🏅Указом Президента Итальянской Республики Серджо Маттареллы главный дирижер симфонического оркестра КЛАССИКА Александр Яковлевич Канторов удостоен государственной награды Ордена Звезды Италии степени Офицер 🇮🇹 Ordine della Stella d’Italia

В обращении к Маэстро Канторову говорится: «Награда присуждена в связи с высоким признанием Вашего ценного вклада в развитие культурных связей с Италией».

Орден был присужден еще до пандемии, но его вручение было отложено. Торжественное вручение пройдет 7 апреля в Большом зале филармонии им. Д.Д. Шостаковича, в день рождения Маэстро Канторова.

Орден присуждается иностранцам как знак отличия «за особые заслуги в деле развития отношений дружбы и сотрудничества между Италией и зарубежными странами и укрепления связей с Италией». Орден учрежден в 2011 году и присуждается Президентом Италии.

Об этой награде и предстоящем концерте 7 апреля Маэстро рассказал в программе "Утро" на телеканале Санкт-Петербург
https://topspb.tv/programs/stories/512128/

Примеры музыкальных неожиданностей, и фрагменты музыки, в которых есть юмор.

Что внутри:

0:42 Два пути, чтобы вызвать улыбку у слушателя

5:00 Как Сен-Санс дважды обманывает ожидания слушателя за одну пьесу

8:07 Как Бетховен гротескно шутит в симфониях

11:55 Шутит ли Шостакович в своих скерцо

14:10 Как Шнитке вводит слушателя в замешательство

​​Вторая симфония Рахманинова содержит все самое лучшее из его творчества. Это не просто венец творческой мысли великого русского композитора, но и величайшее достижение отечественной музыкальной культуры. Здесь Рахманинов маневрирует чудесно плодородной мелодией, в которой он был мастером. Оркестровое звучание полно и богато, но в отличие от таких современников, как Штраус или Малер, Рахманинов относительно скромен в оркестровых требованиях. Удивителен и тот факт, что при всей русскости мелодии, подход у Рахманинова к оркестровке куда ближе к европейским музыкальным традициям. #Рахманинов

​​Всегда впечатляет необузданная мощь, проявляющаяся в простых явлениях природы, в её основных образах и «действиях». Именно поэтому 6 симфония Антона Брукнера – последнего венского романтика по наполнению – представляется чем-то вроде монумента, посвящённого миру вокруг нас. Если судить о симфонии в целом, то можно сказать, что она действительно смелая и жизнеутверждающая, так как в ней композитор восхищается красотой мироздания, его величиной, качеством и объёмом, что наблюдается из его биографии.

Вся симфония представляет собой открытие природы во всей своей полноте. Перед слушателем проносятся образы громад и пылинок, деревьев, водопадов, морей, скал, вершин, животных, ландшафтов – всё это планета Земля, непосредственное мироздание, которым восхищается буквально каждый тонко чувствующий человек. Брукнер выражает патетично истинное и неподдельное восхищение перед чудесами живого и неживого мира словно ребёнок, впервые увидевший огромный мыльный пузырь и своё в нём отражение. Перед нами с устрашающей высоты о землю разбиваются водопады на тысячи стёклышек, волны врезаются в остроконечные скалы, могучие заснеженные вершины смеются над попытками их покорить и, раскатами сметая с себя назойливую обезьяну, допускают наблюдателя с пытливым умом и острым взглядом познать свою суть. Именно таким наблюдателем стал Антон Брукнер, который во всех проявлениях жизнедеятельности камня, воды и холода увидел ничтожность человека, который за пеленой тысячелетних обманов и мифологем разглядел жалкую попытку создать из себя бога – мелкое и глупое существо, синтетическое во всех своих проявлениях, но сохраняющее тягу к идеалу. Но что же стало с глазами наблюдателя от таких «неприятных» мыслей? Он плачет, и это слёзы благоговейной радости, ведь он постигает сущность всех этих громад – становиться символом мощи, недоступной для большинства живых организмов. Облегчает, что грубая сила такого рода мироздания так же сильна, как и бездейственна, – она была и будет всегда фоном для жизни, фоном для борьбы.

