​​Юдифь I. Густав Климт.

Библейский сюжет о молодой вдове Юдифи всегда пользовался популярностью у художников. Олоферн по приказу Навуходоносора должен был завоевать народы, жившие к западу от Ассирии, в том числе и Иудею. Старейшины Иудеи долго не могли принять решение. Они не были готовы на сопротивление, но и отдавать свою землю не хотели.

Тогда обычная жительница Иудеи, молодая вдова Юдифь, стремясь спасти родной город, ушла со служанкой в стан ассирийцев. Юдифь поведала ассирийцам свою легенду о желании провести войско к Иерусалиму. На вопрос, почему же она решилась предать свою родину, Юдифь ответила, что жители Иудеи давно впали в тяжкие грехи и отошли от настоящего учения бога, из-за чего они должны быть наказаны. Олоферн был восхищен ей и оставил Юдифь жить в своем военном лагере. Спустя пару дней он устроил пиршество. Когда в шатре не оказалось свидетелей, Юдифь обезглавила опьяневшего и потерявшего бдительность Олоферна. Такая новость повергла в шок ассирийцев, они были деморализованы и совершенно неспособны продолжать завоевание Иудеи.

Работа Густава Климта наполнена откровенной чувственностью. Из-за чего она сильно отличалась от написания того же сюжета другими художниками: Джорджоне, Боттичелли и Караваджо. У них Юдифь являлась символом мудрости, храбрости и добродетели, которая одержала победу над злостью и пороками. У Климта же свое собственное толкование известного сюжета и свой взгляд на Юдифь. Поэтому совсем не удивительно, что работа стала скандальной. Хотя, справедливости ради, можно отметить, что практически ко всем работам художника слово «скандальная» подходит.

Эта женщина только что совершила убийство, ставшее актом возмездия, поэтому ее поглощают смешанные чувства. Непонятно, рада она этой казни либо сожалеет о содеянном. Ее лицо выражает целую гамму эмоций: на нем можно прочесть и гордость, и потрясение, и облегчение, и радость, и даже печали. Несмотря на кровожадность сюжета, у зрителя не возникает чувство отвращения или ужаса от вида усеченной главы. Все как раз наоборот, жест Юдифи выглядит ласково, даже весьма эротично.

Такая нескрываемая сексуальность героини картины сконфузила венскую публику. Из-за чего она решила, что на нем показана вовсе не Юдифь, а другая известная библейская личность – коварная Саломея с головой Иоанна Крестителя. Вот почему длительное время, несмотря на название, написанное на раме, работа была известна как «Саломея». Интересно, что предыдущие художники, чтобы отличить Юдифь от Саломеи, представляли рядом с ней ее служанку, которая помогла убить Олоферна.

Натурщицей, скорее всего, была Адель Блох-Бауэр, любовница Климта. Интересно, что муж неверной девушки, владелец огромного состояния, знал об изменах жены и придумал гениальный выход. Он сам заказал у Климта портрет жены. За время работы над ним Климт так устал от девушки, что после написания работы они больше никогда не встречались.

​​Друзья! Продолжаем изучать творчество Густава Климта. Сегодня предлагаем Вам прослушать великолепную лекцию от Александра Таирова.

Густав Климт. Таиров о художниках.

Герой этой лекции – Густав Климт, который из успешного академического художника превратился в одного из самых ярких представителей модерна. Почему его можно назвать подвижником бодипозитива и феминизма? Кто изображен на знаменитой картине "Поцелуй"? И правда ли, что Климт мучил моделей?

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Неизвестная. Иван Крамской

Данная работа написана в стиле реализма и стоит на границе портрета и тематической картины. На картине представлена девушка, проезжающая в коляске по Аничкову мосту в Санкт-Петербурге. Надменное выражение лица выдает натуру избалованную, капризную. Дама будто недоступна для зрителя в своей надменной красоте, но напускное хладнокровие не может скрыть внутренней энергии, страстности, которые заключены в её взгляде и позе. Никогда Крамской ранее не уделял столько внимания и пейзажу, и деталям одежды, написанным виртуозно, с особенной аккуратностью. Девушка одета модно. Однако, это далеко не означало ее принадлежности к высшему свету, скорее наоборот — кодекс неписаных правил исключал строгое следование моде в высших кругах русского общества. Кто же на самом деле эта «неизвестная»?

