​​Ночное кафе в Арле. Поль Гоген.

По просьбе брата Винсента ван Гога в 1888 года Поль Гоген переехал в Арль, небольшой городок на Юго-Востоке Франции, где жил Винсент. Известно, что Тео в буквальном смысле заплатил Гогену за то, чтобы тот приехал, более того, он ручался что продаст несколько его работ. Позже Гоген даже жаловался, что его «купили, как проститутку», однако деньги он принял.

В французской коммуне Ван Гог и Гоген мечтали основать новую колонию мастеров, которая была бы свободна от цензуры. Первое время художники считали себя единомышленниками, но вскоре столкновение двух сложных характеров привело к крупным ссорам. Одна из таких стычек чуть не лишила Гогена жизни. Однажды ночью разгневанный Ван Гог набросился на спящего Гогена с ножом. Несмотря на то, что всё обошлось, Винсент сильно переживал о случившемся. А Поль Гоген решил уехать из города.. После данного эксцесса творческий дуэт двух художников прекратил свое существование.

Несмотря на то, что поездка оказалось неудачной, художник все же успел запечатлеть Арль в работе «Ночное кафе в Арле». На картине показано кафе на привокзальной площади, недалеко от дома, где жил Винсент.

Передний план картины занимает немолодая женщина. Её образ весьма загадочен, как будто “джокондовский”. Черно-белый наряд придает героине строгости, на ее лице видна тень утомления. Прототипом женщины являлась мадам Жину, жена владельца квартиры, которую арендовал Винсент. Первоначально он сам хотел написать ее портрет, но женщина не давала согласие. Однако с приездом Гогена художникам все же удалось изобразить хозяйку. Зайдя в кафе, художники пригласили мадам Жину выпить кофе. Им было важно, чтобы она села за их столик. Гоген быстро сделал набросок, одновременно приговаривая, что мадам Жину обязательно увидит свой портрет в Лувре. И он ее не обманул.

Задний план полотна наполнен образами и деталями. Посетители кафе изображены обобщённо, они едва обозначены и почти сливаются в одно яркое многоцветное пятно. Над компанией посетителей вьются клубы дыма, придавая атмосфере кафе призрачности. Несмотря на очень яркие краски, ощущаются равнодушие и тоска.

Картина построена на гармонии больших цветовых пятен, обведенных строгой линией. Такой стиль отразил принципы новой живописной системы Гогена, названной им «синтетизмом» и получившей дальнейшее развитие в таитянских работах. Именно обобщенность придает краскам картины особую выразительность, неприемлемую, однако, для тогдашних официальных выставок.

Как и многие картины Гогена, эта работа была впервые оценена русскими меценатами. Изначально она оказалась в частном собрании Морозова, но уже в 1918 году все его наследие национализировала советская власть. Так, в 1929 году картина была использована для пропаганды трезвого образа жизни. Сегодня же с картиной можно познакомиться в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина.

Выбрать другие обзорвы можно в закрепе.

​​Сельский крестный ход на пасхе. Перов.

В начале 1860-х Перов создает серию картин, которым присуща антиклерикальная тенденция. Самой яркой из серии является картина «Сельский крестный ход на пасху». Работа не оставила критиков равнодушными. Первое ее появление на публике вызвало жаркие споры. Одни были уверены, что мастер гениально продемонстрировал действительность церкви в русском селе, другие обвиняли художника в предвзятости и попытке осквернить Православие. Художнику даже грозили ссылкой. А Третьякова заставили снять картину с экспозиции.

Сцена происходит ранним весенним утром. Участники, судя по всему, заходят уже не в первый дом и успели неплохо «устроиться». В глаза сразу бросается фигура священника в праздничном наряде. Алкоголь убил в нем все человеческое. Лицо лишено “святости”, а глаза почти не видны на опухшем от пьянства лице.

Прихожане подобны своему «духовному лидеру». Молодая крестьянка на переднем плане, напевающая молитву, будто собралась идти в противоположную группе сторону.

Потрепанный старик рядом с ней держит икону ликом вниз. Пасмурный пейзаж, хаотичное движение участников хода, тоскливый рассвет подчеркивает жалкий вид всей сцены. Процессия проходит не лучшим образом, священный обряд превратился во что-то несуразное. Путь до церкви, виднеющейся вдали, будет долгим. Несложно предвидеть, во что превратится ход у церковных ворот.

Художник пытается рассказать о людях, он не желает высмеивать Православие. Именно поэтому автор старательно упрощает все детали, связанные с православной символикой. Далеко не каждый зритель будет способен разглядеть крест в руках священника, образы преднамеренно не детализируются, показаны лишь очертания. Перова всегда интересовали типажи русских людей. Художник даже из поездки в Италию вернулся раньше срока, так как посчитал, что та жизнь ему непонятна, и создать там что-то “свое” он не сможет. Целью его иронизирования является непорядочное священство, а не сама вера. Художник призвал переосмыслить бытие, вернуться к истокам, моральной чистоте. «Тот, кто должен был статься духовным лидером, впал во искушении и не только не выполняет свою миссию, но и ведет других по ложному пути» (Василий Перов).