Симфония, охватывающая целиком доступный нашему зрению мир, пронизана тонкой нитью познания, ведь именно познание сути, (платоновской) идеи и даёт ему такой колоссальный материал. Сначала сдержанно, потом всё с большей и большей жадностью композитор погружается в пучины, покоряет вершины, взмывает к облакам и с этой высоты абстракции оглядывает весь мир. Познакомившись с неживой природой, он наблюдает животных, наблюдает их жестокое взаимодействие и их бесконечное стремление выжить. И здесь, как мне кажется, религиозному Брукнеру открылась простая истина: человек, являющийся наиболее подобным богу существом, есть вершина мистического акта сотворения вселенной (как тогда по-другому объяснить финал симфонии?). С этим-то осознанием, словно благословление, снисходит на романтичного наблюдателя и такая мысль: свобода есть ответственность. Человек свободен лишь постольку, поскольку на его плечах лежит ответственность за буквально всё, потому что лишь он способен познавать объекты in abstracto и становиться их «собеседником». Почему финал так оптимистичен и жизнерадостен? Потому что Брукнер признаёт за человеком право нести ответственность с честью и гордостью, ведь нести такой груз – самое настоящее счастье (другими словами, нести в себе мир!).

Слушая произведение, слушатель оказывается в самой середине урагана жизни – не жизни человека, не истории любви или дружбы, а посреди вневременного конфликта дня и ночи; слушатель – дитя этого конфликта, рождённое не в законном браке, а в противостоянии, ведь слушатель прежде всего человек. #Брукнер
Text @tannnhauser

​​Когда модернисты начали синтезировать новый звук, уходить от традиционной гармонии и нарушать всевозможные правила мелодики, то они преследовали идеалистическую цель – осознать новое общество, представить его в виде звука. По итогу, думаю, музыка затихла и стала шумом. Сегодня время победившего постмодерна, где, как кажется, уже нет никакой философской цели, есть только бесконечный перформанс. И музыка тоже стала его частью.

Послушайте современное произведение – «8» Майкла Гордона. Это виолончельный экстаз, круговое движение звука, где слушателю необходимо находится в центре октета, выстроенного в круговом порядке. Здесь музыка крутится по спирали как движущийся объект. Каждая часть опуса призвана вызвать квазимедитативное, почти экстатическое состояние как у слушателя, так и у исполнителя.

Изюминка произведения в том, что звук распространяется по кругу в обоих направлениях. Если вы находитесь в середине круга, вы отчетливо слышите размерность и перспективу звука. Если надеть наушники и внимательно слушать запись, можно услышать басовые ноты, путешествующие в космосе. Эта музыкальная перспектива. По словам автора, это что-то вроде перехода от двухмерного искусства к трехмерному, где звук – это не прямая линия, а значение в пространстве и времени. Этакая звуковая скульптура, обретающая объемные черты. Название «8» тоже выбрано неспроста, это не только символ бесконечности, символ вечного цикла, но и символ, схожий по начертанию с формой виолончели. #Гордон

​​Симфонии 4–6 Чайковского исполняются гораздо чаще, чем первые три. Одной из причин такого дисбаланса вполне может быть, что Симфонии 4–6 носят трагический характер. Например, Четвертая и вовсе имеет заглавие «Судьба». Аудитории легко представить мифический образ страдающего невротического Чайковского, который закрепился за ним в свете его внезапной кончины. Симфония № 2 «Малороссийская», кажется почти не разделяет этого зловещего характера. Более того, из всех симфоний Чайковского, Вторая выделяется как наиболее широко использующая русскую народную песню. С одной стороны это принесло автору признание национальной публики, которая критиковала его за прозападные музыкальные тенденции, с другой – это также сузило привлекательность симфонии у западной публики. Публикуем по-настоящему русскую позитивную симфонию Чайковского. #Чайковский

Дирижёр Янник Незе-Сеген с Филадельфийским оркестром записал Первую симфонию и Симфонические танцы Рахманинова.

Музыкальный критик Денис Велижанин комментирует запись скептически: «Рахманинов, избавленный от всех «неправильностей», перепадов настроения, бурь темперамента, под палочкой Незе-Сегена выходит красивым и слегка скучноватым, немного загадочным, немного наивным».

Слушать запись и читать рецензию:
http://muzium.org/releases/yannick-Nezet-Seguin-Rachmaninoff

Прокофьеву 130 лет. Послушайте запись первого исполнения в СССР балета «Сказка про шута». Раньше она не издавалась.

