​​Мураками кавайнутый на всю голову.
Искусство для пацанчиков.

Когда Такаси Мураками было 7 лет, он впервые увидел картину «Сатурн, пожирающий своего сына», его родители сводили сынишку на выставку Гойи. А потом отец будущего художника прикупил в подарок сыну постер с этим ужасом. И бедный Такаси каждый день «вдохновлялся» этим шедевром.Может быть именно в этой истории кроется загадка его зубастых цветов, отрубленных рук и, как компенсация - море няшек в его творчестве? А может и нет.

В этом эпизоде разберемся с тем, почему японцы поколения Такаси любили американскую культуру не смотря на Хиросиму и Нагасаки, сколько известные бренды зарабатывают на мимимишном Мураками, кто такие Кайкай и Кики и зачем цветам и грибочкам улыбки, а так же послушаем Билли Айлиш и многое другое.

Выбрать другие лекции про искусство можно в закрепе.

​​Союз Земли и Воды. Питер Пауль Рубенс.

Питер Пауль Рубенс, как основатель направления барокко, писал ярко и пышно. Такой высокопарный стиль характеризуется изображением тяжелых фигур в движении, эмоционально возбужденных до предела. Контрасты света и тени и теплые краски наделяют его полотна бурной атмосферой. Художник использовал разные сюжеты для своих картин. Чередуя, он писал грубоватые библейские сцены, охоту на животных, звонкие побоища и даже примеры высочайшего проявления религиозного духа. Однако все его работы были сделаны с элементом жизненной драмы.

Идея союза двух стихий продемонстрирована в образах античной мифологии. Опирающийся на трезубец бог морей Посейдон олицетворяет собой Воду, а пышнотелая красавица с рогом изобилия в руке слева — Гера, которая олицетворяет собой Землю. Такой многообещающий союз, награждающий человечество плодородием, богатством и процветанием, одобряется спустившейся с Олимпа и держащей в руках венок богиней Никой. Именно её появление из морских глубин прославляет Тритон.

Античный бог Посейдон в виде большого седобрового старика находится не в самой удобной позе, правой рукой опираясь на трезубец – символ морской власти. Своей левой рукой он держит за руку молодую красавицу, и с нетерпением и даже некоторым напряжением ждёт от богини ответа.

Скучающий взгляд молодой Геры красноречиво заявляет о её безразличии к богу морей. Гера изначально, будучи королевой положения, заставляет Посейдона мучительно ждать ответа. Интересно, что античной мифологии не известны какие-либо союзы между Посейдоном и Герой, более того боги являлись друг другу братом и сестрой.

Внизу картины купаются два младенца. Такой образ можно довольно часто увидеть на полотнах эпохи барокко, ренессанса и рококо. Есть теория, согласно которой Рубенс изобразил своих детей — на момент создания картины художник был отцом дважды.

Стоит отметить приемы, которые использовал художник. Среди них пирамидальная композиция, построенная на принципах симметрии и равновесия форм. Также для особого восприятия и баланса художник использовал инверсию. Так, Гера повернута к зрителю лицом, а Посейдон – спиной. Их связывает лишь касание рук, лежащих на огромном кувшине.

Интересно, что помимо традиционной темы стихий, художник наполнил работу и современными смыслами. Рубенс связал полотно с актуальными проблемами своей страны. Так, союз Земли и Воды олицетворял союз Антверпена с рекой Шельдой, устье которой когда-то было блокировано голландцами, лишившими Фландрию выхода к морю. Таким образом художник органично совместил миф, реальность и даже национальную историю.

​​Смерть Сократа. Жак Луи Давид.

Картины Жака Луи Давида – замечательный пример революционного классицизма. Художник затеял написать данную картину, когда Великая французская революция была совсем близка (1787 год). Давид уже неоднократно писал сюжеты из античной истории, которые стали ему особенно близки после долгого пребывания в Италии. Античные образы на его полотнах демонстрируют идеалы доблести свободолюбивой эпохи. Его работа была призвана воспитать нравственные качества и пробудить гражданскую добродетель современников.