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Что скрывается за гениальностью да Винчи. Куинджи охрип.

Правда ли, что НАСА использует роботов, созданных по чертежам да Винчи? Куда делись брови Мона Лизы? И как да Винчи повлиял на шампур для шаурмы? Обо всем этом в подкасте говорят вместе с кандидатом культурологии  и преподавателем РГГУ Валерией Косяковой.

Выбрать другие лекции про искусство можно в закрепе.

​​Венера Урбинская. Тициан.

Одна из известнейших работ Тициана — Венера Урбинская — никогда не должна была висеть в галерее. Игривый и нарочито открытый, дерзкий взгляд этой девушки никогда не должен быть пересекаться со взглядами проходящих мимо зевак. Её тело не было предназначено для любопытного разглядывания толпами туристами. Улыбается она не искусствоведам и не критикам. Это был взгляд, предназначенный для одного мужчины. Своё тело она предлагала одному мужчине. Улыбалась девушка одному мужчине. И себя доверила только одному.

Работа Тициана была свадебным подарком близкому другу. Она висела в спальной молодоженов — интимная, теплая и игривая обстановка картины должна была создавать в отношениях между супругами атмосферу любви, готовности отдать любимому всё, готовности разделить с ним ложе. Поэтому многим взгляд Тициановской Венеры, буквально отдающей себя зрителю, кажется взглядом куртизанки. Но художник изобразил лишь верную жену. И Тициан всячески нам намекает на это, подсказывает случайному зрителю. Розы в руках Венеры и мирт на подоконнике — спутники этой древнеримской богини, символы плодородия в браке и символические пожелания молодоженам от художника. Служанки, готовящие платье для своей хозяйки, достают его из особого сундука — кассоне. Эти итальянские расписные сундуки (обычно изготавливающиеся парными) были традиционно свадебным приданным в эпоху Возрождения. Свернувшаяся клубком, преданно ждущая хозяина собачка тоже, скорее всего, оказалась на картине Тициана неслучайно. Она символизирует верность в браке.

Картина цепляет взглядом. И для каждого зрителя этот взгляд означает разное. Холодному зрителю может и кажеться, что на картине всего лишь бесстыжая куртизанка, а цель работы — удовлетворить плотские желания. Любящему зрителю кажется, что взгляд Венеры предназначен только для него. И такой зритель видит в donna nuda свою собственную Венеру Урбинскую.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

Cамая быстрая история русского искусства XX века. Арзамас.

Если Вы еще не видели великолепную лекцию от наших друзей из Арзамаса, то сейчас самое время! Авангард и соцреализм, Петров-Водкин и Дейнека, «Черный квадрат» и «Опять двойка», митьки и концептуалисты, русский модерн и человек-собака — всё, что должен знать каждый, разложено по полочкам в видео Arzamas.

Посмотреть лекцию можно по ссылке. Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​Рождение Венеры. Александр Кабанель.

Александр Кабанель почти всю свою сознательную жизнь провел в Париже. Именно в этом городе художник обучался, работал и заслужил признание. Он был обожаем правителями и обласкан публикой. В чем же секрет такого внимания? Всё просто, Кабанель всегда знал, чего действительно хочет публика, и умел грамотно ей потакать. Во Франции уже прекратилась цепь революций, и люди хотели, наконец, пожить в свое удовольствие. Придумывать что-то новое и стараться понять что-то сложное не хотелось. Люди желали любоваться чем-то красивым и простым для понимания. А работы Кабанеля как нельзя кстати попадали под установленные критерии. Они были неизменно технически качественны, реалистичны (при этом без грубого натурализма), с приятной глазу подборкой цветов. Такая миловидная посредственность заставляла заказчиков выстраиваться в очереди.

Однако, стоит отметить, что творчество Кабанеля было не столько случайным явлением, сколько олицетворением устоявшегося принципа. Речь идет о салонной живописи. Многочисленные идолы салонного классицизма: Кабанель, Бугро, Эннер, Бодри владели всеми историческими стилями, при этом они так и не выработали своего собственного. В основном, данный стиль содержал в себе довольно обыденные детали: совершенное тело, мифологический сюжет, нежная, хоть и достаточно банальная колористика. Такие картины были слащавыми, и от них будто исходили ароматы роз и фиалок.

Концепция данной картины завязана на мифологическом сюжете о рождении богини Венеры, которая появилась обнаженной из морской пены. Картина получилась очень нежной. Тело богини мягко покачивается на волнах, тем самым повторяя их естественные изгибы. Глаза Венеры полуприкрыты, руки лениво заброшены за голову. Одна из них согнута в локте, как бы показывая, что Венера не намеревается проснуться. Ей сладостно спится, она нежится в теплых волнах, омывающих ее. А вокруг витают, резвятся ангелочки, трубящие в раковины и возвещающие о рождении богини.