В своих дневниках Крамской не упоминал личность незнакомки. Для Ивана Николаевича подобная скрытность была делом противоестественным: обычно он охотно делился всеми своими творческими замыслами. Выделяется более 20 теорий о личности незнакомки. Так, её личность связывают с образом Анны Карениной из романа Л.Н. Толстого или Настасьи Филипповны Ф.М. Достоевского. Рассмотрим три самые интересные версии.

Изображенная Крамским девушка либо не принадлежит к светскому обществу, либо имеет исключительную возможность свободно нарушать принятые в нем правила поведения. Такое допустимо в случае, если даму поддерживает сам государь, который не хочет хранить в тайне особые отношения с неизвестной. Это объясняет теорию, согласно которой перед нами княжна Екатерина Долгорукова, которая в течение 14 лет была чрезвычайно близка с Александром II. Так, В Государственном архиве РФ можно найти их обширную переписку: 3450 писем от Александра II и 1458 писем от княжны.

Многие утверждают, что «Неизвестная» — собирательный образ женщины, которая вовсе не являлась примером для подражания. Будто бы Иван Николаевич написал картину с целью изобличения моральных устоев общества — модная одежда и накрашенные губы выдают в женщине типичную содержанку. Исходя из этой теории, критик Стасов назвал эту картину «Кокотка в коляске», а другие критики писали, что Крамской показал «одно из исчадий больших городов». Как ни странно, но позже в одной из чешских коллекций был обнаружен этюд «неизвестной». Девушка на нем выглядит еще более высокомерной и грубой, она будто с вызовом смотрит на проходящих. Это дало повод утверждать, что художник действительно вынашивал замысел создать осуждающий портрет. Однако в окончательном варианте Крамской смягчил черты неизвестной, облагородив её внешность.

Также имеет право на существование теория, согласно которой художнику для этой картины позировала его дочь, Софья Крамская. Если сравнить «Неизвестную» с картиной «Девушка с кошкой» — портретом дочери, то сходство действительно можно увидеть.

​​Густав Климт, который обожал котов и женщин. Куинджи охрип.

Герой этого выпуска – Густав Климт, который из успешного академического художника превратился в одного из самых ярких представителей модерна.

Почему его можно назвать подвижником бодипозитива и феминизма? Кто изображен на знаменитой картине "Поцелуй"? И правда ли, что Климт мучил моделей? Об этом в подкасте научным сотрудником Отдела искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков Пушкинского музея.

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Завтрак гребцов. Ренуар.

К 1881 году французское общество захлестывает волна творческого азарта и оптимизма, жизнь становится легкой и насыщенной. Государство сократило рабочую неделю, из-за чего у белошвеек, заводских рабочих и грузчиков появляется больше свободного времени. Так почему же не потратить это время на отдых и развлечения? До сих пор единственным спортом для простых, небогатых людей были различные игры с мячом, а для более обеспеченных – верховая езда. Однако тенденции меняются, и вскоре самым популярным развлечением становится парусный спорт. Все парижские модники поголовно начинают учиться грести и более того, устраивают между собой различные соревнования.

Полотно художника изображает дружескую компанию последователей трендов, которые наслаждаются поздним завтраком на верхней террасе ресторана «Фурне» в городе Шату. Данное место было широко известно среди желающих заняться греблей, принять пищу и переночевать. Интересно, что ресторан «Фурне» в восстановленном виде работает до сих пор. Он выглядит точно так же, как во времена мастера, а известная терраса, на которой отдыхают герои картины, даже получила название по фамилии художника — «Ренуар».

Позиции и движения отдыхающих естественны, выражения их лиц непринужденны. Видно, что Ренуару приятна атмосфера завтрака, а также, что его привлекает собравшийся коллектив. Несмотря на кажущуюся сиюминутность сцены, ее композиция была тщательно проработана. Для написания картины художнику позировали его друзья, которые приезжали в ресторан по отдельности.

Молодая женщина слева – это Алина Шариго. Она была сожительницей, а позже женой Ренуара. Образ героини легок и беззаботен. Она играет с собачкой, не скрывая умиления. В период написания работы у Ренуара наступил творческий кризис. Художник не понимал, в какую сторону необходимо двигаться дальше, но близкое общение и поддержка со стороны Алины Шариго помогли художнику снова найти себя. Ренуар неоднократно писал жену на своих картинах. Так, помимо данной картины ее можно встретить в таких знаковых работах, как "Танец в деревне", "Мадам Ренуар с собачкой" и "Материнство".

