​​«Магдалена Вентура с мужем и сыном» Рибера, 1631

Сперва может показаться, что на портрете двое мужчин. Это не совсем так. Фигура на переднем плане - Магдалена Вентура. Героиня была обычной, ничем не примечательной женщиной, жившая в Италии в первой половине 17 века.

Магдалена Вентура не была большой поклонницей идеальной красоты эпохи Возрождения. Это отразилось и в ее внешности, когда странные метаморфозы собственного тела окончательно вышли из под контроля, изменив жизнь Магдалены навсегда. Так, она бросила вызов стандартам красоты и создала собственные. По итогу, это сделало ее известно исторической фигурой. В современной медицины изменившуюся внешность Магдалены объясняли гормональным сбоем, но тогда, почти 400 лет назад, люди видели в этом «превращении» страдную Божью кару.

Однако, так думали не все. Вице-король Неаполя был очарован девушкой и поручил художнику Риберу написать ее портрет. Хоть этот портрет выглядит шокирующе, Рибера намеренно изобразила героиню именно так, показав, то, что анатомически это женщина. Черты ее лица, борода и мускулистая фигура сочетают женскую задачу с мужским образом. Даже ее тонко раскрашенные одежды намекают на мужественную фигуру, как бы по иронии судьбы напоминая образ библейского пророка. Муж Магдалены стоит в тени позади нее, выглядя намного старше и слабее. Их расположение намекает на идею о том, что репутация Магдалены затмевала репутацию ее мужа, переворачивая семейное равновесие.

Художник рок-звезда или русский Ван Гог. Где искать настоящего Врубеля?

От проекта: Talk About Art

Когда мы говорим о Врубеле, часто вспоминаем не только о нём самом, а скорее о мифе художника, который был сконструирован последующими поколениями. Врубель для многих - художник рок-звезда, русский Ван Гог, которого искусство довело до безумия. Но так ли это на самом деле?

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство и художников можно в закрепе.

​​«Аврора и Кефал» Пьер Нарцисс Герен

Любовь может быть и благополучным исцелением, и мучительным наказанием. Однако нельзя отрицать, что она великая сила, способная перевернуть мир. Наверное, поэтому художники часто пытаются изобразить ее на своих картинах, и Пьер Нарцисс Герен не является исключением.

Пьер Нарцисс Герен (1774–1834) – барон и придворный художник, а также представитель французской школы ампира – видел в античности эталон грации и благородства. Герен, как и его соотечественники, предпочитал реалистическую манеру фантастическим изображениям прошлой эпохи. Именно поэтому художник правдоподобно передаёт костюмы и антураж античного периода, уделяя внимание каждой детали, как и подлежит историческому живописцу. Во всём – от античной атрибутики (туники, сандалий, копья) до воспевания мужской красоты – можно заметить подчинение традициям периода с щепетильной проработкой.

Картине 1811 года, как и большинству работ Герена, присуща изысканная декоративность, отраженная в гладкой манере письма, мельчайших деталях (например, в многочисленных цветочках), а также в театральности всего полотна. Эти эффекты поддерживаются при помощи фарфорового блеска кожи, обилия изящных складок на телах и одежде, подобию поз Авроры и Кефала медлительным античным статуям, динамичным и в то же время плавным светотеневым переходам, а также внутреннему свечение всей картины за счет воздушных лессировок (полупрозрачных тонов).

Взгляд зрителя притягивает центр композиции, на котором разворачивается основное действие: Аврора – богиня Утренней зари – похищает прекрасного охотника Кефала. Спящее тело Кефала аккуратно поддерживает амурчик-путто, – характерный персонаж живописи Ренессанса и барокко, образ которого восходит к античным купидонам. Амур старается не разбудить Кефала неловким движением, ведь охотника надо доставить в царство богини Утренней зари до потери им того очарования юности, которое привлекло Аврору.

С виду беззаботная картина хранит в себе мифологическую драму: Аврора, проклятая разгневанной Афродитой за романтическую связь с богом войны Аресом, обречена вечно искать любовь в объятиях земных юношей. Поэтому молодая и прекрасная богиня Утренней зари снова и снова влюбляется в красивых смертных, а после их старения и смерти ищет себе нового возлюбленного. Так, влюбившись в наделенного неземной красотой Кефала, Аврора похищает его у молодой жены Прокриды, чтобы насладиться блаженством, которое способна подарить ей любовь юноши.

Герен несколько отходит от печальной легенды и запечатлевает идиллию спящего Кефала и влюбленной Авроры. В застывшем эпизоде всё настолько беспечно и прекрасно, что зритель, благодаря умелым приемам живописца, забывает о трагической реальности и отдается наслаждению картиной.

У заинтересованного зрителя возникает вполне очевидный вопрос: смог ли Пьер Нарцисс Герен разгадать тайну любви, преодолевающей границы запрета и вседозволенности, земной жизни и вечности? Но ответ на него останется одной из великих загадок, которые дарят неискушенному зрителю бессмертные произведения искусства.

