​​"Мы пришли, чтобы выжечь в мозгу плесень прошлого": как авангардисты создавали свой музей.

От: Куинджи охрип.

Выпуск посвящен в этот раз не отдельному художнику, а целому музею современного искусства — первому в мире. Идею московского музея живописной культуры (МЖК), который должен был стать образцом музея нового типа, разрабатывали сами художники, в том числе Казимир Малевич, Василий Кандинский и Александр Родченко. МЖК просуществовал лишь 10 лет и закрылся в 1929 году, когда в Нью-Йорке только открывался знаменитый музей современного искусства (МоМА).

Каким был первый в мире музей современного искусства? О чем Кандинский спорил с авангардистами? И как спецслужбы связаны с картинами Малевича?

Послушать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Амур развязывает пояс Венеры. Рейнолдс Джошуа.

По оценке искусствоведа А. Н. Бенуа, из трёх произведений Джошуа Рейнолдса в коллекции Эрмитажа работа "Амур развязывает пояс Венеры" является наиболее изящной. Картина представляет собой авторское повторение мотива, написанного художником еще в 1784 году и тогда выставлявшегося в Королевской Академии художеств под названием «Нимфа и Купидон». Копию картины для князя Г.А. Потемкина заказал лорд Кэрисфорт после возвращения из России в 1787 году. Единственным существенным отличием эрмитажного варианта от оригинала является отсутствие змеи, притаившейся у локтя Венеры.

Полотно притягивает своей интимностью, легкостью и изысканностью. Венера с мнимой стыдливостью, будто застенчиво прикрывает лицо рукой, но при этом очень сладко и кокетливо смотрит на зрителя. В это время Амур, озорной малыш, тянет за концы голубого шелкового пояса, внимательно рассматривая свою мать.

Как правило, выше других жанров Рейнолдс ставил историческую живопись, воспевавшию античные или библейские сюжеты. Однако в этой картине чувствуется, что автор — современник художников французского рококо Буше и Фрагонара, которые писали любовные сцены фривольного содержания.

Наибольшее значение художник придавал колориту, считая, что цвет, а именно теплая цветовая гамма, создает эмоциональный строй произведения. Только обратите внимание на преобладание красного цвета. Холодные же оттенки цвета, например, на голубых лентах, применяются для усиления теплых тонов или контраста с ними.

Есть предположение, что моделью для образа послужила яркая девушка по имени Эмма Гамильтон. Она являлась любовницей британского адмирала Горацио Нельсона. Благодаря своим скандальным любовным историям, красоте и художественному таланту леди Гамильтон была в конце XVIII – начале XIX века настоящей европейской знаменитостью.

Доминирующим смысловым и композиционным элементом является Пояс Венеры (Афродиты). Это самый мощный атрибут богини любви. Гомер описывал: «все обаяния в нем заключались, в нем и любовь и желания в нем и знакомства и просьбы, льстивые речи, не раз уловлявший ум и разумных». По легенде пояс излучал волшебный аромат, любовной страсти которого были подчинены не только люди, но и боги. Именно с помощью пояса Афродиты Гере удалось соблазнить Зевса.

Интересно, что несмотря на откровенно чувственный образ Венеры, её поза отчасти перенята из более раннего по времени этюда, запечатлевшего с натуры молоденькую девушку, скорее всего, одну из племянниц Рейнольдса, провалившуюся в слишком глубоком для нее кресле и кокетливо-смущенно прикрывающую лицо правой рукой.

​​"Аристократ в лучшем смысле": Василий Поленов в поисках идеального человека.

От Куинджи охрип.

Новатор, художник, педагог, архитектор, композитор, писатель, общественный деятель — все это Василий Поленов, герой нашего нового выпуска.

Почему другие художники искали секрет в его красках? Можно ли назвать Поленова бунтарем и феминистом? За что его критиковал Лев Толстой? И при чем здесь девушки легкого поведения?

Выбрать другие лекции и подкасты можно в закрепе.

До стрима осталось чуть меньше часа, напоминаю Вам про ссылку для подключения к трансляции. Стрим можно будет посмотреть на телефоне или планшете. Не забудьте скачать приложение Watchers заранее, чтобы не пропустить начало!

Жду Вас на стриме сегодня в 21:00.

Приятного просмотра!!!

Стрим начался! Подключайтесь!

Друзья! Всем спасибо, кто пришел!

Мы с Вами установили рекорд платформы по посещаемости! В будущем будем продолжать стримить для Вас!

Доброй ночи!

​​Бурлаки на волге. Илья Репин.