Сократ - древнегреческий философ, учитель Платона. Он выделялся простотой и небывалой храбростью в борьбе за истину. В основном философ проповедовал на улицах, привлекая молодежь к дискуссиям. Он помогал вникать в суть понятий. В диалогах Платона Сократ философствовал на темы: добра и зла, любви, бессмертия души и знаний. Такая открытость и прямота суждений Сократа привели к возникновению многих неприятелей, которые впоследствии обвинили философа в попытке совратить юношей и в отрицании государственной религии. В итоге Сократа приговорили к казни путем применения яда. Товарищи предлагали ему спасаться бегством, но Сократ отказался, тем самым показав уважение к закону и веру в свои убеждения.

Перед зрителем происходит кульминация трагедии, когда последователи, приняв грациозные позы, находятся в полном отчаянии, в то время как сам философ, тоже довольно театрально воздев одну руку к небесам, а другую, протягивая к чаше, заявляет (судя по всему, именно то, что и приписывает ему Платон в диалоге «Федон»): «Не стоит переживать, ведь душа отправляется в лучший мир». Такой жест, когда рука вот-вот дотронется до сосуда со смертельным напитком, но все-таки не касается его, повисая в воздухе, - ключевой, поскольку создает ощущение, будто время остановилось.

На полу можно заметить только снятые с ног философа кандалы. У изножья кровати, опустив голову, сидит Платон, погруженный в свои мысли. В правой части картины, положив руку на бедро философу, тем самым выражая свою скорбь, сидит Критон, самый старший из учеников Сократа. В итоге как бы ни мучились ученики Сократа, его смерть одолена, поскольку о ней забыл и сам учитель, так сильно захваченный последними репликами.

Художник уделяет особое внимание цвету, дабы подчеркнуть эмоциональный характер процесса. Так, оттенки красного приглушены по краям картины, а к центру они становятся более насыщенными, достигая кульминации в темно-красном одеянии рыдающего палача. Интересно, что лицо Сократа было идеализировано и сильно отличается от классического бюста, считающегося эталонным.

Художник подписал эту картину в двух местах. Его инициалы расположены на сидении Платона, что является отсылкой к тому, что повествование истории исходит именно от него. Так художник выразил свою благодарность философу за источник вдохновения. Но его полная подпись располагается под Критоном, что символизирует отношение Давида к философу и к ситуации вообще. Давид своей подписью отождествляет себя именно со старшим учеником Сократа. Таким образом, Давид позиционирует себя как приверженец взглядов Сократа.

​​Художник с городом в сердце: мифы и послания Марка Шагала. Куинджи Охрип.

"Когда я родился — в маленьком домике у дороги позади тюрьмы — на окраине Витебска вспыхнул пожар. Огонь охватил весь город, включая бедный еврейский квартал. Мать и младенца у нее в ногах, вместе с кроватью, перенесли в безопасное место, на другой конец города. Но главное, родился я мертвым. Не хотел жить. Его кололи булавками, окунали в ведро с водой. И наконец он слабо мяукнул. В общем, я мертворожденный".

Зачем Марк Шагал превратил в сказку историю собственного рождения? За что и как попал в тюрьму? Почему считал Октябрьскую революцию радостным событием? Как из-за Малевича ученики Шагала выгнали его из собственного училища? И почему он стал единственным в мире мастером живописи, чьи работы украшают культовые сооружения практически всех конфессий? Ответы на эти вопросы Вы найдете в подкасте!

Мы писали обзор на картину Шагала, думаю Вам будет это интересно.

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Апостолы Петр и Павел. Эль Греко.

Эль Греко является одним из наиболее выдающихся и самобытных мастеров эпохи Возрождения. До сих пор его довольно трудно отнести к той или иной национальной школе. Грек по рождению, художник учился живописи в мастерской великого Тициана в Италии, где испытал интенсивное воздействие венецианских колористов. Эль Греко обладал оригинальностью драматически-экспрессивного стиля. В своих работах мастер придавал большое значение острым психологическим характеристикам своих героев.