Эмиль Золя, известный французский критик, писал о картине следующее: «Богиня, утопающая в молочном море, припоминает прелестную куртизанку, но сотворённую не из плоти и крови — это было бы вызывающе, — а сделанную из белоснежного и розового марципана.»

Даже Эмиль Золя отмечает схожесть девушки с женщиной легкого поведения. Так почему же публика не критикует картину как нечто пошлое и неприемлемое? Все дело в мифологии. Внедрение мифологического сюжета давало возможность внести в картину элементы эротики, не оскорбляя моральных устоев публики.

«Рождение Венеры» - простая и бесхитростная картина. Исходя из контекста, становится понятно, что, наверное, не стоит искать в ней психологического подтекста и глубины.

Выбрать другие обзоры можнов закрепе.

​​Мадонна. Эдвард Мунк.

Эдвард Мунк – яркий модернист, это касается как его творчества, так и общего понимания художником общества. Поэтому неудивительно, что ему приписывают фразу: «Я не буду изображать декорации, на фоне которых мужчины читают, а женщины вяжут. Я буду писать живых людей, которые дышат, чувствуют, страдают и любят». Для воплощения таких человеческих эмоций художнику не хватало средств классического реализма. Поэтому Мунк открывал новые пути в искусстве, во многом опередив свое время.

С ранних лет Мунк узнал, что такое болезнь, смерть близких, страх, депрессия и сумасшествие. Повзрослев, художник приобрел необычное отношение к женщинам, он их часто не понимал, порой даже боялся их. Вот почему он избегал длительных отношений. Основная загадка женской сущности для Мунка выражалась в их быстрой изменчивости. Именно поэтому на полотнах художника женщины всегда таинственны и неоднозначны.

В 1894 году мастер написал свою «Мадонну». Спустя год к ней он создал литографию. Всего существует 5 версий данной картины, две из которых находятся в частных коллекциях. Большинство искусствоведов считают, что истинной глубиной обладает именно первая версия Мадонны, которая не отягощена деталями. Литография же значительно отличается от классического варианта. У нее есть специальная рама, на которой изображены сперматозоиды, а также маленькая, но значимая фигура – эмбрион в нижнем левом углу. При написании данной картины у мастера была идея отразить основные периоды жизни любой женщины: зачатие (сперматозоиды), воспроизведение потомства (эмбрион) и смерть (сама Мадонна).

Мадонна норвежского художника почти не имеет ничего общего с классическим образом Девы Марии. Пожалуй, единственным сходством является нимб над головой. Тело героини пластично, живот особенно подчеркнут, руки изображены схематично, они будто исчезают за полупрозрачным фоном. Максимальное очеловечивание образа Мадонны, попытка показать ее земное, а не небесное величие – вот, главная задача, которая стояла перед Мунком. Интересно, что художник неоднократно изменял название картины. Среди версий были "Зачатие" и "Любящая женщина". Мунк все же решился на "Мадонну", тем самым показав свое отношение к написанной женщине.

Героиню художник писал с натурщицы Дагни Юль. Данная особа являлась роковой музой многих деятелей искусства того времени. За ее бесконечные романы девушку даже именовали «пожирательницей мужчин». Одно время она была любовницей Мунка, однако на момент написания работы она уже была женой друга художника. Увидев в образе Мадонны привычную всем «пожирательницу мужчин», зрители, мягко говоря, были в шоке.

Весь образ героини окружен каким-то ореолом. Есть ощущение некоего внутреннего сияния, немного загадочного, даже магического. Цветовая палитра художника очень скромна. Несмотря на избранную тему, которая ассоциируется с любовью, страстью и животворящей энергией, колорит картины дает зрителю тяжелой осадок и даже вызывает ощущение тревоги. Это тот самый эффект, который намеревался создать художник-экспрессионист.

Находится ли Мадонна на пике наслаждения или показана в момент последнего вздоха, когда душа вот-вот покинет тело? Любовь и смерть в работах Мунка часто становятся синонимами. В ХХ в. критики даже усматривали в этой картине предупреждение о надвигающейся угрозе для всего человечества.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Мальчик с собакой. Мурильо.

Мурильо является одним из самых популярных художников Испании середины XVII века. Живописца особенно интересовали библейские сюжеты, но среди его работ есть и посвященные бытовым сценам. Особенно часто он изображал детей. На сегодняшний день картину “Мальчик с собакой принято считать одной из жемчужин Эрмитажа.

«Мальчик с собакой» — довольно нехарактерная для Мурильо работа, поскольку в ней отсутствуют помпезность и напускное величие, характерные для других, как правило, религиозных картин художника. Эта картина будто сиюминутный взгляд на случайную бытовую сцену. Мастер стал свидетелем встречи мальчика и собачонки. Художник был настолько вдохновлен их дружбой, что решил посвятить ей картину. Мастер избавляется от лишних, на его взгляд, деталей, концентрируя внимание зрителя на фигурах мальчика и его верного друга. Благодаря этому приему, все внимание смотрящего направлено на приветливое лицо ребенка.