Одно из противоречий Ильи Репина состояло в том, что он, будучи народным художником с гражданской позицией, все же стремился соблюдать принципы чистого искусства. Он неоднократно выступал против публицистичности передвижников, которые вечно пытались что-то «проповедовать». В этом контексте «Бурлаки на Волге» уникальны. Картину тяжело назвать «искусством ради искусства», но и “проповеди” тут тоже нет.

Картина писалась с натуры, на широких волжских просторах. Природа действительно была прекрасна, но мастера особо удивила жизнь местных бурлаков. Утомленные, сальные, в оборванных одеждах, они очень контрастировали с роскошно наряженной публикой, стоящей, как правило, неподалеку от берега. Эта сцена невероятно поразила Репина. Так почему бы не написать этот сюжет на холсте? Илья Репин так и сделал, заранее осознавая, что картина будет активно подвергаться критике.

Каждый бурлак индивидуален. У каждого своя судьба, свой характер и отношение к труду.

В первых рядах идут «коренники». Это уже наученные опытом бурлаки, таскающие баржи не первый год. Первым среди них идет Канин, расстриженный священник. Репин неспроста называл его «вершиной бурлацкой эпопеи». В нем виден ум, причем живой, видна мудрость и внутренняя сила. Канин – это неформальный глава, который много повидал на своем веку.

Слева от Канина идет такой же сильный мужик. Несмотря на тяжкий труд, на добром лице видна улыбка. Вероятно, что он подшучивает над соратниками. Справа от Канина — коренастый бурлак невысокого роста. В его глазах заметна некая злоба и ненависть. Он смотрит прямо на зрителя. Рядом с ним плетется бурлак, курящий трубку. Он почти не старается тянуть баржу. Он будто безразличен к происходящему.

В центре группы находится парень, красная рубаха которого сильно отличается от одежды других бурлаков. Он также отличается и поведением. В нем ощущается некий протест, он даже будто пытается убрать лямку, которая мешает ему. Справа от него идет ну очень уставший бурлак, который из последних сил вытирает пот, а слева наоборот — достаточно крепкий мужик, успевающий даже набить трубку. Дальше идет новичок в бурлацком деле. Это очевидно, поскольку он единственный в сапогах, и более того, они еще не стерлись. Замыкает группу совсем выбившийся из сил бурлак. Совсем обессилевший, он свесил голову и медленно плетется.

«Бурлаки, настоящие бурлаки и более ничего. Ни один из них не кричит с картины зрителю: "Посмотри, как я несчастен и до какой степени ты задолжал народу!"» Как удалось Репину изобразить не жалкую стилизацию, но плоть и кровь – и при этом обойтись без поучений? Единственный императив, который задает Репин: «Смотри!». Но уж от него не уклониться». — восхищался Ф.М. Достоевский.

Фигуры монументальны, в этих тощих оборванных бурлаках — сила и безысходность целого народа. При этом символизм Репина довольно сдержан. Вышедшая из-под кисти художника картина значительно грандиознее, нежели изначальный его замысел.

​​Было ли в России искусство до «Последнего дня Помпеи»? Выставки Венецианова и Левицкого. Арзамас.

Почему до Брюллова у нас были художники, но не было искусства? Почему портреты смолянок Дмитрия Левицкого — это на самом деле манифест? Почему крестьяне на картинах Алексея Венецианова не работают?

Что общего у героев Венецианова и героинь Левицкого — а чем они различаются? И какое место у этих художников в русской национальной школе?

Выбрать другие лекции про искусство и художников можно в закрепе.

​​Бобовый король. Якоб Йорданс.

На картине показана трапеза в честь дня Богоявления, который традиционно празднуется 6 января. В такой праздник в семьях готовят особенное блюдо — Пирог Волхвов. Неординарность этого пирога заключается в наличии запеченного внутри маленького сюрприза. Так, одному из участников застолья в куске могло попасться бобовое зернышко, орех, монетка или крошечная фигурка Иисуса Христа. Такой сюрприз служил символом путеводной звезды, которая привела волхвов в Вифлеем, чтобы поклониться святому младенцу. Тот, кому попадался сюрприз, объявлялся "бобовым королем". Его Величество из сидящих за столом выбирало себе Королеву и остальную свиту от министров до шутов. После каждого поднятия бокала бобовым королем все гости кричали: «Король пьет! Да здравствует Король!» и пили вместе с ним. Отсюда и первое неофициальное название картины - «Король пьет». Это неплохо веселило народ. Более того, благодаря этой традиции, в обществе смягчалась напряженность в отношении простых людей к представителям власти.