​​Экзотичное, тропически-яркое путешествие-короткометражный фильм от команды Artifex! Предлагаем вам проследить творческий путь Поля Гогена — невероятно талантливого художника, который не побоялся отбросить радости привычной жизни в погоне за большой мечтой. Все тонкости удивительной жизни Гогена переданы в фильме через образы и воспоминания из его дневников.

​​«Герника» Пабло Пикассо

«Герника», безусловно, является сильнейшим политическим заявлением, сделанным художником. Картина стала вечным напоминанием о страданиях, которые война причиняет ни в чем неповинным людям, а также символом антивоенного движения.

Пикассо жил в Париже, когда в 1937 году испанское республиканское правительство обратилось к нему с заказом на создание росписи для их павильона на всемирной выставке того года. В Испании тогда шла гражданская война — военный мятеж, предпринятый националистами против правительства. Республиканцы видели в этом событии возможность утвердить свою легитимность и осудить жестокую тактику националистической армии генерала Франсиско Франко. Пикассо, который редко писал картины на политические темы, согласился.

Несколько месяцев спустя немецкая авиация по просьбе националистов сильно разбомбила город Гернику. Бомбардировка почти полностью уничтожила город, была ранена или убита треть населения.

Испанский поэт Рафаэль Альберти вспоминал: «Пикассо никогда не бывал в Гернике, но весть об уничтожении города сразила его, как удар бычьего рога». Случившаяся трагедия заставила Пикассо работать над заказом, и он завершил огромную картину (3,5 × 7,8 метра) буквально за месяц.

Написанная маслом в чёрно-белых тонах «Герника» представляет собой произведение, в котором объединены пасторальный и эпический стили. Отказ от цвета усиливает драматизм и придает картине документальный характер.

Сложная композиция с характерными для Пикассо кубистическими фигурами и вызывающим тревогу изображением пространства считывается непросто. Пикассо практически не высказывался о значении «Герники», оставив интерпретацию зрителям, критикам и искусствоведам. Очевидно, что полотно отражает ужасы войны и чувства, которые вынуждены испытывать люди, ставшие ее жертвой. В центре внимания зрителя – мир, погруженный в хаос. Разруха, смерть, насилие, страдания людей и животных – все происходит в пределах комнаты, освещенной шипастыми лучами потолочной лампы.

В левой части пирамидальной композиции мы видим женщину, которая оплакивает мёртвого ребёнка; над ней стоит бык с широко открытыми глазами. В центре композиции - ревущий конь, который спотыкается о распростертое тело упавшего всадника, чья поза напоминает распятие. Бык и лошадь являются важными символами испанской культуры. В рассматриваемом случае, бык, вероятно, олицетворяет жестокость натиска фашизма, а лошадь – жителей Герники.

В правой части картины мы видим кричащую женщину, охваченную пламенем от горящего здания и воздающую руки к небесам (согласно одной из интерпретаций, женщина падает из окна). Чуть левее – женщина, в отчаянии опускающая руки. Еще одна фигура показывается из окна, в руках у неё свеча – воплощение надежды.

Самая политичная картина Пикассо, сохранившая память о трагедии баскского города, остается актуальной и сегодня. По некоторым сведениям, когда Пикассо жил в оккупированном нацистами Париже во время Второй мировой войны, немецкий офицер якобы спросил художника, увидев репродукцию Герники в его квартире: «Это Вы сделали?». Пикассо ответил: «Нет, это сделали вы».

«Смерть Девы Марии» (1606), Караваджо

Картины итальянского мастера эпохи Барокко Караваджо были такими же скандальными и противоречивыми, как и его образ жизни. Караваджо любил изображать священные сюжеты, искажая их пошлостью или суровым реализмом.

Работа "Смерть Девы Марии" была заказана для часовни в церкви Санта-Мария-делла-Скала в Риме, но работа не была принята из-за неуважительного отношения к библейскому сюжету. Священники решили, что художник изобразил женщину легкого поведения или свою любовницу в образе святой. Однако художник настаивал, что на картине изображена именно Дева Мария. Небрежно раскинув руки, опухшая героиня лежит в окружении мужчин, свесив ноги с края смертного одра. Караваджо гуманизировал свои картины, но часто выходил за рамки общепринятого в его время. Новаторство Микеланджело де Караваджо в смешении высокого искусства и низкого оставило след в мировой культуре.

​​«Этюд головы» Фрэнсис Бэкон

«Невозможно быть более ужасным, чем сама действительность».

Картины английского художника-экспрессиониста Фрэнсиса Бэкона обладают уникальной особенностью — они способны повергнуть смотрящего в настоящий ужас, заставить его чувствовать себя изолированно и одиноко.

Мрачные, жестокие картины художника полны сцен, которые наполнены страшными криками, вспышками ярких красок, разорванными телами и уродливыми лицами. Его раздробленные формы, кричащие цвета — всё часть уникального стиля живописца.

