​​Постоянство памяти. Сальвадор Дали

Вопрос, который возникает при знакомстве с творчеством Сальвадора Дали: был ли испанский художник на самом деле сумасшедшим, или он просто умело поддерживал образ? Давайте на основе самой популярной работы сюрреалиста «Постоянство памяти» (1931) выясним, был ли Дали безбашенным гением или просто талантливым бизнесменом.

1930-е годы были для Дали очень трудными: плачевное финансовое положение, вызванное отсутствием заказчиков, довело Сальвадора и его жену Галу до меланхоличного состояния.

Вызванное этим обстоятельством постоянное чувство голода натолкнуло Дали на образ известных «стекающих часов» на его «визитной карточке». Как же это связано? По записям самого художника, после сытного ужина с друзьями Гала отправилась в кино с компанией. Сославшись на мигрень, Дали остался дома, и, зайдя в мастерскую, увидел пейзаж с Порт Лигат. Картина показалось мэтру незаконченной/недописанной. Однако вспомнив манящий кусок камамбера, гениальный художник прозрел и за 2 часа непрерывный работы превратил обычный пейзаж в шедевр современного искусства, который, по резонному мнению Галы, один раз увидев, невозможно забыть.

Картина являет собой притчу о бренности человеческого существования. Дали обращается к этой тематике под влиянием Гераклитовского постулата: «Всё течёт, всё изменяется». Так, художник говорит об относительности времени, о смертности всего существующего.
И эта двойственность - синтез вечности и конца - отражается на всем пространстве картины.

Колорит «Постоянства памяти» образуют противоположные по тону и смыслу оттенки. Желтый и коричневый цвета раскалённой пустыни символизируют засуху - непрерывный физический и духовный голод художника, однако голубое море знаменует надежду на светлое будущее. Кроме того, морской пейзаж с мысом Креус порождает в художнике чувство ностальгии, а размеренный ритм волн останавливает время для размышлений.

Согласно названию, важную роль на картине играют часы. Но почему они имеют такую замысловатую форму? Причина в стремлении Дали отобразить нелинейность времени, его подчинённость субъективному течению. Так Дали изображает циферблаты разных периодов: первый - прошлое - стекает с оливы, символизирующей изжитую себя античную мудрость; второй - настоящее - расположен на контрастно остроугольном столе и третий - будущее - размещён на портрете самого художника. «Мягкий Монстр», как называл его Дали, изображён в центре картины спящим, словно погружённым в сюрреалистический сон в ожидании лучших времён. Мэтр также изображает на часах противоположных по символике насекомых: если муравьи на перевёрнутом брегете, символизирующем несуществующее линейное время, означают гниение, то муха на циферблате настоящего — это «фея Средиземноморья» и муза Дали при написании картины.

Ещё одним символом, перекочевавшим из других картин Дали, является зеркало. Оно также символизирует непостоянство, так как зеркало может одновременно отражать реальный мир и погружать в сновидения.

На заднем плане картины у края Ампурданской равнины - места, где родился Дали - размещён важный символ - яйцо. Так, вкладывая образ Христа Спасителя в это яйцо, Сальвадор Дали причисляет себя к «спасителям современного искусства», как сам художник себя именовал.

Итак, давайте же теперь попробуем ответить на интересующий нас вопрос: кем на самом деле являлся Дали - шоуменом или безумным гением?

После ознакомления с «Постоянством памяти» каждый из вас может с лёгкостью дать ответ: Дали так же двойственен и неоднозначен, как и его творения. Поэтому утверждение, что Сальвадор Дали был не менее предприимчивым, чем гениальным, кажется вполне обоснованным.

«Мира» (1995)
Маркус Харви

Картина «Мира» является репродукцией знаменитого магшота преступницы Миры Хиндли, которая, вместе со своим другом, совершила чудовищное преступление в Манчестере. Жертвами Миры стали пять детей. После ужасной трагедии, вызвавшей большой резонанс в Англии, британская пресса охарактеризовала Миру как самую жестокую преступницу Англии.

Картина полностью выполнена из отпечатков детских ладоней в белом, сером и чёрном цветах. Харви кропотливо собирал отпечатки детей по всей Англии и создавал из них портрет. Позже Мира Хиндли написала письмо художнику из тюрьмы с просьбой уничтожить ее портрет и не продавать его музеям. Художник же, как и общественность, приняло решение не только оставить картину, но и перевозить ее с выставки на выставку, рассказывая всему миру об этом страшном преступлении.

Позже издание The Sun написало, что «Мира» должна висеть в Королевской академии искусств. Настолько важной была эта работа.

​​Энди Уорхол.
Это ж не искусство!