Апостолы Эль Греко довольно далеки от канонических образов святых, принятых церковью. Они написаны в очень широкой, свободной, темпераментной манере, необычной для Испании XVI века, и потому казавшейся особенно дерзкой. Как это? Ведь перед нами святые апостолы? А ты пишешь их как рядовых граждан. Понимая данный контекст, становится понятным тот факт, почему же испанский король отверг талантливого мастера. Ведь просто-напросто представленные им святые не вызывают желания молиться, быть причастным к чему-то святому.

Сопоставление на одном полотне Петра и Павла представляло особый интерес для Эль Греко. Павел до принятия христианства яростно преследовал сторонников новой на тот момент веры, но все же, приобщившись к ней, стал фанатичным ее приверженцем. Апостол Петр, напротив, один из самых близких учеников Христа, никогда не отличался покорностью и силой духа. Он неоднократно колебался в своем решении, даже изменял вере, но, раскаявшись, снова возвращался к ней. На таком контрасте Павел написан человеком сильным и убежденным в своих новых знаниях, в то время как рядом с ним стоящий Петр выглядит слабым, даже немного беспомощным. Эль Греко особенно щепетильно относится к деталям. Стоит обратить внимание на сопоставление рук апостолов. На твердые сильные руки Павла и на мягкие руки, будто извиняющегося Петра.

Все художественные элементы находятся строго на своем месте. Убрав что-либо, зритель рискует испортить общую стройность композиции. Двухфигурный портрет обычно не предполагает сложности прочтения. И здесь, на первый взгляд, композиционное решение полотна тоже является довольно простым. Апостолы располагаются почти симметрично относительно вертикальной оси, разделяющей их фигуры. Обратите внимание, что эта линия проходит не по центру картины.

Композиционная целостность Апостолов достигнута благодаря обращенности их корпусов друг к другу. В месте их возможного зрительного контакта фигуры сливаются в единую линию. Эта линия находит свое продолжение в единственном освещенном фрагменте стены за их телами – некоем световом столбе. Центральное положение этого столба на полотне, конечно, неслучайно. Вся композиция побуждает продлить его мысленным взором вообразить Крест и Распятого на нем Спасителя. Эта встреча Апостолов у подножия Креста придает пронизывающее звучание всей работе.

​​Демон на кортах. «Молодой и горячий воробушек Мишенька».
Искусство для пацанчиков.

Когда Михаил Врубель попал в дурку, он представлялся то царем, то Пушкиным, то Богом, а потом рассказывал санитарам и врачам чудесные истории о том, как расписывал Сикстинскую капеллу вместе Микеланджело и Рафаэлем. Отчасти, это была правда.

Сколько стоит примазаться к великим и самому стать таковым? Как уломать Демона позировать? А так же, из этого эпизода в 2х сериях вы узнаете о тусах, чиках и «лужах» мажорчика Врубеля, и конечно о его гениальных картинах.

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Синдром Ван Гога. Искусство для пацанчиков.

«Синдромом Ван Гога» в психиатрии называют намеренное причинение себе боли.

Выпуск не про боль от синдрома, а скорее про надежду и яркие цвета, а ещё тут собраны все версии о легендарной истории с ухом, «Спальне в Арле», и самом рыжебородом Винсенте.

Вообще, его лайфхаки по "лечению" от нечестной любви, неудачной дружбы и непризнанного творчества - не самые лучшие. Но их можно использовать от обратного! Т.е. послушай как делал Ван Гог и сделай наоборот!

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Обнажённая. Пьер Огюст Ренуар.

Обнаженная натура – непростой и даже можно сказать опасный жанр. Не прикрываясь мифологией или античностью, мастер рискует предаться пошлости, если не найдет в модели что-то исключительное, неповторимое, что будет интриговать не только зрителя, но и его самого. Нагота, которую мы видим у Ренуара, вполне естественна, не провокационна, не кокетлива.