Ребенок изображен на картине в своих крестьянских одеждах. Незамысловатый желтый жилет и белая сорочка – вот традиционный наряд простолюдинов того времени. У него худощавое лицо. Легко догадаться, что ребенок плохо питается, но это никак не влияет на его жизнерадостность. Он улыбается так лучезарно, что невольно делится положительной энергией со зрителем, которому непременно тоже захочется улыбнуться, глядя на картину. Художник отобразил небольшое покраснение глаз у ребенка, что свойственно либо при хронической усталости, либо наличии заболевания. Тем не менее, это не умаляет очаровательности ребенка. На мрачном фоне оба героя выглядят радостными. Мальчишка улыбается от нежданной встречи и протягивает руку к собачке, чтобы погладить её.. Собака чувствует добрые намерения мальчишки и также тянется к нему.

Несмотря на отсутствие яркого фона и мелких деталей Мурильо проявил себя как прекрасный колорист: сочетание голубого неба и мягкого желтого жилета мальчика, темного голубого цвета куртки и холодных, кое-где перламутровых тона кожи создают изысканную цветовую гамму.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Как услышать Эдварда Мунка? Куинджи охрип.

Будущий художник еще ребенком пережил смерть матери, брата и сестры, и это, конечно, повлияло на его психологическое состояние: Эдвард Мунк боялся смерти и опасался природы, не любил цветы, связывая их с болезнью или похоронами, а отношения с женщинами считал помехой творчеству. И все эти страхи отразились в его работах.

Почему картины Мунка заставляют нас нервничать? Что связывает знаменитый "Крик" с Достоевским? И почему художник не любил писать руки и пальцы? Разобраться во всем этом можно в подкасте!

Выбрать другие подкасты и лекции можно в закрепе.

​​Урок анатомии доктора Тульпа. Рембрандт.

«Урок анатомии доктора Тульпа» – одна из признанных “икон” в истории искусства, созданная 25-летним Рембрандтом после переселения из родного Лейдена в Амстердам. На тот момент Амстердам являлся одним из наиболее быстрорастущих городов Европы, где благоденствовал средний класс, который как раз и являлся основным заказчиком картин.

Впервые в истории, почувствовав обеспеченную жизнь, голландские купцы и ремесленники захотели стать частью искусства. Однако их уже не интересовало изображение святых и богов античных мифов, как это было раньше. Заказчики сами стали героями и хотели оставить потомкам именно собственные изображения. Горожане портретировались одни, с женами, с детьми и даже целыми предприятиями.

Общий портрет амстердамской Гильдии хирургов был заказан у Рембрандта всего через год после его переезда, даже несмотря на то, что местные мастера были старше и опытнее в мастерстве написания группового портрета. Но почему они выбрали именно Рембрандта? Рембрандт создал нечто совершенно новое. Художники Амстердама скорее всего просто взяли бы за основу предыдущее портреты хирургов, изобразив лица героев на месте предшественников. Как правило модели сидели в ряд и смотрели прямо на живописца. У Рембрандта врачи повернуты в пол-оборота и сгруппированы в форме пирамиды. При этом интересно, что главный образ находится не на вершине пирамиды. Художник пренебрегает тенденциями тяготения к реализму, сосредоточивая интерес к психологическим аспектам картины. Эта картина также является уникальной, поскольку это первая работа, которую художник подписал своим именем, что говорит о его нарастающей уверенности в собственных силах.

Процедура, показанная на картине, называется аутопсия. Ранее такое вскрытие производилось раз в год Амстердамской гильдией хирургов. Каждый мог побывать в качестве зрителя. Старейшины гильдии специально приглашали мастеров для того, чтобы они запечатлели их мастерство.

Главным героем является доктор Тульп, который демонстрирует мышцы на левой руке трупа. Он – единственный персонаж в шляпе, таким образом художник отмечает его привилегированный статус. Тульп деловит, сдержан, но в то же время оживлен и уверен.

Покойником является недавно казнённый вор Адриан Адрианс. Он был приговорен к смертной казни через повешение. На картине его тело. Оно полностью освещено, а ступни почти упираются в книгу в правом нижнем углу. Вероятнее всего, это книга “De humani corporis fabrica” («Строение человеческого тела», 1543) Андреаса Везалия.

В целом Рембрандт показывает девять разных фигур. Семеро коллег Тульпа смотрят в разных направлениях: одни — на тело, другие — на лектора, третьи — прямо на зрителя. Каждый из них имеет свое личное психологическое выражение. Один из хирургов держит в руках листок, содержащий список имён собравшихся. Стремясь создать иллюзию реальности, художник делает участником происходящего самого зрителя. Мы как будто входим в аудиторию во время лекции, и трое из слушателей вдруг оглядываются на нас.

Работа имеет символический подтекст. Ведь на ней изображен «триумф истины», победа знания, олицетворенного в докторе Тульпе над смертью и грехом, воплощенном в трупе Адриана Адрианса.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Амедео Модильяни: художник, у которого сразу всё пошло не так. Куинджи охрип.