Художник продемонстрировал момент пиршества, когда всеобщие веселье и ликование достигло своего апогея. Мастер изумительно передаёт обстановку стихийной раскованности отдыхающих, он наделил каждого героя выразительной мимикой и жестикуляцией. Поэтому даже вроде бы обычная житейская сцена приобретает монументальный характер и даже отличительный жизнелюбивый пафос.

Каждый герой картины уже давно веселится самостоятельно, один что-то поет, другой усиленно играет на волынке, одна женщина невзначай поит вином свою маленькую дочку, а мужчина в костюме шута пытается произнести “пламенную речь”. Даже героиней на первом плане с грудным ребенком завладело хмельное настроение, и она совсем позабыла о своем полусонном младенце, который в свою очередь успевает сходить «по-маленькому» на стоящую рядом собаку. А седовласому королю все мало! Уже нетвердой рукой он поднимает новый бокал. Как иначе? Ведь именно сегодня он бобовый король! Йорданс передает эту откровенно грубоватую сцену, ничего не приукрашивая и не смягчая. Чувствуется, что он искренне любуется ею. При этом важно, что несмотря на всю любовь художника к данной сцене, на праздничном столе художник сделал акцент на масло в фарфоровой миске и окорок на блюде. Оба деликатеса искусствоведы традиционно классифицируют как символы одного из семи смертных грехов - чревоугодия.

Избегая резких светотеневых контрастов, Йорданс под влиянием своего знаменитого современника Питера Пауля Рубенса обращается к более мягкой и теплой цветовой гамме с множеством оттенков: от серебристо-синего до изумрудно-зеленого и золотисто-коричневого. Оставив фон и помещение серыми, словно говоря о том, что они не важны, живописец делает акцент на людях. На их счастливых лицах, мимике, позах и жестах, выделяя их светом,что придает атмосфере еще более веселое настроение.

Также интересно, что художник продемонстрировал на своем полотне несколько аллюзий на известные голландские и фламандские пословицы. Например, собака, которая просит у мальчика немного угощения — это визуальное трактовка пословицы «Жадный не знает меры». А волынщик, надувший щеки, воплощает мудрый афоризм о том, что «с хорошо набитым животом лучше поется».

Друзья! Если что, мы живые и конечно же будем продолжать Вас радовать контентом с того момента, как вся ситуация в Украине наладится. Просим не терять нас и мирного неба Вам над головой!

Лекции и подкасты:
1. Как читать скрытые смыслы и подтексты в живописи. Арзамас.
2. Портрет: реальность, магия и искусство. Арзамас.
3. Шагал и авангард. Арзамас.
4. Караваджо - пацанчик эпохи Барокко. Искусство для пацанчиков.
5. Пикассо, который жил по своим правилам. Куинджи охрип.
6. Как Ван Гог экспериментировал с жизнью и самим собой. Куинджи охрип.
7. Матисс и русские. Искусство для пацанчиков.
8. Science Art? Чё такое Science Art? Искусство для пацанчиков.
9. Что скрывается за гениальностью да Винчи. Куинджи охрип.
10. Cамая быстрая история русского искусства XX века. Арзамас.
11. Как услышать Эдварда Мунка? Куинджи охрип.
12. Амедео Модильяни: художник, у которого сразу всё пошло не так. Куинджи охрип.
13. Да Босх с Вами! Искусство для пацанчиков.
14. ​​"Дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный": демоны и ангелы Михаила Врубеля. Куинджи охрип.
15. ​​Да ничего такого сложного, просто смешиваю краски: химические секреты Архипа Куинджи. Куинджи охрип.
16. Бывает ли соцреализм с человеческим лицом? Юрий Пименов в Третьяковке. Арзамас.
17. ​​"Историк на фантастический лад": сказочная реальность Виктора Васнецова. Куинджи охрип.
18. Густав Климт. Таиров о художниках.
19. ​​Густав Климт, который обожал котов и женщин. Куинджи охрип.
20. ​​Мураками кавайнутый на всю голову. Искусство для пацанчиков.
21. ​​Художник с городом в сердце: мифы и послания Марка Шагала. Куинджи Охрип.
22. ​​Демон на кортах. «Молодой и горячий воробушек Мишенька».
Искусство для пацанчиков.
23. ​​Синдром Ван Гога. Искусство для пацанчиков.
24. ​​"Мы пришли, чтобы выжечь в мозгу плесень прошлого": как авангардисты создавали свой музей. Куинджи охрип.
25. ​​"Аристократ в лучшем смысле": Василий Поленов в поисках идеального человека. Куинджи охрип.
26. ​​Было ли в России искусство до «Последнего дня Помпеи»? Выставки Венецианова и Левицкого. Арзамас.
27. ​​Кто придумывал названия для стилей в искусстве? Дай Малевичу шанс!
28. ​​Побойся Бойса. Искусство для пацанчиков.
29. ​​"Герника" Пикассо. No pasaran! Искусство для пацанчиков.
30. ​​Джорджо Вазари. Первый искусствовед. Об истории и искусстве.
31. ​​Где учиться на художника (и надо ли это делать)? Искусство в массы.
32. ​​Энди Уорхол. Это ж не искусство!
33. ​​Цена искусства. Искусство в массы.
34. Распродажа Эрмитажа: как мы потеряли искусство
35. Не только Бэнкси. О чем с нами говорит стрит-арт?