Энди Уорхол — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, издатель журналов и кинорежиссёр, заметная персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Основатель идеологии «homo universale», создатель произведений, которые являются синонимом понятия «коммерческий поп-арт».

Трансвеститы, убийства, горы денег, тараканы и вампиры. Все это Вы сможете услышать в выпуске от проекта "Это ж не искусство!"

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​«Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле». Уинстон Черчилль.

В 2014 году на торгах за £1,8 млн ушла с молотка картина «Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле» влиятельнейшего политика двадцатого века Уинстона Черчилля. Финальная стоимость картины превысила в несколько раз первоначальный эстимейт. Объясняется ли такой результат лишь именитостью автора? Давайте разберемся.

Черчилль взялся за кисти примерно в возрасте 40 лет, когда его политическая карьера пошла на спад. Шла Первая мировая война и Дарданелльская операция, инициатором которой выступал Черчилль, закончилась провалом. Стремясь вернуть душевное спокойствие, Черчилль уединился со своей семьей в загородном доме, где и увлёкся процессом создания картин.

«Живопись пришла мне на помощь в самое трудное время», — писал Черчилль в эссе, которые в дальнейшем станут небольшой книгой «Живопись как времяпрепровождение».

Черчилль был в значительной степени самоучкой. Тем не менее, он стремился улучшить свою технику и делал это, вдохновляясь работами импрессионистов и постимпрессионистов (Эдуара Мане, Клода Моне, Анри Матисса и др.).

Известно, что сэр Уинстон устанавливал мольберт на открытом воздухе, чтобы запечатлеть на холсте территорию своего загородного дома в графстве Кент, называемого Чартвелл. (Сегодня дом работает в качестве музея, в нем сохранилась студия живописи Черчилля.)
Живопись пришла мне на помощь в самое трудное время», — писал Черчилль в эссе, которые в дальнейшем станут небольшой книгой «Живопись как времяпрепровождение».

Черчилль был в значительной степени самоучкой. Тем не менее, он стремился улучшить свою технику и делал это, вдохновляясь работами импрессионистов и постимпрессионистов (Эдуара Мане, Клода Моне, Анри Матисса и др.).

Известно, что сэр Уинстон устанавливал мольберт на открытом воздухе, чтобы запечатлеть на холсте территорию своего загородного дома в графстве Кент, называемого Чартвелл. (Сегодня дом работает в качестве музея, в нем сохранилась студия живописи Черчилля.)

В 1932 году сэр Уинстон написал картину, запечатлев одно из самых своих самых любимых мест в саду поместья Чартвелл – пруд, который был для политика местом уединения.

На картине «Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле» Черчилль мастерски передает отражение сочной листвы на поверхности воды, используя широкую палитру зеленых и коричневых оттенков. Стая рыбок огненного окраса органично вписывается в пейзаж, добавляя картине динамики.

В отличие от многих других картин Черчилля, «Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле» не сосредоточен на широкой пейзажной панораме. «Пруд» необычаен тем, что позволяет зрителю приблизиться к самой воде и разглядеть буйную зелень, окружающую водоем.

Ловкие мазки Черчилля, его мастерство изображения динамики воды и света вдыхают в картину жизнь. «Пруд с золотыми рыбками в Чартвелле» - работа сэра Уинстона, которая является подтверждением его таланта.

«Туман надвигается» (1885)
Уинслоу Хомер

В 1882 году Хомер возвращается в Америку из Англии, где он прожил почти два года, наблюдая за моряками. Художник изучал силу природы, уязвимость людей и верил в полную беспомощность человека.

Эти мысли и подтолкнули Хомера на создание этой работы. Изначально картина называлась «Ловля палтуса» и впервые была представлена публике именно так. Зрители увидели в «Ловле палтуса» очередное изображение рыбака, который находится в море и скучно выполняет свою работу. Публика считала, что картина не имела никакого глубокого смысла из-за чего Хомер в срочном порядке изменил ее название, сделав акцент на величии природных стихий и уязвимости человека перед ними.

После смены названия картина обрела популярность. Зрители начали видеть в картинней нечто большее, чем быт простого рыбака. Удивительно, как название картины может кардинально изменить взгляд зрителей на неё.

​​Объятия. Эгон Шиле.

Эгон Шиле написал «Объятия» в 1917 году, когда его мастерство достигло зрелости. Многие работы художника посвящены раскрытию темы сексуальности и телесности, и каждая из таких картин уникальна. Шиле не просто изображает наготу, он обнажает души. Так, например, более ранние работы Шиле – «Сидящая пара», «Смерть и дева» резко контрастируют с «Объятиями». В первом случае художник изображает тревогу и напряженность, во втором – нежность и единство влюбленных.

