«Смерть Девы Марии» (1606), Караваджо

Картины итальянского мастера эпохи Барокко Караваджо были такими же скандальными и противоречивыми, как и его образ жизни. Караваджо любил изображать священные сюжеты, искажая их пошлостью или суровым реализмом.

Работа "Смерть Девы Марии" была заказана для часовни в церкви Санта-Мария-делла-Скала в Риме, но работа не была принята из-за неуважительного отношения к библейскому сюжету. Священники решили, что художник изобразил женщину легкого поведения или свою любовницу в образе святой. Однако художник настаивал, что на картине изображена именно Дева Мария. Небрежно раскинув руки, опухшая героиня лежит в окружении мужчин, свесив ноги с края смертного одра. Караваджо гуманизировал свои картины, но часто выходил за рамки общепринятого в его время. Новаторство Микеланджело де Караваджо в смешении высокого искусства и низкого оставило след в мировой культуре.

​​«Этюд головы» Фрэнсис Бэкон

«Невозможно быть более ужасным, чем сама действительность».

Картины английского художника-экспрессиониста Фрэнсиса Бэкона обладают уникальной особенностью — они способны повергнуть смотрящего в настоящий ужас, заставить его чувствовать себя изолированно и одиноко.

Мрачные, жестокие картины художника полны сцен, которые наполнены страшными криками, вспышками ярких красок, разорванными телами и уродливыми лицами. Его раздробленные формы, кричащие цвета — всё часть уникального стиля живописца.

Сегодня хотелось бы рассмотреть чуть подробнее творчество самого художника, его стиль, а также важную работу, которую можно было увидеть на публике только один раз — “Этюд головы 1952”.

Фрэнсис родился в Дублине в семье военного. Отец сыграл значимую роль в его развитии. Описывая отца как полного тирана, Фрэнсис говорил, что глава семейства держал всю семью в полном страхе. Когда отец узнал о гомосексуальности своего сына, он сразу выгнал его из дома.
Этот поступок одновременно освободил Фрэнсиса от постоянного страха перед родителем, а также заставил будущего художника перебраться в Лондон, где и началось его становление в качестве одного из главных живописцев 20 века.

Необходимо отметить, что профессионально живописи Фрэнсис Бэкон никогда не учился. Его учение во многом заключалось в рассмотрении картин Веласкеса, Пуссена и Микеланджело, а первые работы были вариациями на темы любимых художников прошлого.

“Этюд головы 1952” можно также отнести к перифразам на картину Диего Веласкеса «Портрет Папы Иннокентия X». Давайте рассмотрим саму картину.

Кричащий Папа был выставлен на публике только один раз, в рамках шоу в Sainsbury Centre for Visual Arts в Норвич, Норфолк, в 2006 году. В работе Бэкон сохраняет культовый мотив раздробленного пенсне и папской ярко-фиолетовой моццетты.

В настоящую работу Бэкон вложил свою одержимость телесными увечьями и блестящими ртами, а также Сергеем Эйзенштейном, неразличимую озабоченность ужасным патриархатом и историей конфликтов двадцатого века. «Этюд головы» — невероятно новаторское и уникальное произведение, знаменующее само формирование живописного гения Фрэнсиса Бэкона.
Опасность, насилие и смерть постоянно сохраняются в глубинах его холстов, являясь неотъемлемой частью всего творчества Бэкона.

Друг Фрэнсиса Бэкона и его же биограф Майкл Пеппиат описал “кричащую” серию картин Бекона как "не только центральный элемент всех его картин 1950-х годов, но и центр всего искусства 20-го века".

Распродажа Эрмитажа: как мы потеряли искусство

От проекта: YaAndArt.

В этом эпизоде рассказывается о печальной странице в истории Государственного Эрмитажа — о распродаже коллекции в период 1929-1934 годов. О том, какие произведения искусства были проданы, кто придумал этот аукцион невиданной щедрости, зачем это было нужно, помогло ли это новому государству. О том, кто и как покупал работы из русского музея, что об этом думали на Западе. Почему кампания по распродаже Эрмитажа была прекращена в 1934 году, кто был спасителем?

Также в этом выпуске вы узнаете историю создания и формирования коллекции музея. Кто, когда и как начал коллекционировать в России западное искусство. Когда Эрмитаж стал открытым музеем и что случилось с музеем после революции.

🔍 Во время прослушивания данного эпизода вам может потребоваться чуть больше свободного времени, чтобы посмотреть картины, о которых говорится в рамках темы.

​​«Сельский крестный ход на Пасхе» (1861), Василий Перов

Василий Перов был одним из основателей объединения передвижников. Он избегал сюжетов высшего общества, предпочитая изображать повседневную жизнь простых людей. Несмотря на общепризнанность художника, его полотно «Сельский крестный ход на Пасхе» вызвало большое количество недовольств. Художник пишет эпизод одного из самых почитаемых церковных праздников — Пасхи, только выглядит он довольно странно. Участники крестного хода настолько пьяны, что часть из них не в состоянии двигаться. Больше всего публику возмутило то, что художник изобразил празднование Пасхи как пьяную процессию: крестьяне с полуприкрытыми глазами и подвыпивший священник, раздавивший ногой пасхальное яйцо.