Художнику позировала известная в те времена в кругу художников la bella Anna. Именно она когда-то послужила моделью для знаменитой картины «Нана» Эдуарда Мане. Ее же Ренуар написал еще дважды. Анна принадлежит к тем девушкам, чью красоту Ренуар считал идеальной. Он любил пышные формы и светлую нежную кожу.

Сидящая вполоборота девушка бросает взгляд на зрителя. Композиция работы очень естественна и напрочь лишена академической "выверенности". Лицо натурщицы освещено здоровым румянцем; красные губы выделяются ярким бантом на фоне фарфоровой кожи; большие голубые глаза обрамлены пышными ресницами. Прическа из темных волос высокая, локоны убраны назад, оголяя изгиб спины. Художник нарочно пишет фон размытым, даже грубоватым в сравнении с фигурой натурщицы– тонко проработанной, светлой и объемной. Благодаря мастерски созданному контрасту между фоном и объектом зритель ощущает динамичность полотна.

Ренуар любуется мягкими круглящимися формами женского тела, передает холодноватые тени, скользящие по коже, это подчеркивает живую трепетность дышащей теплом человеческой плоти. Конкретно эту картину будет не так легко понять женскому полу. Здесь чувствуется мужской глаз, мужская рука. Так, как Ренуар смотрит на натурщицу, может смотреть только мужчина.

Обнаженная будто невзначай спрашивает: «Вы до сих пор меня любите?». Её поза показывает неуверенность в собственной красоте. Именно поэтому Ренуар подбирает голубые цвета. Они показывают состояние женщины. Состояние скованности, тихой грусти и слепой надежды, состояние ожидания отзыва со стороны зрителя.

​​"Мы пришли, чтобы выжечь в мозгу плесень прошлого": как авангардисты создавали свой музей.

От: Куинджи охрип.

Выпуск посвящен в этот раз не отдельному художнику, а целому музею современного искусства — первому в мире. Идею московского музея живописной культуры (МЖК), который должен был стать образцом музея нового типа, разрабатывали сами художники, в том числе Казимир Малевич, Василий Кандинский и Александр Родченко. МЖК просуществовал лишь 10 лет и закрылся в 1929 году, когда в Нью-Йорке только открывался знаменитый музей современного искусства (МоМА).

Каким был первый в мире музей современного искусства? О чем Кандинский спорил с авангардистами? И как спецслужбы связаны с картинами Малевича?

Послушать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Амур развязывает пояс Венеры. Рейнолдс Джошуа.

По оценке искусствоведа А. Н. Бенуа, из трёх произведений Джошуа Рейнолдса в коллекции Эрмитажа работа "Амур развязывает пояс Венеры" является наиболее изящной. Картина представляет собой авторское повторение мотива, написанного художником еще в 1784 году и тогда выставлявшегося в Королевской Академии художеств под названием «Нимфа и Купидон». Копию картины для князя Г.А. Потемкина заказал лорд Кэрисфорт после возвращения из России в 1787 году. Единственным существенным отличием эрмитажного варианта от оригинала является отсутствие змеи, притаившейся у локтя Венеры.

Полотно притягивает своей интимностью, легкостью и изысканностью. Венера с мнимой стыдливостью, будто застенчиво прикрывает лицо рукой, но при этом очень сладко и кокетливо смотрит на зрителя. В это время Амур, озорной малыш, тянет за концы голубого шелкового пояса, внимательно рассматривая свою мать.

Как правило, выше других жанров Рейнолдс ставил историческую живопись, воспевавшию античные или библейские сюжеты. Однако в этой картине чувствуется, что автор — современник художников французского рококо Буше и Фрагонара, которые писали любовные сцены фривольного содержания.

Наибольшее значение художник придавал колориту, считая, что цвет, а именно теплая цветовая гамма, создает эмоциональный строй произведения. Только обратите внимание на преобладание красного цвета. Холодные же оттенки цвета, например, на голубых лентах, применяются для усиления теплых тонов или контраста с ними.