В центре композиции «Объятия» мы видим молодых любовников, которые лежат на смятой белой простыне, сцепив руки. Волнистый контур фигур подчеркивает напряженность тел. Волосы женщины рассыпаются по подушке, ее голова слегка наклонена, а левая рука лежит на плече мужчины, что напоминает «Поцелуй» Климта, который Шиле, как друг и ученик Климта, хорошо знал.

Примечательно, что изображаемые Шиле женщины не являются объектами, излучающими сексуальность: автор картин наделяет их способностью чувствовать страсть и отдаваться ей. По этой причине некоторые современные искусствоведы называют Шиле художником-феминистом.

Согласно одной из версий, на создание картины Шиле вдохновила собственная свадьба и последующая семейная жизнь с Эдит Хармс. Чувственное слияние в «Объятиях» отражает гармонию, которую удалось ощутить художнику в браке. Точка притяжения «Объятий» – интимное, всепоглощающее чувство любви, страсти. Мы ощущаем отчаяние возлюбленных, но также верим, что они – спасение друг для друга.

В реальности судьба Эгона и Эдит сложилась трагично: на шестом месяце беременности жена Шиле умерла от эпидемии испанского гриппа, разразившейся в Европе, а через 3 дня умер сам Шиле в возрасте 28 лет.

Эгон Шиле стал одним из ключевых представителей австрийского экспрессионизма, подарившим миру новую форму изображения чувств и тела.

​​Цена искусства.
Искусство в массы.

В этом небольшом подкасте Вы узнаете, как формируется цена на произведения искусства, и ответите себе на вопрос, почему работы некоторых наших современников стоят больше, чем работы классиков.

Выбрать другие лекции и подкасты можно в закрепе.

​​«Шабаш ведьм» Франсиско Гойя

Как и другие произведения Гойи "Шабаш ведьм" вызывает чувство дискомфорта и тревоги. Тем не менее, от полотна не оторвать взгляд. Что стоит за «чёрной живописью» Франсиско Гойи? Давайте разберемся.
Шабаш - это торжественное собрание представителей нечистой силы, на котором сатана, ведьмы и другие лица проводят ритуалы, устраивают жертвоприношения и оргии (представления о шабаше различны у разных культур).

Действие «Шабаша» разворачивается на залитом лунным светом бесплодной земле. Если не вглядываться в детали, то складывается впечатление, будто бы художник изобразил на полотне какое-то празднество. Однако взглянув поближе, мы замечаем, что торжествует здесь злая сила.

В центре картины - дьявол в образе козла с огромными рогами и венком из листьев на голове. Сатана окружен толпой ведьм. Одна из них, сидящая справа, держит на руках младенца, который, по всей видимости, нужен для проведения ритуала. В эпоху Гойи было распространено суеверие о том, что дьявол питается человеческими детьми. Мы также замечаем скелеты двух младенцев: один лежит на земле, другого держит старуха в черном. На заднем плане можно увидеть еще больше ведьм, а также трех мертвых младенцев, повешенных, вероятно, на кол.

В испанском контексте картины Гойи были восприняты как протест против тех, кто поддерживал ценности испанской инквизиции, которая активно охотилась на ведьм во время баскских процессов над ведьмами XVII века. Картину можно рассматривать как насмешку над суевериями, распространенными в Испании в период, когда рассказы о ведовской сборищах наводили страх на сельское население.

Через 20 лет Гойя вновь напишет шабаш - на этот раз жуткое, вселяющее в зрителя страх полотно. Поздний шабаш относят к циклу «чёрной живописи» — куда входят 14 работ, выполненных на стенах так называемого Дома глухого.

​​Лиза Савина «На заборе тоже написано!» Об искусстве в городском контексте.

От проекта: Понять и обнять современное искусство.

Кто не замечал граффити на городской набережной, муралы на стенах домов или наклейки на столбах и дорожных знаках? Современное искусство выходит за рамки галерей и музеев, взаимодействует с городской средой и переосмысляет ее. Скульптура, сайт-специфичное искусство, стрит-арт, художественный активизм — все эти направления в искусстве на улицах объединяет паблик-арт. Сейчас такое искусство становится все популярнее и из-за развития рынка искусства, и из-за огромной популярности урбанистики.

В подкасте вы поговорите с куратором и соучредителем Фонда культурных инициатив Sparta Лизой Савиной о том, как возник и развивался паблик-арт, какие направления в него входят, зачем он нужен и какие проблемы в городской он среде решает.

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство и художников можно в закрепе.