Жизнь Амедео Модильяни с самого рождения была полна странных событий. В 5 лет Дедо, как его называли в семье, заболел тифом и, по легенде, во время болезни он бредил именами великих итальянских художников, словно увидев свое же будущее. Модильяни было всего 35, когда он умер. "Смерть настигла его на пороге славы", – написали на надгробии художника.

Почему Модильяни писал глаза без зрачков? Что было между ним и Анной Ахматовой? И правда, ли что единственная прижизненная персональная выставка Модильяни длилась всего час?

Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​Падение Икара. Питер Брейгель.

Икар и его отец Дедал были схвачены и помещены в тюрьму-лабиринт царя Миноса за помощь, оказанную царице Пацифее. Однако, Дедал нашел способ для побега. Он смастерил две пары крыльев из воска и перьев, одну — для себя, другую — для сына. Так, они смогли сбежать из тюрьмы. Перед взлетом Дедал объяснил Икару, что если тот приблизится к морю слишком близко, то вода намочит перья и утяжелит их, а если полететь слишком высоко к солнцу, то оно расплавит воск, из-за чего крылья сломаются. Икар согласился с отцом, но он так пристрастился к полету, что вопреки словам отца полетел слишком близко к солнцу. Он летел так высоко, что солнце растопило воск, крылья сломались, и он упал в море, где вскоре утонул.

Действие происходит на фоне красивого пейзажа, созданного в традициях голландской живописи. Только внимательный взгляд пастуха, который устремлен в небеса, дает возможность предполагать, где же отец Икара. Сына же вполне нетрудно найти на картине. Приглядевшись, вы сможете разглядеть его ноги и пару перьев над водной гладью. Только это и сохранилось от дерзкого Икара, решившего улететь выше всех. При всей трагичности данного сюжета Икар практически не заметен. Перед зрителем в основном показана мирная жизнь рабочих: вот пахарь идет бороздой за своей лошадью, над морской гладью развеваются паруса торгового судна, а вдалеке рыбаки закидывают свои сети. Крушения юноши никто не заметил. Все заняты делом.

Однако, на полотне все же есть кто-то, кому весьма любопытна судьба Икара. Это серая куропатка, сидящая на ветке над краем обрыва. Почему именно она? Согласно мифу, Дедал был вынужден бежать на остров Крит после того, как убил собственного племянника Пердикса, который ранее был его учеником. Он сделал это, поскольку побоялся, что ученик превзойдет мастерство своего учителя. Дедал столкнул Пердикса со стены Афинского акрополя. Увидев эту сцену, богиня Афина сжалилась над Пердиксом, превратив его в куропатку. Поэтому у неуклюжей куропатки были все основания наблюдать за тем, как тонет единственный наследник её убийцы. Исходя из этого, зритель может сделать вывод, что смерть Икара вовсе не трагическая случайность. Это справедливое возмездие Дедалу за его смертный грех.

Существует несколько теорий отношения самого художника к картине. Первая теория говорит о том, что мастер осуждает заносчивость и дерзость Икара. При этом художник сравнивает поведение юноши с рутинным тяжким трудом рядовых крестьян, которые является композиционным центром картины. Труженики твердо стоят на земле и четко знают свои цели, в отличие от юного мечтателя, парящего в облаках и рискующего с них упасть. Другая теория отсылает нас к нидерландской пословице «Geen ploeg staat stil om een stervend mens», что в переводе на русский означает: «Ни один плуг не остановится, когда кто-то умирает».

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Девушка с жемчужной сережкой. Ян Вермеер.

«Девушка с жемчужной серёжкой» является одной из наиболее известных картин эпохи барокко. На картине восхитительная таинственная девушка, изображенная не менее таинственным нидерландским мастером Яном Вермеером. Из-за загадок и тайн, окутывающих работу, её называют «северной Моной Лизой».

Работа известна и под другими названиями: «Девушка в тюрбане» и просто «Девушка». Интересен прямой контакт между героиней и зрителем. Это показывает непосредственность, даже близость между Вами и героиней. Создается впечатление, что девушка поворотом головы просит зрителя подступить ещё ближе. Однако, несмотря на такую близость, мы до сих пор не понимаем, кто перед нами и для кого предназначался такой поворот головы? Над этими вопросами бьются не только искусствоведы, но и писатели. В частности, Трейси Шевалье, автор известного романа, экранизация которого в 2003 году превратила Скарлетт Йоханссон в любимицу публики.

Имеется несколько теорий. Первая — самая популярная — на полотне показана дочь Вермеера Мария. Однако в вероятности этой версии заставляет усомниться возраст дочери. На момент написания картины ей было всего 12 лет, а героиня портрета выглядит старше.

Вторая — на картине Вермеер изобразил свою жену, Катарину Болнес. Но и в этом случае возраст девушки немного не подходит. В действительности, Вермеер часто использовал свою жену в качестве модели. Но ко времени написания картины жена мастера уже не была такой молодой, как героиня полотна.