Есть предположение, что моделью для образа послужила яркая девушка по имени Эмма Гамильтон. Она являлась любовницей британского адмирала Горацио Нельсона. Благодаря своим скандальным любовным историям, красоте и художественному таланту леди Гамильтон была в конце XVIII – начале XIX века настоящей европейской знаменитостью.

Доминирующим смысловым и композиционным элементом является Пояс Венеры (Афродиты). Это самый мощный атрибут богини любви. Гомер описывал: «все обаяния в нем заключались, в нем и любовь и желания в нем и знакомства и просьбы, льстивые речи, не раз уловлявший ум и разумных». По легенде пояс излучал волшебный аромат, любовной страсти которого были подчинены не только люди, но и боги. Именно с помощью пояса Афродиты Гере удалось соблазнить Зевса.

Интересно, что несмотря на откровенно чувственный образ Венеры, её поза отчасти перенята из более раннего по времени этюда, запечатлевшего с натуры молоденькую девушку, скорее всего, одну из племянниц Рейнольдса, провалившуюся в слишком глубоком для нее кресле и кокетливо-смущенно прикрывающую лицо правой рукой.

​​"Аристократ в лучшем смысле": Василий Поленов в поисках идеального человека.

От Куинджи охрип.

Новатор, художник, педагог, архитектор, композитор, писатель, общественный деятель — все это Василий Поленов, герой нашего нового выпуска.

Почему другие художники искали секрет в его красках? Можно ли назвать Поленова бунтарем и феминистом? За что его критиковал Лев Толстой? И при чем здесь девушки легкого поведения?

Выбрать другие лекции и подкасты можно в закрепе.

До стрима осталось чуть меньше часа, напоминаю Вам про ссылку для подключения к трансляции. Стрим можно будет посмотреть на телефоне или планшете. Не забудьте скачать приложение Watchers заранее, чтобы не пропустить начало!

Жду Вас на стриме сегодня в 21:00.

Приятного просмотра!!!

Стрим начался! Подключайтесь!

Друзья! Всем спасибо, кто пришел!

Мы с Вами установили рекорд платформы по посещаемости! В будущем будем продолжать стримить для Вас!

Доброй ночи!

​​Бурлаки на волге. Илья Репин.

Одно из противоречий Ильи Репина состояло в том, что он, будучи народным художником с гражданской позицией, все же стремился соблюдать принципы чистого искусства. Он неоднократно выступал против публицистичности передвижников, которые вечно пытались что-то «проповедовать». В этом контексте «Бурлаки на Волге» уникальны. Картину тяжело назвать «искусством ради искусства», но и “проповеди” тут тоже нет.

Картина писалась с натуры, на широких волжских просторах. Природа действительно была прекрасна, но мастера особо удивила жизнь местных бурлаков. Утомленные, сальные, в оборванных одеждах, они очень контрастировали с роскошно наряженной публикой, стоящей, как правило, неподалеку от берега. Эта сцена невероятно поразила Репина. Так почему бы не написать этот сюжет на холсте? Илья Репин так и сделал, заранее осознавая, что картина будет активно подвергаться критике.

Каждый бурлак индивидуален. У каждого своя судьба, свой характер и отношение к труду.

В первых рядах идут «коренники». Это уже наученные опытом бурлаки, таскающие баржи не первый год. Первым среди них идет Канин, расстриженный священник. Репин неспроста называл его «вершиной бурлацкой эпопеи». В нем виден ум, причем живой, видна мудрость и внутренняя сила. Канин – это неформальный глава, который много повидал на своем веку.

Слева от Канина идет такой же сильный мужик. Несмотря на тяжкий труд, на добром лице видна улыбка. Вероятно, что он подшучивает над соратниками. Справа от Канина — коренастый бурлак невысокого роста. В его глазах заметна некая злоба и ненависть. Он смотрит прямо на зрителя. Рядом с ним плетется бурлак, курящий трубку. Он почти не старается тянуть баржу. Он будто безразличен к происходящему.

