симфония Б. Лятошинского и др. Название сочинения – «Хроника» – во многом определяет ее композиционный замысел. В ней нет деления на части, перед нами проносятся картины блокадных дней, с пронзительной ясностью воскрешая в памяти трагические сцены голода и нашествия фашистов. Такая композиция достигается за счет задействования огромного оркестра, большой группы ударных инструментов и различных шумовых эффектов. Это симфония аффект. Дисгармоничная и немузыкальная структура произведения передает документальность всего происходящего, исключая какую-то эмоциональную авторскую составляющую. Это выделяет симфонию на фоне других сочинений, посвященных войне и делает ее уникальной. «Хроника блокады» – это звук блокады – документ, изложенный на партитуре. #Тищенко

Как ни странно, но самые красивые и самые убедительные произведения в классической музыке – траурные. Вот о малой доле таких мы рассказываем в прикрепляемой статье. #Подборка

​​Курт Аттерберг – шведский композитор. Думаю, многим из вас его имя неизвестно, но поверьте, его смело можно записать в число великих симфонистов XX века, таких как Шостакович, Петтерссон или Айвз.

Убедитесь в этом сами, послушав его Пятую симфонию. Она носит мрачное название – «Похоронная». Удивительно, что как такового траура в музыке нет. Да, она полна пограничных состояний, но, на мой взгляд, это скорее осмысление страха. Кстати сам композитор комментировал тему симфонии строчками из произведения Оскара Уальда «Баллада Рэдингской тюрьмы»: «Но каждый, кто на свете жил, / Любимых убивал...», а вернее, как признавался автор, неверно им истолкованной цитатой, примерно, как «каждый убивал». Думаю, именно в этом корень страха, отраженный в музыке. Такая трактовка хорошо вписывается в контекст послевоенного времени (симфония написана в период 1917–1921 гг.), где почти каждый мужчина потенциально становился убийцей. В симфонии очень много намеков на военную, маршевую музыку, которая, отнюдь не имеет в себе антимилитаристических мотивов. Музыка симфонии, как мужской страх, которых граничит с героическим и триумфальным пафосом. #Аттерберг

​​Самые большие пертурбации в музыке произошли в XX веке. Тогда академическая музыка повернулась на 180 градусов, появилась популярная музыка, звукозаписывающие компании обрели власть над музыкантами. Музыкальную повестку стала формировать скорее публика, а не музыканты. Очень важно провести черту между классической музыкой (в широком значении термина) и популярной. У двух этих направлений абсолютно разные фундаментальные задачи. Если классическая музыка до XX века была озадачена вопросами восхваления Бога и человека, то в XX веке, как мы знаем, «Бог умер», поэтому сверхзадача композиторов-модернистов заключалась в поиске или убийстве Бога.

Академическая музыка в ХХ веке, в попытках выработать новый звук, перестала быть музыкой в традиционном понимании. Она стала манифестом, философией, математикой, но никак не гармоничным сочетанием звуков. Особенность ее как раз в том, что даже в дисгармонии, то есть хаосе, рождался порядок. В своих поисках авторы находили какую-то точку опоры. В итоге музыка превратилась в шум, а в шуме родилась тишина.

Популярная музыка – явление социальное. Например, рэп с точки зрения социальной повестки очень важен, он заменяет молитву и точно также построен на повторениях. Если раньше все повторения строились на фундаменте, скажем, святой Троицы, то сегодня это – родной район (край, страна), мать/девушка и традиционные атрибуты текста – pussy, money, weed. В рэпе, как собственно и в молитве, важно не то, что поется (читается), а как. Время изменилось, пришли новые ценности. Поэтому при повторении одного и того же сверхзадача исполнителя – добиться индивидуального стиля. Рэп стал для нас проводником в новую религию непрекращающегося спектакля. Но глобально сегодняшняя рэп-музыка такая же текстомузыкальная, как какие-нибудь примитивные средневековые мадригалы. Однако именно из них развилась музыка до тех масштабов, которые мы зовем классикой.

В истории все циклично. Вот и музыка закольцевалась, вернулась к своей первооснове. Сегодня мы на этапе зарождения нового музыкального цикла, просто сейчас наблюдается ее начальный, примитивный уровень. Сегодняшний социум находится на уровне древних там-тамов у костра, только огонь мы заменили радиоприемником, телевизором и интернетом. Допустим, что современная музыка, ее звук, – это просто младенец в масштабах времени, и через сотню-другую лет она обретет свою зрелую форму... #Чтение

Так как же все-таки начать слушать классическую музыку? Постарался ответить на этот вопрос в силу своего опыта и знаний. Читайте в прикрепляемой статье. #Чтение

Взял один блогер у меня интервью. Вопросы в основном про музыку, немного про ведение канала и жизнь в целом. Кому интересно, я сделал небольшую нарезку, по моему мнению, самых интересных моментов из интервью. Это можно почитать в прикрепляемой статье, там же будет дана ссылка на полный текст интервью. #Чтение

​​Давно мы не слушали чего-то по-настоящему красивого. Одно из таких произведений – Сюита из времен Хольберга Эдварда Грига. Это ярчайший пример классического романтизма в музыке. Однако, первая и четвертая части основаны на мотивах барокко, где гармонии прошлого взаимодействуют с воздушными и размашистыми романтическими конструкциями.