Следующая теория — это любовница мастера. Хотя и здесь исследователи сходятся во мнении, что художник был верен своей супруге. Одно наличие 15 детей едва лишь ставит под вопрос любовь художника. Последняя теория говорит о том, что картина писалась со служанки. Но исследователи тоже считают ее несостоятельной, поскольку сословное деление было очень строгим, и у служанки не было бы и шанса так близко подойти к хозяину дома.

Ян Вермеер был мастером света. Он показал свой талант, профессионально представив мягкое сияние кожи героини и отблески на её влажных губах. Но главное, что притягивает внимание зрителя – крупная серьга. Эксперты утверждают, что в природе камней такого размера не существует. Скорее всего художника больше интересовало впечатление от картины, чем подлинность передачи всех элементов.

Данная работа является олицетворением молодости, которая только начинает свой путь. Молодости, еще робкой и не понимающей в полной мере своей красоты и мощи. Поразительны глаза героини. С какой бы точки Вы не глядели на полотно, всё время ее гипнотизирующий, чувственный, и в то же время открытый и добрый взгляд будет направлен на вас. Вы будете длительное время осматривать девушку, придумывать историю ее жизни, строить всевозможные предположения и все равно уйдете от нее с ощущением неразгаданности большой тайны.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Да Босх с Вами! Искусство для пацанчиков.

К Босху и его картинам столько вопросов:
Жуть или эстетика? Грешник или святой? В аду мы все или в раю? И что означают все эти крысы, рыбы, птицы и нудисты???

Голландский профессор Эдмунд ван Хооссе пришел к выводу, что Иероним Босх был свидетелем прибытия НЛО, а американский уфолог Джордан Хардс, что Босх сам был пришельцем.

Эти и все самые круыте версии в подкасте!

Выбрать другие лекции про искусство можно в закрепе.

​​Нищая девочка испанка. Сорокин.

Сперва, взглянув на эту картину, у вас невольно может возникнуть вопрос. Кто перед нами? Испанка? Или цыганка? Вы можете посмотреть на название и рассеять все сомнения, либо вы можете рассмотреть внимательно одеяние девочки и улицу позади. Красная юбка, белая блузочка подсказывают, что все же перед нами маленькая испанка. А чтобы убедиться в этом, стоит взглянуть на архитектуру богатого испанского района позади героини.

Сорокин использовал мягкие, теплые тона, тем самым подчеркивая спокойствие жизни граждан, проживающих здесь. Видно, что в этом районе проживают довольно богатые люди. Из двери изящная рука протягивает милостыню. На руку состоятельной особы надеты тонкие белые перчатки. Эта рука - само воплощение испанской элиты. Она написана очень тонко, поражая зрителя своей грациозностью. Увидев только лишь руку, мы с легкостью можем представить, какова изящность и красота её обладательницы.

На контрасте с красивой жизнью испанской элиты, художник показывает нам нищую испанку. Ей около 10 лет. Девочка одета в белую опрятную блузочку и юбочку красного цвета. Туго завязанный поясок поддерживает юбочку на талии, чтобы та не слетела. Одежда ей великовата, видно, что она ее не первая владелица. Несмотря на то, что одежда старая, девочка выглядит опрятно. На ногах изношенные ботинки, из которых торчат пальчики. В глазах можно увидеть неподдельную боль и муку.

Очень жаль этого ребенка, ей впереди еще предстоит обходить множество домов, чтобы найти пропитание. Но несмотря на бедственное положение этой маленькой испанки, ей удается сохранить испанскую душу. Она не меняет красную юбку на что-то более практичное, чтобы согреваться ночью. Она не продает блестящие золотые серёжки, чтобы на эти деньги купить еду. Её руки и лицо при всех обстоятельствах остаются чистыми. Ведь как иное может позволить себе настоящая испанка? Именно испанскую душу в лице маленькой девочки демонстрирует зрителям Евграф Семенович Сорокин.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Юноша с лютней. Караваджо.

Караваджо считается родоначальником реалистического направления живописи итальянского барокко; эмоциональное, полное драматизма, его творчество отразило страстный, необузданный характер самого живописца. Его реализм, осознанность написания, еще непривычная техника, создающая поразительную по свету живопись «alla prima» (без предварительного рисунка) – вызвали широкий отклик в живописном мире. Работы Караваджо далеко не сразу заслужили любовь не только у заказчиков, но и у друзей художника. Почему же так?

Известно, что в средние века картины в основном служили украшением для церкви. Чуть позже они начали появляться в домах зажиточных горожан. По традиции сюжеты избирались из библейских историй. Однако это длилось недолго. Под предлогом воссоздания священных тем художники все чаще писали окружающую их жизнь, наполненную живыми людьми и привычным бытом. Свободолюбивый Караваджо был одним из первых, кто делал это открыто и не боялся показывать повседневность, не маскируясь религией. Так, он открыто пишет сюжеты, посвященные музкыкантам, играм в карты и бытовым ссорам.