Позади нее, облокачиваясь на перила, стоит сын владельца ресторана Альфонс Фурне-младший. В группе людей справа можно узнать художника Гюстава Кайботта, сидящего вполоборота к зрителю. Рядом с ним сидит известная модель Анжель Лего, а над ними склоняется успешный журналист того времени – Антонио Маджиоло. Также на полотне художник запечатлел актрису Жанну Самари в характерной, уже знакомой зрителю позе.

На картине много светло-желтых и зеленоватых оттенков. И хотя Ренуар не показал солнечных бликов, как пару лет назад показывал на картине «Две сестры», полотно превосходно изображает атмосферу жаркого летнего дня. В целом, картина получилась легкой, солнечной, наполненной красками. Герои застыли как будто в случайных позах. Создается ощущение непринужденной обстановки. «Завтрак гребцов» – эмоция, впечатление и сиюминутность в чистом виде.

​​Возвращение блудного сына. Рембрандт.

Несмотря на мрачность цветов, холст наполнен особым, выходящим из глубины светом. На полотне изображена площадка перед состоятельным домом. Не ней собралась вся семья. Слепой отец обхватывает своего сына, стоящего на коленях. Несмотря на простой сюжет, картина отличительна по своим композиционным приемам, из-за чего внешняя неприглядность и даже угловатость затмеваются тихим благолепием.

Во второй половине XVII века художник натыкается на череду несчастий. Объявив о банкротстве, пожилой художник переезжает на окраину города. Едва подросший сын, Титус, создает предприятие по продаже картин отца. Полотна продавались плохо, из-за чего сын торговал картинами и других художников, дабы предоставить отцу возможность спокойно работать в мастерской. И вдруг сына больше нет. Он умирает от чахотки. Что остается художнику? Волей-неволей Рембрандту приходят мысли о самоубийстве. Больной, полуослепший, всеми покинутый мастер решает все же написать свой последний шедевр, благодаря которому он снова сможет обнять своего ушедшего сына. Такая глубина отцовской любви передана через кисть. Мы сопереживаем художнику, хотя, может, и не до конца понимаем почему.

Сюжет картины взят из евангельской притчи. Она повествует о младшем сыне, когда-то покинувшем родительский дом в связи с получением части наследства. Получив лёгкие деньги, блудный сын уехал наслаждаться жизнью. Различные пиры и азартные игры привели к скорому разорению. И вот, совсем отчаявшись, он снова возвращается в когда-то родной дом. Упав перед отцом на колени, сын надеется на прощение. Его голова обрита наголо, платье напоминает рубище нищего, а обувь до безобразия истоптана. Все говорит о том, что ему пришлось жить совсем несладко. Слепой отец, тщательно выписанный художником, склонил голову над своим нерадивым ребенком. Лицо старика выражает прощение, печаль, но одновременно и радость встречи.

Две фигуры — отца и сына —стали единым целым, слившись в объятьях. Именно на них словно на мизансцене падает яркий свет. Помимо них, свет также падает на старшего сына, стоящего чуть правее и с легкой грустью смотрящего на эту сцену.

Пренебрегая последними обстоятельствами из биографии художника, часть искусствоведов предполагают, что на картине Рембрандт показал свою жизнь, но на разных стадиях духовного перерождения. Так, художник видит себя в образе блудного сына, который кается в грехах перед отцом и Богом, который в данном случае представлен в виде старика. И другая стадия изображенная в виде первого сына, который олицетворяет собой совесть.

Рембрандт Харменс ван Рей скончался в полном одиночестве. Творчество последних лет – не столько абстрактные размышление на тему библейского сюжета, сколько рефлексия над собственной жизнью.

​​Мураками кавайнутый на всю голову.
Искусство для пацанчиков.

Когда Такаси Мураками было 7 лет, он впервые увидел картину «Сатурн, пожирающий своего сына», его родители сводили сынишку на выставку Гойи. А потом отец будущего художника прикупил в подарок сыну постер с этим ужасом. И бедный Такаси каждый день «вдохновлялся» этим шедевром.Может быть именно в этой истории кроется загадка его зубастых цветов, отрубленных рук и, как компенсация - море няшек в его творчестве? А может и нет.

