​​Моисей Вайнберг – незаслуженно забытый композитор. Его редко исполняют, о нем мало говорят. Вы его можете знать по работе к фильму «Летят журавли». Именно в тот период, а далее в шестидесятые, наступают «золотые годы» для творческой самореализации композитора.

На протяжении творческой жизни музыканта, как он прибыл в Москву в 1943 году, его всячески поддерживал Дмитрий Шостакович, с которым у Вайнберга сложилась тесная дружба. Позже эта связь, возможно, сыграла с ним злую шутку. Вайнберг оставался в тени своего «старшего брата», а современники его называли «маленьким Шостаковичем». Сегодня, когда музыка обоих композиторов доступна широкому кругу слушателей, легче узнавать не только о сходстве, но и о различии двух авторов.

Моисей Вайнберг, используя в своих произведениях элементы еврейского, польского и молдавского фольклора, создал личный стиль, абсолютно субъективный и автобиографичный. В то время как многие считают Шостаковича музыкальным летописцем своей эпохи, дающим саркастически отстраненный и часто нигилистический комментарий к историческим событиям, Вайнберг рассказывает свою личную историю. Несмотря на все упреки и обвинения, связанные с подражательством, в музыке Вайнберга всегда сформулировано примирительное послание надежды, которое подобно свету рассеивает настроения безвыходности, коих так много в музыке Шостаковича.

Эта надежда выражена в более чем 150 произведениях Вайнберга. Мы хотим вспомнить лишь два из них – Концерт для скрипки соль-минор (соч. 67) и Сонату для двух скрипок (соч. 69). Обе работы датируются 1959 годом.

Концерт для скрипки Вайнберг написал для знаменитого скрипача Леонида Когана. Шостакович с энтузиазмом отзывался об этом произведении: «Я глубоко впечатлен <...> Это выдающееся произведение в прямом смысле этого слова». Конечно, в этой работе присутствуют сходства с работами Шостаковича, в частности с его Первым скрипичном концертом, концептуальный подход которого демонстрировал симфонические устремления. Тем не менее, у Вайнберга солирующий инструмент постоянно выходит на первый план, бросая вызов оркестру. Первая часть, не имея оркестрового вступления, начинается с лаконичной основной темы скрипки, подстегиваемая безжалостным движением струн. Музыка успокаивается в рефлексивной второстепенной теме с ее волшебным аккомпанементом целесты-арфы. Своего же эмоционального пика концерт достигает в третьем фрагменте – Адажио. Музыка расслаблена, но в то же время полна печали. Именно здесь Вайнберг отсылает нас к своей биографии: о том, как он бежал от немцем, оставив свою семью, которая, как он узнал много лет спустя, была убита в нацистском трудовом лагере. В финале концерта, среди мотивов, можно сказать, прокофьевского марша, слышна цитата из 25-й симфонии Моцарта. Это и есть вайнберговский оптимизм, надежда на светлое будущее, которую он черпал в музыке великого классика.

Всего через несколько месяцев после завершения Скрипичного концерта, Вайнберг пишет Сонату для двух скрипок. По сравнению с концертом, соната является строго классической. Здесь автор предвосхищает интимный характер сольных произведений уходя в самоанализ. В этой работе композитор обращается к сицилианским мотивам Баха и Моцарта. Финал же произведения во много напоминает завершение фортепианного квинтета Шостаковича (соч. 57). Вайнберг здесь охватывает целую эпоху музыкального развития, от мотивов барокко и классицизма, к ревущему модернизму... #Вайнберг

Вновь помогаем новым слушателям познавать классическую музыку. Попросили музыковеда Наталью Рогудееву нам в этом помочь. Она сделала целое видео – универсальный чек-лист из 15 великих произведений классической музыки, которые понравятся всем 😍 Посмотрите и послушайте, интересная небольшая лекция.

​​Вновь ищем профессионалов, которые лучше расскажут о классической музыке. Сегодня для нас вещает Дечебал Григоруцэ – автор радиопрограммы «Музыка жизни», повествующей о самых разных аспектах музыки.

Сегодняшний сюжет достоин пера масштабов Шекспира. Никак не меньше. И действительно странно, что до сих пор на эту тему не написано сколько-нибудь серьёзной драмы, романа, ну или хотя бы киносценария. Шекспир любил Италию, поэтому действие будет разворачиваться в стране «Ромео и Джульетты», «Кориолана» и укрощённой строптивицы. Причём параллельно в нескольких временах. В средневековом 13-м столетии, в просвещённом 18-м и, конечно, в наше время, какой бы датой оно ни обозначалось.

А, что особенно ценно, история эта проникнута божественной, фантастически красивой музыкой. #Перголези

​​Музыковед Дечебал Григоруцэ с радостью поделился с нами еще одной своей передачей. На этот раз речь пойдет о церковной музыке. Советуем послушать.

Они были целой эпохой как в церковной музыке, так и в светской. Их голоса пленяли, восхищали, сводили с ума и исцеляли. Им поклонялись, их ненавидели, их превозносили и презирали. Именно для них писали свои лучшие арии Гендель и Боночини, Порпора и Вивальди, Скарлатти и Фрескобальди. Певцы-кастраты эпохи барокко и, пришедшие им на смену, нынешние контратеноры и сопранисты. Обладателям уникальных, ангельских голосов посвящён этот выпуск «Музыки жизни».