Произведение посвящено норвежскому писателю Людвигу Хольбергу, который жил во времена Вивальди, Баха и Генделя. Григ очень искусно это подчеркивает в музыке, показывая в разности музыкальных стилей связь поколений и двухсотлетнюю музыкальную историю.

Самая печальная и сумрачная мелодия Air, которая одним лишь названием напоминает о знаменитой оркестровой сюите И. С. Баха, вносит в мелодию оттенки стона, рыдания и скорби. Вероятно, этим композитор подчеркивал отсутствие вдохновения, которое настигло его во время написания сюиты. С чем Григ успешно справляется, находя ответы в музыке прошлого. Остальные части сюиты, вторая, третья и пятая, отражают современность композитора. В них наиболее ясно проступают норвежские черты и характерные григовские гармонии, вносящие лирические оттенки в торжественные фольклорные мотивы Норвегии. #Григ

​​Вот какую красоту я нашел на одном профильном сайте в разделе классической музыки. Альбом «Токийские истории» Франческо Тристано – современного композитора-пианиста, который кстати учился у нашего Михаила Плетнева. Послушайте, вероятно вам понравится. Это такой минимализм, переплетенный с гармониями барокко, джаза и электронщины. Любители аниме, а также Эйнауди и Тирсена должны оценить.

Честно, не знаю как относиться к такому творчеству. Сказать, что это академическая музыка я не могу. С другой стороны, эта мешанина из популярной и академической музыки намного интереснее вульгарных «совмещений» оркестра и рока, или иных попсовых аранжировок классики, воспринимаемые многими за симбиоз жанров. Здесь знание автором классического материала гармонично сочетается с современным так называемым «неоклассицизмом». В глобальном же масштабе я эту музыку не вижу. Нет в ней связи с сегодняшней эпохой, как и нет переосмысления прошлого. Скорее это примерно то, что в свое время делал Эрик Сати, – меблировочная музыка. И как французский импрессионист, Франческо Тристано совмещает высокие гармонии прошлого с музыкой рабочего класса. #Тристано

О чем сложно говорить – о том следует писать музыку или рисовать. Контекстуальный анализ практики музицирования и музыкальной терапии. Время чтения ~ 15 минут.

Знаменитый итальянский пианист Маурицио Поллини в 78 лет записал три последние сонаты Бетховена. Музыковед Ляля Кандаурова рассказала проекту Muzium об этой работе.

«Его репертуар, концертный график и дискография – причудливое сочетание стальной дисциплины и утончённости; пожалуй, так же, как и его игра».

Послушайте альбом – https://vk.cc/aqT0FH
Рецензия на альбом – https://vk.cc/aqT0DW

​​Хотим порекомендовать вам новую книгу, которая будет интересна как меломанам, так и профессионалам – «Классическая музыка для всех. Средневековье. Ренессанс. Барокко. Классицизм». Глобально, книга не только о музыке, а вообще об искусстве и развитии культуры человечества: текст сопровождается иллюстрациями, воспроизводящими средневековые миниатюры и другие изображения музыкантов и певцов.

Но самое примечательное в этой книге то, что фрагменты музыки от средневековых хоралов до сочинений Моцарта и Баха можно слушать прямо в процессе чтения: для этого надо отсканировать QR-коды на полях книги при помощи любого смартфона.

Таким образом можно прослушать отрывки произведений Франческо Ландино, Гийома де Машо, Иоганна Себастьяна Баха, Клаудио Монтеверди, Генри Пёрселла, Алессандро Скарлатти, Антонио Вивальди, Георга Фридриха Генделя, конечно, Вольфганга Моцарта и многих других композиторов.

Автор – известный музыковед Дина Кирнарская, книга написана легким и понятным языком. Поэтому рекомендуем тем, кто хочет знать о музыке чуточку больше. К тому же подобных изданий, где собрана почти вся информация о музыке за несколько столетий практически нет.

Добавлю, что книга потрясающе издана – твердый переплет, полноцветная, на хорошей бумаге, более 400 страниц. Она может быть отличным подарком для человека, всей душой отданного музыке и искусству.

Узнать подробнее о книге и заказать ее по минимальной цене можно на сайте издательства СЛОВО – http://bit.ly/38vy9yQ