В этом эпизоде разберемся с тем, почему японцы поколения Такаси любили американскую культуру не смотря на Хиросиму и Нагасаки, сколько известные бренды зарабатывают на мимимишном Мураками, кто такие Кайкай и Кики и зачем цветам и грибочкам улыбки, а так же послушаем Билли Айлиш и многое другое.

Выбрать другие лекции про искусство можно в закрепе.

​​Союз Земли и Воды. Питер Пауль Рубенс.

Питер Пауль Рубенс, как основатель направления барокко, писал ярко и пышно. Такой высокопарный стиль характеризуется изображением тяжелых фигур в движении, эмоционально возбужденных до предела. Контрасты света и тени и теплые краски наделяют его полотна бурной атмосферой. Художник использовал разные сюжеты для своих картин. Чередуя, он писал грубоватые библейские сцены, охоту на животных, звонкие побоища и даже примеры высочайшего проявления религиозного духа. Однако все его работы были сделаны с элементом жизненной драмы.

Идея союза двух стихий продемонстрирована в образах античной мифологии. Опирающийся на трезубец бог морей Посейдон олицетворяет собой Воду, а пышнотелая красавица с рогом изобилия в руке слева — Гера, которая олицетворяет собой Землю. Такой многообещающий союз, награждающий человечество плодородием, богатством и процветанием, одобряется спустившейся с Олимпа и держащей в руках венок богиней Никой. Именно её появление из морских глубин прославляет Тритон.

Античный бог Посейдон в виде большого седобрового старика находится не в самой удобной позе, правой рукой опираясь на трезубец – символ морской власти. Своей левой рукой он держит за руку молодую красавицу, и с нетерпением и даже некоторым напряжением ждёт от богини ответа.

Скучающий взгляд молодой Геры красноречиво заявляет о её безразличии к богу морей. Гера изначально, будучи королевой положения, заставляет Посейдона мучительно ждать ответа. Интересно, что античной мифологии не известны какие-либо союзы между Посейдоном и Герой, более того боги являлись друг другу братом и сестрой.

Внизу картины купаются два младенца. Такой образ можно довольно часто увидеть на полотнах эпохи барокко, ренессанса и рококо. Есть теория, согласно которой Рубенс изобразил своих детей — на момент создания картины художник был отцом дважды.

Стоит отметить приемы, которые использовал художник. Среди них пирамидальная композиция, построенная на принципах симметрии и равновесия форм. Также для особого восприятия и баланса художник использовал инверсию. Так, Гера повернута к зрителю лицом, а Посейдон – спиной. Их связывает лишь касание рук, лежащих на огромном кувшине.

Интересно, что помимо традиционной темы стихий, художник наполнил работу и современными смыслами. Рубенс связал полотно с актуальными проблемами своей страны. Так, союз Земли и Воды олицетворял союз Антверпена с рекой Шельдой, устье которой когда-то было блокировано голландцами, лишившими Фландрию выхода к морю. Таким образом художник органично совместил миф, реальность и даже национальную историю.

​​Смерть Сократа. Жак Луи Давид.

Картины Жака Луи Давида – замечательный пример революционного классицизма. Художник затеял написать данную картину, когда Великая французская революция была совсем близка (1787 год). Давид уже неоднократно писал сюжеты из античной истории, которые стали ему особенно близки после долгого пребывания в Италии. Античные образы на его полотнах демонстрируют идеалы доблести свободолюбивой эпохи. Его работа была призвана воспитать нравственные качества и пробудить гражданскую добродетель современников.

Сократ - древнегреческий философ, учитель Платона. Он выделялся простотой и небывалой храбростью в борьбе за истину. В основном философ проповедовал на улицах, привлекая молодежь к дискуссиям. Он помогал вникать в суть понятий. В диалогах Платона Сократ философствовал на темы: добра и зла, любви, бессмертия души и знаний. Такая открытость и прямота суждений Сократа привели к возникновению многих неприятелей, которые впоследствии обвинили философа в попытке совратить юношей и в отрицании государственной религии. В итоге Сократа приговорили к казни путем применения яда. Товарищи предлагали ему спасаться бегством, но Сократ отказался, тем самым показав уважение к закону и веру в свои убеждения.