Сегодня хотелось бы рассмотреть чуть подробнее творчество самого художника, его стиль, а также важную работу, которую можно было увидеть на публике только один раз — “Этюд головы 1952”.

Фрэнсис родился в Дублине в семье военного. Отец сыграл значимую роль в его развитии. Описывая отца как полного тирана, Фрэнсис говорил, что глава семейства держал всю семью в полном страхе. Когда отец узнал о гомосексуальности своего сына, он сразу выгнал его из дома.
Этот поступок одновременно освободил Фрэнсиса от постоянного страха перед родителем, а также заставил будущего художника перебраться в Лондон, где и началось его становление в качестве одного из главных живописцев 20 века.

Необходимо отметить, что профессионально живописи Фрэнсис Бэкон никогда не учился. Его учение во многом заключалось в рассмотрении картин Веласкеса, Пуссена и Микеланджело, а первые работы были вариациями на темы любимых художников прошлого.

“Этюд головы 1952” можно также отнести к перифразам на картину Диего Веласкеса «Портрет Папы Иннокентия X». Давайте рассмотрим саму картину.

Кричащий Папа был выставлен на публике только один раз, в рамках шоу в Sainsbury Centre for Visual Arts в Норвич, Норфолк, в 2006 году. В работе Бэкон сохраняет культовый мотив раздробленного пенсне и папской ярко-фиолетовой моццетты.

В настоящую работу Бэкон вложил свою одержимость телесными увечьями и блестящими ртами, а также Сергеем Эйзенштейном, неразличимую озабоченность ужасным патриархатом и историей конфликтов двадцатого века. «Этюд головы» — невероятно новаторское и уникальное произведение, знаменующее само формирование живописного гения Фрэнсиса Бэкона.
Опасность, насилие и смерть постоянно сохраняются в глубинах его холстов, являясь неотъемлемой частью всего творчества Бэкона.

Друг Фрэнсиса Бэкона и его же биограф Майкл Пеппиат описал “кричащую” серию картин Бекона как "не только центральный элемент всех его картин 1950-х годов, но и центр всего искусства 20-го века".

Распродажа Эрмитажа: как мы потеряли искусство

От проекта: YaAndArt.

В этом эпизоде рассказывается о печальной странице в истории Государственного Эрмитажа — о распродаже коллекции в период 1929-1934 годов. О том, какие произведения искусства были проданы, кто придумал этот аукцион невиданной щедрости, зачем это было нужно, помогло ли это новому государству. О том, кто и как покупал работы из русского музея, что об этом думали на Западе. Почему кампания по распродаже Эрмитажа была прекращена в 1934 году, кто был спасителем?

Также в этом выпуске вы узнаете историю создания и формирования коллекции музея. Кто, когда и как начал коллекционировать в России западное искусство. Когда Эрмитаж стал открытым музеем и что случилось с музеем после революции.

🔍 Во время прослушивания данного эпизода вам может потребоваться чуть больше свободного времени, чтобы посмотреть картины, о которых говорится в рамках темы.

​​«Сельский крестный ход на Пасхе» (1861), Василий Перов

Василий Перов был одним из основателей объединения передвижников. Он избегал сюжетов высшего общества, предпочитая изображать повседневную жизнь простых людей. Несмотря на общепризнанность художника, его полотно «Сельский крестный ход на Пасхе» вызвало большое количество недовольств. Художник пишет эпизод одного из самых почитаемых церковных праздников — Пасхи, только выглядит он довольно странно. Участники крестного хода настолько пьяны, что часть из них не в состоянии двигаться. Больше всего публику возмутило то, что художник изобразил празднование Пасхи как пьяную процессию: крестьяне с полуприкрытыми глазами и подвыпивший священник, раздавивший ногой пасхальное яйцо.

Бытует мнение, что Перов вовсе не хотел высмеять церковные обычаи, его целью было показать реалии, в которых вынуждены жить люди. Да, батюшка совсем не трезв, но он уже обошёл много домов, где ему наливали, и выполнил свой священный долг. Несмотря на это, в Санкт-Петербурге картину сняли с выставки, а художника обвинили в аморальности.

Искусство Скандинавии: от шедевров Мунка до мирового успеха IKEA | Документальный фильм Би-би-си

Скандинавия - земля крайностей, самый край Европы. История искусств этих стран, где долгие месяцы в году не бывает солнца, где суровые пейзажи вдохновляли художников и писателей, подарила нам экзистенциализм XX века, Снежную королеву, Гадкого утенка, LEGO и IKEA, Мунка и королевских особ, которые передвигаются по городу на велосипеде.

В этом трехсерийном фильме Би-би-си мы узнаем, как и почему Норвегия, Дания и Швеция стали пионерами в дизайне и как искусство этих стран отражало их демократическую сущность.

Портрет Фрэнсиса Бэкона кисти Реджинальда Грея