Что это за запись
Геннадий Рождественский открывает публике «Сказку про шута», до этого первый поставленный балет Прокофьева ни разу не играли и не записывали в Союзе.

Что это за балет
Прокофьев написал его для «Русских сезонов». Композитор впервые обращается к русскому фольклору и делает это исключительно про просьбе Дягилева. Тот заключил с композитором контракт на 3 тысячи рублей, но добавил: «Только, пожалуйста, пишите музыку, которая будет действительно русской».

Как слушать эту музыку
• Сравните мрачное и злое горе шутов, убивших своих жен, из 10 трека и наигранную, злобу Шута, который бросается на купца в предпоследнем треке.

• Обратите внимание, как много народного материала использует композитор: от лирических песен до детских считалок.

• Послушайте насколько это театральная музыка. Прокофьев очень точно рисует предметы и действия.

⏯ ВК, Яндекс.Музыка, AppleMusic, Spotify, Youtube

​​«Никакого косого взгляда на иностранные области искусства, никакого застенчивого или дерзкого попрошайничества со стороны поэзии или изобразительного искусства – все сформировано и функционирует чисто музыкально. Это произведение является неоспоримым доказательством того, что по-прежнему можно писать симфонии после Бетховена, и делать это в старых формах, на старых основах» – это восторженные слова влиятельного музыкального критика Эдуарда Ханслика посвящены Второй симфонии Брамса.

После многих лет борьбы с симфонической формой, а также с собственными сомнениями в себе, Брамсом был совершен прорыв в жанре. В этой работе тень симфонического гиганта Бетховена была окончательно отброшена. Контраст между Первой и Второй симфониями с одной стороны очевиден, не только с точки зрения продолжительности процесса композиции, но и с позиции драматичности и трагедийности против лиризма и жизнерадостности в Первой. Однако более пристальный взгляд на отточенные сцены ре-мажорной симфонии значительно снижает резкость первоначальной оценки. На это указывают и высказывания композитора своему издателю о «новом прекрасном чудовище» и в письме немецкому композитору Винсенту Лахнеру о «необходимой тени над веселой симфонией». Действительно, слушатель не должен принимать пастырскую идиллию за чистую монету.

Это многогранная, в меру философская симфоническая работа о противоречивости бытия, а главное – о борьбе с собственными сомнениями и страхами. Хрестоматийный образец романтизма, где музыкальная мысль отошла от демонстрации общественного настроения в сторону личных дум. #Брамс

Опубликовали одну из лучших записей Моцарта в 20 веке

Чем так хороша эта запись
Фамилия «Ойстрах» — бренд в скрипичной музыке. Давид Ойстрах и его сын — Игорь стали одними из самых знаменитых скрипачей-виртуозов 20 века. Вместе со своей женой — пианисткой Натальей Зерцаловой — Игорь записал 16 сонат Моцарта. В 1981 году Венское общество Моцарта отметило ее своей наградой «Wiener Flötenuhr» — «Венские музыкальные часы». Ее вручают за действительно выдающиеся записи Моцарта.

Что поможет слушать
Послушать сонаты Моцарта — все равно что посмотреть короткий метр именитого режиссера. Здесь вы найдете все его особые приемы.

• Игра с громкостью, оттенками, плавными переходами и отрывистыми скачками.

• Виртуозность не для бравуры солиста, а для выразительности.

• Одинаково выразительная партия как для скрипки, так и для фортепиано: они — равные партнеры.

• Лёгкие переходы от безмятежной легкости к мрачной скорби.

⏯ ВК, Яндекс.Музыка, Apple.Music, Spotify, YouTube, Deezer, СберЗвук

​​Генрих Бибер был, прежде всего, наследником полифонической традиции Возрождения, еще жившей в первой половине семнадцатого века. Та же полифония легла в основу репертуара католических церквей и новых лютеранских литургий. Но Бибер в равной степени питался и знанием итальянской музыки, которую сегодня мы зовем «барокко»...

Не датированный Реквием фа-минор – одно из его самых известных духовных сочинений. Он рассчитан на пять голов, разделенных на группу из пяти солистов и пяти исполнителей рипьено. Вокальные силы поддерживаются ансамблем из пяти струн и трех тромбонов, которые удваивают голоса альта, тенора и баса. Над этим единством возвышается главная скрипка. Можно представить, что Бибер руководил своими музыкантами, играя партию скрипки, которая напоминает яркий свет, доминирующий над всей вокальной и инструментальной структурой.