Перед зрителем происходит кульминация трагедии, когда последователи, приняв грациозные позы, находятся в полном отчаянии, в то время как сам философ, тоже довольно театрально воздев одну руку к небесам, а другую, протягивая к чаше, заявляет (судя по всему, именно то, что и приписывает ему Платон в диалоге «Федон»): «Не стоит переживать, ведь душа отправляется в лучший мир». Такой жест, когда рука вот-вот дотронется до сосуда со смертельным напитком, но все-таки не касается его, повисая в воздухе, - ключевой, поскольку создает ощущение, будто время остановилось.

На полу можно заметить только снятые с ног философа кандалы. У изножья кровати, опустив голову, сидит Платон, погруженный в свои мысли. В правой части картины, положив руку на бедро философу, тем самым выражая свою скорбь, сидит Критон, самый старший из учеников Сократа. В итоге как бы ни мучились ученики Сократа, его смерть одолена, поскольку о ней забыл и сам учитель, так сильно захваченный последними репликами.

Художник уделяет особое внимание цвету, дабы подчеркнуть эмоциональный характер процесса. Так, оттенки красного приглушены по краям картины, а к центру они становятся более насыщенными, достигая кульминации в темно-красном одеянии рыдающего палача. Интересно, что лицо Сократа было идеализировано и сильно отличается от классического бюста, считающегося эталонным.

Художник подписал эту картину в двух местах. Его инициалы расположены на сидении Платона, что является отсылкой к тому, что повествование истории исходит именно от него. Так художник выразил свою благодарность философу за источник вдохновения. Но его полная подпись располагается под Критоном, что символизирует отношение Давида к философу и к ситуации вообще. Давид своей подписью отождествляет себя именно со старшим учеником Сократа. Таким образом, Давид позиционирует себя как приверженец взглядов Сократа.

​​Художник с городом в сердце: мифы и послания Марка Шагала. Куинджи Охрип.

"Когда я родился — в маленьком домике у дороги позади тюрьмы — на окраине Витебска вспыхнул пожар. Огонь охватил весь город, включая бедный еврейский квартал. Мать и младенца у нее в ногах, вместе с кроватью, перенесли в безопасное место, на другой конец города. Но главное, родился я мертвым. Не хотел жить. Его кололи булавками, окунали в ведро с водой. И наконец он слабо мяукнул. В общем, я мертворожденный".

Зачем Марк Шагал превратил в сказку историю собственного рождения? За что и как попал в тюрьму? Почему считал Октябрьскую революцию радостным событием? Как из-за Малевича ученики Шагала выгнали его из собственного училища? И почему он стал единственным в мире мастером живописи, чьи работы украшают культовые сооружения практически всех конфессий? Ответы на эти вопросы Вы найдете в подкасте!

Мы писали обзор на картину Шагала, думаю Вам будет это интересно.

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Апостолы Петр и Павел. Эль Греко.

Эль Греко является одним из наиболее выдающихся и самобытных мастеров эпохи Возрождения. До сих пор его довольно трудно отнести к той или иной национальной школе. Грек по рождению, художник учился живописи в мастерской великого Тициана в Италии, где испытал интенсивное воздействие венецианских колористов. Эль Греко обладал оригинальностью драматически-экспрессивного стиля. В своих работах мастер придавал большое значение острым психологическим характеристикам своих героев.

Апостолы Эль Греко довольно далеки от канонических образов святых, принятых церковью. Они написаны в очень широкой, свободной, темпераментной манере, необычной для Испании XVI века, и потому казавшейся особенно дерзкой. Как это? Ведь перед нами святые апостолы? А ты пишешь их как рядовых граждан. Понимая данный контекст, становится понятным тот факт, почему же испанский король отверг талантливого мастера. Ведь просто-напросто представленные им святые не вызывают желания молиться, быть причастным к чему-то святому.