В центре группы находится парень, красная рубаха которого сильно отличается от одежды других бурлаков. Он также отличается и поведением. В нем ощущается некий протест, он даже будто пытается убрать лямку, которая мешает ему. Справа от него идет ну очень уставший бурлак, который из последних сил вытирает пот, а слева наоборот — достаточно крепкий мужик, успевающий даже набить трубку. Дальше идет новичок в бурлацком деле. Это очевидно, поскольку он единственный в сапогах, и более того, они еще не стерлись. Замыкает группу совсем выбившийся из сил бурлак. Совсем обессилевший, он свесил голову и медленно плетется.

«Бурлаки, настоящие бурлаки и более ничего. Ни один из них не кричит с картины зрителю: "Посмотри, как я несчастен и до какой степени ты задолжал народу!"» Как удалось Репину изобразить не жалкую стилизацию, но плоть и кровь – и при этом обойтись без поучений? Единственный императив, который задает Репин: «Смотри!». Но уж от него не уклониться». — восхищался Ф.М. Достоевский.

Фигуры монументальны, в этих тощих оборванных бурлаках — сила и безысходность целого народа. При этом символизм Репина довольно сдержан. Вышедшая из-под кисти художника картина значительно грандиознее, нежели изначальный его замысел.

​​Было ли в России искусство до «Последнего дня Помпеи»? Выставки Венецианова и Левицкого. Арзамас.

Почему до Брюллова у нас были художники, но не было искусства? Почему портреты смолянок Дмитрия Левицкого — это на самом деле манифест? Почему крестьяне на картинах Алексея Венецианова не работают?

Что общего у героев Венецианова и героинь Левицкого — а чем они различаются? И какое место у этих художников в русской национальной школе?

Выбрать другие лекции про искусство и художников можно в закрепе.

​​Бобовый король. Якоб Йорданс.

На картине показана трапеза в честь дня Богоявления, который традиционно празднуется 6 января. В такой праздник в семьях готовят особенное блюдо — Пирог Волхвов. Неординарность этого пирога заключается в наличии запеченного внутри маленького сюрприза. Так, одному из участников застолья в куске могло попасться бобовое зернышко, орех, монетка или крошечная фигурка Иисуса Христа. Такой сюрприз служил символом путеводной звезды, которая привела волхвов в Вифлеем, чтобы поклониться святому младенцу. Тот, кому попадался сюрприз, объявлялся "бобовым королем". Его Величество из сидящих за столом выбирало себе Королеву и остальную свиту от министров до шутов. После каждого поднятия бокала бобовым королем все гости кричали: «Король пьет! Да здравствует Король!» и пили вместе с ним. Отсюда и первое неофициальное название картины - «Король пьет». Это неплохо веселило народ. Более того, благодаря этой традиции, в обществе смягчалась напряженность в отношении простых людей к представителям власти.

Художник продемонстрировал момент пиршества, когда всеобщие веселье и ликование достигло своего апогея. Мастер изумительно передаёт обстановку стихийной раскованности отдыхающих, он наделил каждого героя выразительной мимикой и жестикуляцией. Поэтому даже вроде бы обычная житейская сцена приобретает монументальный характер и даже отличительный жизнелюбивый пафос.

Каждый герой картины уже давно веселится самостоятельно, один что-то поет, другой усиленно играет на волынке, одна женщина невзначай поит вином свою маленькую дочку, а мужчина в костюме шута пытается произнести “пламенную речь”. Даже героиней на первом плане с грудным ребенком завладело хмельное настроение, и она совсем позабыла о своем полусонном младенце, который в свою очередь успевает сходить «по-маленькому» на стоящую рядом собаку. А седовласому королю все мало! Уже нетвердой рукой он поднимает новый бокал. Как иначе? Ведь именно сегодня он бобовый король! Йорданс передает эту откровенно грубоватую сцену, ничего не приукрашивая и не смягчая. Чувствуется, что он искренне любуется ею. При этом важно, что несмотря на всю любовь художника к данной сцене, на праздничном столе художник сделал акцент на масло в фарфоровой миске и окорок на блюде. Оба деликатеса искусствоведы традиционно классифицируют как символы одного из семи смертных грехов - чревоугодия.