В этом произведении Бибер уделяет особое внимание приданию каждой части текста соответствующей выразительной атмосферы, что делает его Реквием особенно разнообразным, где сочетаются человеческие эмоции с ярким видением смерти. Таким образом, Бибер виртуозно совместил традиции светлого итальянского барокко с серьезной католической музыкальной манерой, подарив миру красивейший образец духовной музыки #Бибер

​​«Летучий Голландец» Вагнера

Здесь Вагнер — страстный, бушующий. По сравнению с «Тангейзером» «Летучий голландец» — это тема борьбы, восстания. Темы зла, восстания и противостояния удавались композитору особенно хорошо. Действительно, современное ухо любит именно такой накал страстей. Оперы Вагнера менее бурного плана кажутся нам уже скучноватыми и чересчур затянутыми. Многие оперы Вагнера длятся более 4–5 часов. Тем не менее «Летучий голландец» — более энергичный, динамичный.

Это давняя легенда о корабле-­призраке, капитан которого был наказан за грех убийства тем, что вынужден вечно скитаться по морям. Однажды он объявил вой­ну Богу. Капитан хотел обогнуть мыс Доброй Надежды, но корабль попал в бурю. Все члены экипажа призывали капитана не совершать этого перехода, отойти в безопасное место. Он сказал, что должен обогнуть мыс. Вступив в схватку с силами природы, которые тут выражают волю Самого Бога, капитан корабля не одержал победы, корабль затонул. И теперь корабль-­призрак скитается по морям, и раз в семь лет (символично, у Вагнера вообще много символов) капитану дозволяется стать живым человеком. И если бескорыстно его полюбит чистая девушка, он обретет спасение. Однажды такая девушка нашлась, но он ей не поверил. В знак верности девушка бросается в море и тонет. Так у Вагнера, хотя легенда на этом не заканчивается.

Это своеобразный триллер, психологическая драма. Для Вагнера опера и драма — это одно и то же. Все его программные произведения строятся по определенной схеме. Это симфонические живописные картины. Существует вагнеровская система создания таких музыкальных полотен. Может поэтому часто его оперы кажутся скучноватыми и занудными, несмотря на всю музыкальную мощь. По форме Вагнер композитор вселенского звучания, но по мировоззренческому размаху и музыкально воплощаемым идеям это уже не так очевидно. Даже у Верди — истинного реформатора оперы — есть оперы надуманно «замороченные» именно в силу потустороннего сюжета и поднятых нравственных идей. При жизни Вагнера было общество его почитателей, поклонялись его таланту до болезненности, но были и его яростные неприятели. Тем не менее композитор воплощал новую музыку, квинтэссенцию всей романтической музыки XIX века. #Вагнер

Text @elijahpriest
иерей Илия Макаров

​​С восьмилетнего возраста и большую часть своей короткой жизни Моцарт интересовался сонатой для клавишных инструментов с аккомпанементом скрипки. Неудивительно, ведь он сам играл на обоих инструментах, особенно под руководством своего отца Леопольда – известного в то время скрипача.

Ранние работы Моцарта в этом жанре относятся ко времени его европейских гастролей в качестве вундеркинда. Их можно рассматривать как личные произведения, написанные ребенком для собственного использования в близком семейном кругу. Юношеские пьесы Моцарта были легки для исполнения и восприятия. В зрелом возрасте композитор возвращается к этому жанру. Под влиянием шести дуэтов Джозефа Шустера для клавесина и скрипки Моцарт, в свою очередь, предложил новый баланс между скрипкой и клавишными, где первый инструмент перерастает из опционального аккомпанемента в полноценного свободного партнера в дуэте, установив таким образом подлинный диалог между фортепиано, пришедшем на смену клавесину, и скрипкой.

В поздних сонатах для фортепиано и скрипки Моцарт достигает большей выразительности за счет единства двух инструментов, что дарит произведениям утонченный лиризм и глубину содержания. В этих сонатах автор развивает симбиоз двух инструментов. Хоть их по привычке и называют клавишными сонатами со скрипичным аккомпанементом, фортепиано здесь более не играет гегемонистской роли. В этих работах Моцарт заложил основы современной формы дуэта двух инструментов, которые вскоре были переняты самим Бетховеном. #Моцарт