Сопоставление на одном полотне Петра и Павла представляло особый интерес для Эль Греко. Павел до принятия христианства яростно преследовал сторонников новой на тот момент веры, но все же, приобщившись к ней, стал фанатичным ее приверженцем. Апостол Петр, напротив, один из самых близких учеников Христа, никогда не отличался покорностью и силой духа. Он неоднократно колебался в своем решении, даже изменял вере, но, раскаявшись, снова возвращался к ней. На таком контрасте Павел написан человеком сильным и убежденным в своих новых знаниях, в то время как рядом с ним стоящий Петр выглядит слабым, даже немного беспомощным. Эль Греко особенно щепетильно относится к деталям. Стоит обратить внимание на сопоставление рук апостолов. На твердые сильные руки Павла и на мягкие руки, будто извиняющегося Петра.

Все художественные элементы находятся строго на своем месте. Убрав что-либо, зритель рискует испортить общую стройность композиции. Двухфигурный портрет обычно не предполагает сложности прочтения. И здесь, на первый взгляд, композиционное решение полотна тоже является довольно простым. Апостолы располагаются почти симметрично относительно вертикальной оси, разделяющей их фигуры. Обратите внимание, что эта линия проходит не по центру картины.

Композиционная целостность Апостолов достигнута благодаря обращенности их корпусов друг к другу. В месте их возможного зрительного контакта фигуры сливаются в единую линию. Эта линия находит свое продолжение в единственном освещенном фрагменте стены за их телами – некоем световом столбе. Центральное положение этого столба на полотне, конечно, неслучайно. Вся композиция побуждает продлить его мысленным взором вообразить Крест и Распятого на нем Спасителя. Эта встреча Апостолов у подножия Креста придает пронизывающее звучание всей работе.

​​Демон на кортах. «Молодой и горячий воробушек Мишенька».
Искусство для пацанчиков.

Когда Михаил Врубель попал в дурку, он представлялся то царем, то Пушкиным, то Богом, а потом рассказывал санитарам и врачам чудесные истории о том, как расписывал Сикстинскую капеллу вместе Микеланджело и Рафаэлем. Отчасти, это была правда.

Сколько стоит примазаться к великим и самому стать таковым? Как уломать Демона позировать? А так же, из этого эпизода в 2х сериях вы узнаете о тусах, чиках и «лужах» мажорчика Врубеля, и конечно о его гениальных картинах.

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Синдром Ван Гога. Искусство для пацанчиков.

«Синдромом Ван Гога» в психиатрии называют намеренное причинение себе боли.

Выпуск не про боль от синдрома, а скорее про надежду и яркие цвета, а ещё тут собраны все версии о легендарной истории с ухом, «Спальне в Арле», и самом рыжебородом Винсенте.

Вообще, его лайфхаки по "лечению" от нечестной любви, неудачной дружбы и непризнанного творчества - не самые лучшие. Но их можно использовать от обратного! Т.е. послушай как делал Ван Гог и сделай наоборот!

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Обнажённая. Пьер Огюст Ренуар.

Обнаженная натура – непростой и даже можно сказать опасный жанр. Не прикрываясь мифологией или античностью, мастер рискует предаться пошлости, если не найдет в модели что-то исключительное, неповторимое, что будет интриговать не только зрителя, но и его самого. Нагота, которую мы видим у Ренуара, вполне естественна, не провокационна, не кокетлива.

Художнику позировала известная в те времена в кругу художников la bella Anna. Именно она когда-то послужила моделью для знаменитой картины «Нана» Эдуарда Мане. Ее же Ренуар написал еще дважды. Анна принадлежит к тем девушкам, чью красоту Ренуар считал идеальной. Он любил пышные формы и светлую нежную кожу.

Сидящая вполоборота девушка бросает взгляд на зрителя. Композиция работы очень естественна и напрочь лишена академической "выверенности". Лицо натурщицы освещено здоровым румянцем; красные губы выделяются ярким бантом на фоне фарфоровой кожи; большие голубые глаза обрамлены пышными ресницами. Прическа из темных волос высокая, локоны убраны назад, оголяя изгиб спины. Художник нарочно пишет фон размытым, даже грубоватым в сравнении с фигурой натурщицы– тонко проработанной, светлой и объемной. Благодаря мастерски созданному контрасту между фоном и объектом зритель ощущает динамичность полотна.

Ренуар любуется мягкими круглящимися формами женского тела, передает холодноватые тени, скользящие по коже, это подчеркивает живую трепетность дышащей теплом человеческой плоти. Конкретно эту картину будет не так легко понять женскому полу. Здесь чувствуется мужской глаз, мужская рука. Так, как Ренуар смотрит на натурщицу, может смотреть только мужчина.