Юноша с лютней был написан примерно в 1595 году по заказу покровителя Караваджо, кардинала Дель Монте. Увидев «Лютниста», друг кардинала, Джустиниани, богатый банкир и чуткий ценитель музыки, в буквальном смысле слова влюбился в образ. Он всей душой верил, что на картине изображена девушка, и, проникнувшись ее женственностью и красотой, уговаривает кардинала продать ему полотно. Караваджо, узнав, что его покровитель остался без картины, пишет еще одну. Однако, уже на новом «Лютнисте» вместо вазы с цветами художник изображает клетку с щегленком, деревянную скрипку и кимвал.

Интересно, что только в начале ХХ века искусствоведы все же сошлись во мнении, что на холсте представлен юноша. Такой вывод был сделан на основе нот, находящихся перед музыкантом, где заметна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Дело в том, что девушка вряд ли бы сделала подобный выбор — это элементарно тяжело для женского голоса. Более того, лютня, как и скрипка, лежащая на столе, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.

Почему же художник решил сделать лютниста таким женоподобным? Часть искусствоведов рассматривают это как художественный прием, с помощью которого Караваджо просто решил усложнить образ. Другая часть считает, что художник желал передать физическое воплощение того настроения, которым охвачен лютнист в процессе исполнения песни. Устало-нежная склоненная голова, грациозные движения рук — все передает красоту эмоций, вызванных музыкой. Хотя справедливости ради стоит сказать, что некоторые считают, будто чувство, передаваемое через систему таких внешних обозначений, лишается динамичности и костенеет. Однако именно эта продолжительность мимолетного чувства, закрепленного художником, чарует зрителя.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​"Дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный": демоны и ангелы Михаила Врубеля. Куинджи охрип.

Друзья! Недавно в Новой Третьяковке октрылась великолепная выставка работ Михаила Врубеля! К этому событию предлагаем Вам прекрасный подкаст от ребят из Куинджи охрип.

Его картины неизменно завораживают, вызывают чувство прикосновения к потустороннему. Что сделало Врубеля особенным, не похожим ни на кого? Как создается мистика его работ? Что изменила в его творчестве болезнь? И как Врубель связан с московским метро?

Выбрать другие лекции про искусство можно в закрепе.

​​Пан. Михаил Врубель.

Среди картин «сказочного цикла» Врубеля именно работа «Пан» удостоена особого внимания исследователей. При этом сам художник написал картину всего за два-три дня, взяв за основу незаконченное полотно с изображением его жены.

Пан является созданием из древнегреческих мифов. Он выполняет роль пастуха, следящего за стадом священных коз и баранов. Интересно, что изначально сам Врубель называл картину "Сатиром", а наименование "Пан" является результатом "творчества" критиков. Идея картины появилась у мастера после прочтения рассказа Анатоля Франца «Святой Сатир».

Старый, морщинистый, с бездонными, будто неживыми, голубыми глазами, узловатыми, словно сучья, пальцами, Пан появляется из дряхлого пня. В руке у Пана обязательный атрибут пастуха – свирель. Благодаря звукам данного инструмента он может привлечь разбежавшийся в разные стороны скот.

За Паном вечерний русский пейзаж с выразительными линиями тонких деревьев и кустов возле болота. Сюжет дополнен рогом луны, которая бросает лучи на загадочный лес, поле и на само существо. Герои картины и панорама составляют одно целое. Более того, они будто могут превращаться друг в друга. Такая обстановка перевоплощений, господствующая в сказках, для картин Врубеля естественна. В его работах отсутствуют преграды между различными творениями природы, между живым и неживым, между человеком и лесной тварью. Единая, совместная жизнь во всем.

Добрые, немного хитрые голубые глаза смотрят вдаль. Такие глаза могут быть у старого дедушки, который рассказывает сказочные истории своим внукам. Колдовская пустота его глаз несет в себе какую-то звериную или нечеловеческую мудрость. Пан вполне стихиен, он бесконечно далек от той мучительной рефлексии, которая сводит с ума «сидящего Демона» Врубеля.

Большинству героев картин Врубеля присуще внешнее сходство с кем-нибудь из знакомых ему людей. Так искусствоведы без труда определяли, кто послужил моделью. Но прототипа Пана не обнаружили. Нашел ли художник такого старика где-то в селе, или он просто приснился ему лунной ночью в виде старого замшелого пня?

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Шестикрылый Серафим. Михаил Врубель.

Михаил Врубель, отлично разбиравшийся в вопросах классического искусства и литературы, свободно говоривший на нескольких языках, был открытым и легким в общении человеком. Однако при этом некая таинственность, заложенная в натуре Врубеля и выражавшаяся в его работах, до сих пор вызывает споры у исследователей. Во время создания «Шестикрылого Серафима» мастер был уже безнадежно болен. Образ возник не только стихотворением Пушкина, но и тяжелыми и откровенно безумными кошмарами, с которым сталкивался художник. Долгожданное рождение сына стало для Врубеля трагедией. Ребенок родился с врожденным пороком развития – заячьей губой. Это событие, потрясшее художника до глубины души, послужило отправной точкой психического расстройства. Вскоре его отправили в психиатрическую больницу В.П. Сербского, где картина и была написана.