​​Думскроллинг  (англ. doom — «злой рок», «гибель» и scroll — «прокручивать, листать») — «болезненное погружение в новостную ленту, где превалируют плохие вести», феномен траты чрезмерного количества экранного времени, посвящённого поглощению негативных новостей. В некоторых случаях повышенное потребление преимущественно негативных новостей может привести к вредным психофизиологическим реакциям.

Плохие новости, к сожалению, уже будто стали привычной частью нашей жизни. Мы ценим ментальное здоровье наших подписчиков и немного меняем свою стратегию. С этого момента канал будет работать в штатном режиме и продолжать радовать Вас контентом. Надеюсь, мы как-то поможем Вам отвлечься от негативного новостного фонда, обсуждая искусство.

​​Кто придумывал названия для стилей в искусстве? От проекта "Дай Малевичу шанс!"

Барокко, импрессионизм, супрематизм, рококо...кто придумал эти и другие названия стилей?

Послушайте новый подкаст этим утром и поднимите себе настроение от милого голоса ведущей.

Хорошего дня!

Выбрать другие лекции и подкасты можно в закрепе.

​​Воскресный день на острове Гранд-Жатт. Жорж Сёра.

Жорж-Пьер Сёра на протяжении двух лет присматривался за отдыхающими людьми на острове Гранд-Жатт, зарисовывая их. В результате появилась данная картина, которая породила противоречивые отклики со стороны критиков. Чем же она им так не угодила? Все дело в образах людей. Сёра четко не прописывает их лица. Силуэты фигур выразительные и яркие, но когда обращаешь внимание на лица, то замечаешь лишь размытое неоформленное изображение. В нем тяжело рассмотреть хоть какие-то черты. По этой причине все фигуры похожи на застывшие неестественные куклы. Они выглядят словно манекены.

«Художник должен научиться изображать не предмет, а сущность предмета. Когда он пишет лошадь, это должна быть не та конкретная лошадь, которую вы можете опознать на улице. Камера создает фотографию; нам же следует идти гораздо дальше», — так художник описывал своё видение искусства. В картине главное - духовное содержание. Подтекст, который каждый зритель видит по-своему. Для большинства людей картина представляет собой лишь ленивый отдых парижан в воскресный летний день на берегу реки Сены на всеми излюбленном острове Гранд-Жатт.

Но так ли безобидна картина на самом деле? Ведь не секрет, что некоторые считают работу антиутопией. «Ландшафт изображенного самоубийства» — так отозвался философ Эрнст Блох о полотне Сёра. Почему же так? По воскресеньям на острове собирался весь высший свет. Неудивительно, что до чрезвычайности ценили этот остров и женщины легкого поведения. В расслабленной обстановке нетрудно присмотреть себе клиентов. А молодые щёголи, соответственно, с легкостью находили себе девушек для развлечений. Вот почему в народе Гранд-Жатт называли островом любви.

В контексте того времени роль каждой фигуры на картине была понятна. Например, девушка слева, в руках у которой удочка, совсем не похожа на рыболова-любителя. Скорее всего иную рыбку она намерена поймать в этот солнечный день. Пара же справа кажется довольно уважаемой и достойной. А если присмотреться к тому, что на поводке у дамы вовсе не собака, а обезьянка? И если знать, что обезьянка расценивалась как символ развратности, а на парижском жаргоне так именовали проституток? Похоже, что пара уже не совсем так порядочна.

Работа написана в безусловно революционной технике для того времени – пуантилизме. Данная техника основана на анатомических свойствах человеческого глаза. Цвета на картине не смешиваются, вместо этого каждый цвет наносится отдельным мазком. А глаз зрителя, находясь на предназначенном расстоянии, сам смешивает краски, засчёт чего достигается ощущение нужного оттенка. Неординарность «пуантилистской» техники была отмечена поклонниками Сёра, которые на волне восхищения работой, назвали автора «мессией нового искусства».