В программе звучат:

1. Хор Сикстинской Капеллы. «Ad Te Levavi Oculos Meos».
2. Г. Аллегри. «Miserere».
3. А. Вивальди. Ария из оперы «Юстин».
4. Дж. Бонончини. «Son fedele, e, so nol credi».
5. Румынское православное песнопение.
6. А. Вивальди. Ария из оперы «Tito Manlio».
7. (фон) Н. Пиччини. Концерт для флейты с оркестром Ре мажор.
8. Старинный итальянский марш (обработка «The King’s Singers»).
9. И.А. Хассе. Ария из трагического интермеццо «Пирам и Фисба».

​​У могилы композитора Альфреда Шнитке на Новодевичьем кладбище лежит символичный камень. На нотный стан помещён знак паузы, сверху над ним — фермата, предписывающая увеличить длительность паузы, снизу — указание «форте-фортиссимо», то есть самое громкое звучание. Всё вместе можно истолковать как оглушающую вечную тишину. #Шнитке

Сохранилась запись урока Арама Хачатуряна, на котором он разбирает четыре сочинения студентов-композиторов: минималистичное, мрачноватое, виртуозно-джазовое и с фольклорными корнями.

Нашли редчайший учебный фильм 1979 года из двух серий, который снял режиссер Юрий Альдохин. Первую серию он опубликовал меньше года назад. На кадрах урок композиции в консерватории, а материал готовили для следующих поколений студентов.

Арам Ильич использует два термина, которые надо пояснить, чтобы стало яснее, что композитор требует от студентов.

Остинато — это равномерный постоянно повторяющийся ритм. По смыслу он отличается от бочки в эстрадной музыке. На рояле остинато всегда звучит маняще, тревожно, гипнотически. Этот прием был очень популярен в середине 20 века и популярен до сих пор.

Альтерация — это чуть-чуть измененные ноты тональности, которые звучат острее и необычнее других. В этом фрагменте Хачатурян говорит о том, что необычность этих нот студенту стоит подчеркнуть.

​​А давайте ка сегодня оставим все наши привычные дела и послушаем одного из самых потрясающих композиторов Армении, имя которому — Комитас. Священник, архимандрит армянской Церкви, один из образованнейших людей своего времени, певец, дирижёр, композитор, учёный-фольклорист, основатель профессиональной композиторской школы и национального армянского музыкознания, общественный деятель, монах, великий мученик и великий безумец — он сумел понять и выразить всю глубину духа армянского народа. Причём не только в своём творчестве, но самой жизнью своей. Хочется сказать: житием… #Комитас

Сегодня мир празднует 75-летие Владимира Мартынова — человека, изменившего наше представление о современном искусстве и подарившего нам много прекрасной музыки. Представляем премьеру большого интервью, которое мастер дал Ярославу Тимофееву специально для Московской филармонии.
https://www.youtube.com/watch?v=3JbVe9VQOYY&feature=emb_logo

​​Сегодня тема нашего разговора важна, как никогда. Мы будем говорить о женщинах. Точнее о двух диаметрально противоположных героинях гениальной оперы Жоржа Бизе: роковой, возмутительной, страстной и необузданно разрушительной Кармен, и о Микаэле — нежной, кроткой, любящей, но совершенно бесстрашной, когда речь заходит о дорогих ей людях.

В каждой женщине есть что-то и от тьмы, и от света; и от ведьмы, и от ангела; и от Кармен, и от Микаэлы. Трудно, ой, как трудно постичь тайну женской души! Но там, где рассудок бессилен, нам поможет музыка… #Бизе

​​Девятая симфония Бетховена – это такое произведение, через которое многие приходят в классическую музыку. И далее всегда к нему возвращаются. Я считаю, что это мост – из музыки классицизма в романтизм.

В 1824 году Бетховен объявил 7 мая премьерой своей новой симфонии. Венское музыкальное сообщество ждало этого событие с нетерпением, но тогда никто не мог предположить, какое значение эта симфония будет иметь не только для музыкального, но и всего социально-политического мира. Симфония прогремела с огромным триумфом. Бетховен из-за своей глухоты мог ощутить бурный успех, только увидев зрителей, размахивающих своими белыми носовыми платками.

Завершающая четвертая часть симфонии, знаменитая «Ода к радости», текст которой был написан Фридрихом Шиллером, стала философско-музыкальным манифестом, где Бетховен создал нечто универсальное в своем собственном видении социально-политического контекста. «Все люди становятся братьями» – творческая максима автора, которая призвана победить не только социальное, но и психологическое неравенство. Общность – это победа над судьбой. Это победа человека над Богом. #Бетховен

​​Поверхностный взгляд на Концерт для скрипки Элгара может привести к выводу, что это еще один типичный пример пост-романтического излишества. Тем не менее, данное произведение, написанное в 1910 году, накануне самых бурных событий в жизни автора и истории ХХ века, является одним из его самых личных заявлений.

В эпиграфе к Концерту автор помещает испанский эпиграф «Aqui está encerrada el alma de .....», который сам он переводит как «здесь бережно хранится душа той …..». Неспроста эпиграф заканчивается пятью точками, а не стандартными тремя. Он оставил нам загадку о посвящении на которую до сих пор не найдено ответа. Но и это не важно. Обратите внимание на финал концерта – его эмоциональный центр тяжести. Когда оркестр постепенно подходит к последним страницам партитуры, Элгар выбирает новый курс, не разрываясь более между жизнью, которая у него была, и которую он мог бы иметь, – он заканчивает концерт взлетами, где поднимается он сам... Это высочайший образец искусства о любви – любви к женщине, любви к жизни... #Элгар

Модерн, постмодерн и метамодерн: как поменялась музыка за последние 100 лет