Работа является иллюстрацией к стихотворению А.С. Пушкина «Пророк». Шестикрылые серафимы — это верховные ангелы, наиболее приближенные к Богу в христианской и иудейской религиозных традициях. Они обладают колоссальными силами и возможностями, практически равными божественным — сам Сатана ранее был одним из них.

Прямо на зрителя смотрит Божий посланник, тихий исполнитель его воли. Облик его пронизан холодом и суровостью. В одной руке у него кадило с горящим пламенем, что символизирует божественное присутствие. В другой руке, увитой змеем, Серафим удерживает меч. Всем своим видом он напоминает о внеземном мире. Он как ангел смерти, наводящий на мысль о том, что ничто не вечно. Его взгляд будто говорит о приближении расплаты. Серафим открыто напоминает о задаче избранника, призывает к служению – «глаголом жечь сердца людей» и будить их души «от мелочей будничного величавыми образами».

В контексте техники стоит отметить, что доминируют любимые Врубелем синие и фиолетовые тона. Общий стиль исполнения полотна похож на древние фрески. В произведении сплелись воедино мазки, имеющие вид яркого витража. У зрителя создается ощущение, что полотно будто собрано из тысяч частиц разноцветной мозаики.

Многие искусствоведы считают, что именно эта работа стала вершиной творчества художника. История жизни Михаила Врубеля притягивала к себе многие домыслы и легенды. В художнике сочеталось так много парадоксов, что довольно непросто понять, где же закачиваются особенности его творческой натуры и начинается патология. Уже современники Врубеля открыто связывали его искусство с чем-то болезненным. Такая взаимосвязь одаренности и психических заболеваний остается неразгаданной до сих пор и часто обсуждается в психиатрической литературе. Одни называют Михаила Врубеля гением, другие — просто больным человеком. Однако довольно глупо отрицать, что его работы пронизаны загадочностью и гипнотической силой, которые отталкивают и притягивают зрителя одновременно.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Да ничего такого сложного, просто смешиваю краски: химические секреты Архипа Куинджи. Куинджи охрип.

Вскоре после фурора, который произвела картина "Лунная ночь на Днепре", Куинджи надолго уединился в мастерской и никому не показывал свои произведения.

Почему художник "замолчал" на 20 лет? Заставлял ли Айвазовский его красить заборы? За что современники называли Куинджи рекламистом и птичьим доктором? И что сдружило его с Менделеевым? Обо всем этом можете послушать в новом подкасте от Куинджи охрип.

Выбрать другие лекции и подкасты про искусство можно в закрепе.

​​Голубые танцовщицы. Эдгар Дега.

Эдгар Дега многократно посещал балетный класс и костюмерную. Художник месяцами следил за каждым движением балерин, их чувствами, эмоциями, пытаясь не упустить ни одной мельчайшей детали, дабы искусно показать все это на своих картинах. «Люди называют меня живописцем танцовщиц. Но им не приходит в голову, что мой интерес к танцовщицам продиктован интересом к движению и красивой одежде» - так отзывался о себе мастер.

На полотне «Голубые танцовщицы» зритель видит четырех девушек в небесно-голубых платьицах. По всей вероятности, балерины готовятся к выступлению, и остались лишь минуты, чтобы поправить прическу, проверить пуанты и повторить «па». Мастерски переданные движения балерин, эффект искусственного освещения передают ощущение танца, который втягивает нас в его кошачью пластику. От полотна исходит приятное тепло. Несмотря на название картины, искусствоведы выдвигают теорию, что на ней лишь одна девушка, но только в разных позах. Данная теория возникла после смерти художника, когда исследователи нашли в документах Дега фотографии балерин.

Интересно, что у художника были свои тайны работы с пастелью. Обрабатывая картину паром, мастер достигал ее пластичности, после чего растушевывал кистью или пальцами, тем самым добиваясь глубокой насыщенности цвета и уникального мерцания. Также, важно отметить, что до наших дней работы Дега дошли в идеальном состоянии из-за секретного состава, который художник наносил на картины.

Полотно писалось в то время, когда мучившийся от отслоения сетчатки и скрывавший глаза от солнечного света Дега уже очень плохо видел. Спустя 6 лет художник вовсе перестанет писать картины. Ему останется лишь на ощупь лепить из воска все тех же танцовщиц в многосложных позах и лошадей в движении. Важно отметить, что талант Дега был высоко оценен при жизни импрессиониста. “Голубые танцовщицы” были проданы за огромную сумму – 60 000 франков.

Однако, несмотря на наличие денег, у Дега не было семьи. В обществе художника считали отшельником. Он почти не вылезал из своей мастерской. Более того, художник мало кого впускал в дом. Так, известно, что на двери его квартиры была причудливая щеколда, благодаря ей мастер мог открывать входную дверь из своей мастерской со второго этажа. Если гость был нежеланным, щеколда на двери просто не поднималась, так художник делал вид, что его нет дома. К сожалению, она, как правило, не поднималась, и мастер умер в одиночестве.

Выбрать другие обзоры на картины можно в закрепе.