Бытует мнение, что Перов вовсе не хотел высмеять церковные обычаи, его целью было показать реалии, в которых вынуждены жить люди. Да, батюшка совсем не трезв, но он уже обошёл много домов, где ему наливали, и выполнил свой священный долг. Несмотря на это, в Санкт-Петербурге картину сняли с выставки, а художника обвинили в аморальности.

Искусство Скандинавии: от шедевров Мунка до мирового успеха IKEA | Документальный фильм Би-би-си

Скандинавия - земля крайностей, самый край Европы. История искусств этих стран, где долгие месяцы в году не бывает солнца, где суровые пейзажи вдохновляли художников и писателей, подарила нам экзистенциализм XX века, Снежную королеву, Гадкого утенка, LEGO и IKEA, Мунка и королевских особ, которые передвигаются по городу на велосипеде.

В этом трехсерийном фильме Би-би-си мы узнаем, как и почему Норвегия, Дания и Швеция стали пионерами в дизайне и как искусство этих стран отражало их демократическую сущность.

Портрет Фрэнсиса Бэкона кисти Реджинальда Грея

«Видение после проповеди» / «Борьба Иакова с ангелом» Поль Гоген

Первое, что нам бросается в глаза, — резкий контраст красного и белого, по́ля и чепцов стоящих спиной к нам женщин. Далее — яркие оранжевые крылья ангела и изогнутая фигура человека, сражающегося с ангелом в поединке. Что же за сюжет перед нами? Почему так по-детски использованы яркие цвета? Отчего Гоген использует настолько упрощенные, грубые формы? Восстановим же порядок, найдем связь между названием, сюжетом, картиной и самим художником.

Женщины в белых чепцах и монах, бритая голова которого лишь наполовину поместилась на картине, услышали проповедь, затем, когда они уже вышли из церкви, у них было видение. Услышанное женщинами во время службы настолько впечатлило их, что стало причиной видения.

Сюжет борьбы Иакова с ангелом узнать нетрудно, целью художника было не рассказать нам об этом сюжете, а показать, насколько религиозный восторг и сила человеческого воображения способны преобразить и изменить реальность.

Примитивная манера изображения Гогена ни в коем случаем не свидетельствует о его непрофессионализме или о том, что перед нами — набросок картины, а не итоговый ее вариант. Простота передает человеческую искренность, открытость, детскость. Эта смесь наивности, религиозности, суеверности помогает людям увидеть в совершенно обыденных, бытовых вещах священные таинства. «Видение после проповеди» было написано не из-за порыва, оно стало результатом внутреннего перерождения художника, когда он отправился из душного, салонного, манерного Парижа в Бретань. Именно здесь он познал, что такое подлинная экспрессия, лишенная ограничений и условностей. Некоторая «дикость» деревни преобразила художника и его манеру написания работ.

Сюжет картины, даже после того, как мы поняли, что он заключается не в библейском сюжете, а во вполне современном, нисколько не примитивен, хотя так и могло показаться изначально. Гоген был мастером собирать множество деталей в единое целое, при этом соблюдая удивительную гармонию между ними. Из одного угла полотна в другой перекинута толстая ветвь дерева, разделяющая женщин и фигуры борющихся Иакова и ангела. Напоминает ли вам эта ветка японские гравюры, которые вошли в моду в середине XIX века? Эта ветка, хоть и кажется нам непреодолимым, грубым препятствием, на самом деле лишь граница между двумя мирами: миром повседневности и быта и пространством того, что способно преобразить рутину. Это пространство украшает нашу серую каждодневность, освещает наш блеклый мир, но лишь изредка и лишь некоторым из нас. Проникнуть в это блистающее, яркое, живое пространство невозможно. Женщины разойдутся по своим делам, а видение само собой растворится в воздухе. Гоген завел нас в тупик: запутал яркими, детскими цветами, дал вспомнить библейский сюжет, перечеркнул картину веткой с японской гравюры, а затем показал, что существует такая сторона нашего мира, к которой доступа у нас нет, которая появляется и исчезает по неведомым нам причинам.

Питер Брейгель старший. История о слепоте. [Как читать искусство]

от проекта Artifex

Предлагаем вам углубить свои знания о нидерландском художнике Питере Брейгеле старшем, а именно проследить в его творчестве тему слепоты — к несчастьям, к истине, к судьбам других людей.

В видео рассматриваются такие картины Брейгеля, как «Охотники на снегу», «Падение Икара», «Безумная Грета» и др.

​​«Осенний каннибализм» 1936г. Сальвадор Дали

Сюжет картины Сальвадора Дали можно описать двумя словами: поглощение и уничтожение. В двух слившихся фигурах видятся мужские и женские черты. Художник лишает процесс взаимного изничтожения дикости и вульгарности с помощью деталей. Рядом с фигурами можно заметить засахаренную грушу, разбросанные орехи и столовые приборы. Из-за этого создается впечатление обыденности процесса. Однако тревожность вызывают куски сырого мяса, прибитые гвоздями к столу. Дали создает общее настроение картины, акцентируя внимание не на главных героях, а на том, что их окружает.

• Муравьи - символ разрушения
• Выдвинутый короб - ящик пандоры с непредсказуем содержанием
• Яблоко в центре композиции - символ искушения, греха

Картина была написана во время гражданской войны на родине автора. Идея самоуничижения была актуальна для Дали, так как привычный мир рушился на его глазах. Мастер нарочно лишает приборы формы и структуры. Мир на картине таков, каким художник видел его вокруг себя, постепенно лишаясь рассудка.