Обнаженная будто невзначай спрашивает: «Вы до сих пор меня любите?». Её поза показывает неуверенность в собственной красоте. Именно поэтому Ренуар подбирает голубые цвета. Они показывают состояние женщины. Состояние скованности, тихой грусти и слепой надежды, состояние ожидания отзыва со стороны зрителя.

​​"Мы пришли, чтобы выжечь в мозгу плесень прошлого": как авангардисты создавали свой музей.

От: Куинджи охрип.

Выпуск посвящен в этот раз не отдельному художнику, а целому музею современного искусства — первому в мире. Идею московского музея живописной культуры (МЖК), который должен был стать образцом музея нового типа, разрабатывали сами художники, в том числе Казимир Малевич, Василий Кандинский и Александр Родченко. МЖК просуществовал лишь 10 лет и закрылся в 1929 году, когда в Нью-Йорке только открывался знаменитый музей современного искусства (МоМА).

Каким был первый в мире музей современного искусства? О чем Кандинский спорил с авангардистами? И как спецслужбы связаны с картинами Малевича?

Послушать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Амур развязывает пояс Венеры. Рейнолдс Джошуа.

По оценке искусствоведа А. Н. Бенуа, из трёх произведений Джошуа Рейнолдса в коллекции Эрмитажа работа "Амур развязывает пояс Венеры" является наиболее изящной. Картина представляет собой авторское повторение мотива, написанного художником еще в 1784 году и тогда выставлявшегося в Королевской Академии художеств под названием «Нимфа и Купидон». Копию картины для князя Г.А. Потемкина заказал лорд Кэрисфорт после возвращения из России в 1787 году. Единственным существенным отличием эрмитажного варианта от оригинала является отсутствие змеи, притаившейся у локтя Венеры.

Полотно притягивает своей интимностью, легкостью и изысканностью. Венера с мнимой стыдливостью, будто застенчиво прикрывает лицо рукой, но при этом очень сладко и кокетливо смотрит на зрителя. В это время Амур, озорной малыш, тянет за концы голубого шелкового пояса, внимательно рассматривая свою мать.

Как правило, выше других жанров Рейнолдс ставил историческую живопись, воспевавшию античные или библейские сюжеты. Однако в этой картине чувствуется, что автор — современник художников французского рококо Буше и Фрагонара, которые писали любовные сцены фривольного содержания.

Наибольшее значение художник придавал колориту, считая, что цвет, а именно теплая цветовая гамма, создает эмоциональный строй произведения. Только обратите внимание на преобладание красного цвета. Холодные же оттенки цвета, например, на голубых лентах, применяются для усиления теплых тонов или контраста с ними.

Есть предположение, что моделью для образа послужила яркая девушка по имени Эмма Гамильтон. Она являлась любовницей британского адмирала Горацио Нельсона. Благодаря своим скандальным любовным историям, красоте и художественному таланту леди Гамильтон была в конце XVIII – начале XIX века настоящей европейской знаменитостью.

Доминирующим смысловым и композиционным элементом является Пояс Венеры (Афродиты). Это самый мощный атрибут богини любви. Гомер описывал: «все обаяния в нем заключались, в нем и любовь и желания в нем и знакомства и просьбы, льстивые речи, не раз уловлявший ум и разумных». По легенде пояс излучал волшебный аромат, любовной страсти которого были подчинены не только люди, но и боги. Именно с помощью пояса Афродиты Гере удалось соблазнить Зевса.

Интересно, что несмотря на откровенно чувственный образ Венеры, её поза отчасти перенята из более раннего по времени этюда, запечатлевшего с натуры молоденькую девушку, скорее всего, одну из племянниц Рейнольдса, провалившуюся в слишком глубоком для нее кресле и кокетливо-смущенно прикрывающую лицо правой рукой.

​​"Аристократ в лучшем смысле": Василий Поленов в поисках идеального человека.

От Куинджи охрип.

Новатор, художник, педагог, архитектор, композитор, писатель, общественный деятель — все это Василий Поленов, герой нашего нового выпуска.

Почему другие художники искали секрет в его красках? Можно ли назвать Поленова бунтарем и феминистом? За что его критиковал Лев Толстой? И при чем здесь девушки легкого поведения?

Выбрать другие лекции и подкасты можно в закрепе.