Избегая резких светотеневых контрастов, Йорданс под влиянием своего знаменитого современника Питера Пауля Рубенса обращается к более мягкой и теплой цветовой гамме с множеством оттенков: от серебристо-синего до изумрудно-зеленого и золотисто-коричневого. Оставив фон и помещение серыми, словно говоря о том, что они не важны, живописец делает акцент на людях. На их счастливых лицах, мимике, позах и жестах, выделяя их светом,что придает атмосфере еще более веселое настроение.

Также интересно, что художник продемонстрировал на своем полотне несколько аллюзий на известные голландские и фламандские пословицы. Например, собака, которая просит у мальчика немного угощения — это визуальное трактовка пословицы «Жадный не знает меры». А волынщик, надувший щеки, воплощает мудрый афоризм о том, что «с хорошо набитым животом лучше поется».

Друзья! Если что, мы живые и конечно же будем продолжать Вас радовать контентом с того момента, как вся ситуация в Украине наладится. Просим не терять нас и мирного неба Вам над головой!

Лекции и подкасты:
1. Как читать скрытые смыслы и подтексты в живописи. Арзамас.
2. Портрет: реальность, магия и искусство. Арзамас.
3. Шагал и авангард. Арзамас.
4. Караваджо - пацанчик эпохи Барокко. Искусство для пацанчиков.
5. Пикассо, который жил по своим правилам. Куинджи охрип.
6. Как Ван Гог экспериментировал с жизнью и самим собой. Куинджи охрип.
7. Матисс и русские. Искусство для пацанчиков.
8. Science Art? Чё такое Science Art? Искусство для пацанчиков.
9. Что скрывается за гениальностью да Винчи. Куинджи охрип.
10. Cамая быстрая история русского искусства XX века. Арзамас.
11. Как услышать Эдварда Мунка? Куинджи охрип.
12. Амедео Модильяни: художник, у которого сразу всё пошло не так. Куинджи охрип.
13. Да Босх с Вами! Искусство для пацанчиков.
14. ​​"Дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный": демоны и ангелы Михаила Врубеля. Куинджи охрип.
15. ​​Да ничего такого сложного, просто смешиваю краски: химические секреты Архипа Куинджи. Куинджи охрип.
16. Бывает ли соцреализм с человеческим лицом? Юрий Пименов в Третьяковке. Арзамас.
17. ​​"Историк на фантастический лад": сказочная реальность Виктора Васнецова. Куинджи охрип.
18. Густав Климт. Таиров о художниках.
19. ​​Густав Климт, который обожал котов и женщин. Куинджи охрип.
20. ​​Мураками кавайнутый на всю голову. Искусство для пацанчиков.
21. ​​Художник с городом в сердце: мифы и послания Марка Шагала. Куинджи Охрип.
22. ​​Демон на кортах. «Молодой и горячий воробушек Мишенька».
Искусство для пацанчиков.
23. ​​Синдром Ван Гога. Искусство для пацанчиков.
24. ​​"Мы пришли, чтобы выжечь в мозгу плесень прошлого": как авангардисты создавали свой музей. Куинджи охрип.
25. ​​"Аристократ в лучшем смысле": Василий Поленов в поисках идеального человека. Куинджи охрип.
26. ​​Было ли в России искусство до «Последнего дня Помпеи»? Выставки Венецианова и Левицкого. Арзамас.
27. ​​Кто придумывал названия для стилей в искусстве? Дай Малевичу шанс!
28. ​​Побойся Бойса. Искусство для пацанчиков.
29. ​​"Герника" Пикассо. No pasaran! Искусство для пацанчиков.
30. ​​Джорджо Вазари. Первый искусствовед. Об истории и искусстве.
31. ​​Где учиться на художника (и надо ли это делать)? Искусство в массы.
32. ​​Энди Уорхол. Это ж не искусство!
33. ​​Цена искусства. Искусство в массы.
34. Распродажа Эрмитажа: как мы потеряли искусство
35. Не только Бэнкси. О чем с нами говорит стрит-арт?