​​Автопортрет. Брюллов.

Карл Брюллов был оторванным от общества человеком, потому довольно неудивительно, что болезнь он переносил в одиночестве. Целых семь месяцев пятидесятилетний Брюллов по рекомендациям врачей не покидал своей постели, к нему почти никого не пускали, он был совсем один в пустой квартире. Болезнь стала для него временем переосмысления собственной жизни, временем подведения неутешительных итогов. Как только Брюллову позволили встать на ноги, он попросил мольберт и краски, и спустя два часа был создан данный шедевр.

К моменту написания портрета художник был очень знаменитым. Его живопись достигла настоящего совершенства. Несмотря на потрясающий талант и свою известность, на портрете Брюллов вовсе не выглядит радостным. Бледное лицо, напряженные веки, тонкие истощенные пальцы - все это черты больного человека. Грустные, все понимающие, глаза смотрят с портрета, словно прощаясь со своим зрителем и со всем, уходящим в прошлое миром. Брюллов изобразил себя в сидячем положении, правой рукой утомленно опирающегося на кушетку, обитую красной тканью.

Красный цвет тут не просто так, он являлся одним из любимых цветов художника, на этом полотне он призван создать контраст ослабевшего и стареющего художника и ярких красок жизни, которую он так любил. Брюллов одет в черную рубаху, которая символизирует усталость и смирение героя. Портрет написан мастерски и свидетельствует о том, какой могучей творческой энергией обладал, несмотря на болезнь, художник и каких вершин достиг он во владении живописью.

Здесь прослеживается одна из ведущих тем романтизма - борьба слабого тела с сильным духом. Зритель легко может увидеть это. Стоит лишь прикрыть рукой часть картины, чтобы осталась видна лишь правый часть лица. И тут же происходит чудо. Из сильного и властного человека, которого мы можем видеть, смотря на картину полностью, Брюллов превращается в очень слабого, уставшего от жизни, измученного болезнью человека, который будто жалобно просит нас о чем-то. Не зря картину прозвали «Исповедью сына века».

Картина Карла Брюллова “Автопортрет” — это то, как увидел сам себя автор после пяти десятков прожитых лет. Так видит его зритель и через полтора века.

Выбрать другие картины можно в закрепе.

​​Портрет доктора Феликса Рея. Винсент ван Гог.

Рассматривая картины Винсента Ван Гога, необходимо понимать состояние художника во время их написания. Для этого важно знать историю жизни Ван Гога - одного из самых драматичных художников. В декабре 1888 года в приступе белой горячки художник отрезал себе ухо. По одной из версий, это ухо он намеревался подарить проститутке. Художника положили в больницу, он был в таком состоянии, что он не мог держать себя в руках, поэтому он был помещен в палату к сумасшедшим.

Несмотря на то, что из-за задетой артерии было потеряно много крови, рана не являлась смертельной. Доктор, лечивший художника, Феликс Рей, собирался даже пришить ухо обратно, но доставить его вовремя не удалось, из-за чего сделать это было уже невозможно. Доктор бережно ухаживал за художником 15 дней, которые тот провел в палате. Более того, после выписки он несколько раз навещал Ван Гога в желтом доме. Врач проявил сочувствие и понимание больному художнику, из-за чего Ван Гог захотел отблагодарить, написав его портрет.

Картина отличается ярким колоритом и почти полным отсутствием светотеневых моделировок. Портрет не содержит эмоций доктора, не показывает его характера, ощущается лишь одно внутреннее напряжение художника. Нервные линии, импульсивно нанесенные мазки, выявляющие структуру лица, придают облику персонажа невероятную выразительность. Такое преднамеренное упрощение техники живописи идеально подходит для раскрытия образа модели. Одновременно это самоограничение художника способствовало и более полному раскрытию характера модели. Цвет на картинах художника всегда имеет символическое значение. В яркой палитре выражается восхищение художника личностью врача.
Растением, которое изобразил художник на заднем фоне, является цветок наперстянка. Оригинальный цвет данного растения — красный, однако Ван Гог решил показать их желтыми. Когда-то именно это растение помогало Винсенту избавляться от стресса.

Забавно, что картина изначально не понравилась доктору. Поэтому неудивительно, что пылилась на чердаке, а затем вообще прикрывала дыру в курятнике. Лишь по совету художника Шарля Камуэна, обнаружившего эту работу, доктор Рей продал картину парижскому коллекционеру. Пройдя через руки многих коллекционеров, она оказалась в собрании С. И. Щукина. Вошедшая в собрание Сергея Ивановича картина стала единственным портретом кисти Ван Гога в собраниях российских коллекционеров.

Выбрать другие обзоры картин можно в закрепе.

​​Друзья, продолжаем неделю Винсента ван Гога и сегодня инетерсный и небольшой подкаст ребят из "Куинджи охрип".

Как Ван Гог экспериментировал с жизнью и самим собой. Куинджи охрип.

За 10 с небольшим лет Винсент Ван Гог создал более 2000 произведений, но за всю свою жизнь продал лишь одну картину. Легенд и вымыслов вокруг его имени сотни, подтвердить или опровергнуть некоторые из них специалисты не могут до сих пор. Кому Ван Гог подарил свое отрезанное ухо? Почему во французском Арле были недовольны соседством с художником? Правда ли, что он не умел рисовать людей? И как все-таки погиб Ван Гог?

Выбрать другие лекции и подкасты можно в закрепе.

​​Впечатление. Восходящее солнце. Клод Моне.

Полотну с первоначальным названием «Море» было предопределено великое будущее. Судьба картины была тернистой: её то похищали злоумышленники, то как-то возвращали в музей. Но самое важное, что ее создание стало преддверием нового взгляда на мир. В 1874 году работу готовили к выставке Анонимного общества художников, и в последний момент Клод Моне изменил название на «Впечатление. Восход солнца» (фр. Impressionsoleillevant), которое и даст основание целому направлению живописи — импрессионизму.

Изначально обществу, привыкшему к традиционным сюжетам, были абсолютно непонятны подобные картины. Отсутствие четких линий, разбросанный колорит и неожиданная тематика работ страшили зрителя. После посещения выставки многие зрители даже требовали вернуть потраченные деньги. Работу Моне сопоставляли с обоями в зале, ратифицируя, что даже обои смотрятся ярче и интереснее, нежели работа художника.

Что же именно стало ненавистно публике? На полотне представлен старый порт Гавр. Новаторство заключалось в том, что Моне отказался просто копировать реальность, он больше не стремился к достоверности, а лишь переносил на картину своё впечатление от увиденного. Детальное рассмотрение картины доказывает, что Моне писал ее несколько неряшливо. Быстрая рука, мелкие мазки, фигуры людей едва обозначены. Такая техника объясняется порывом вдохновения художника в момент написания восходящего солнца, которое с каждой минутой окрашивает небо в новые и новые цвета. У мастера было не более десяти минут, чтобы успеть создать контуры мачт, прописать воду, показать солнце и обозначить переливы солнечных лучей.

Работа выполнена с небольшим количеством цветов. Это неудивительно, так как мы ощущаем холодное утро в серо-синих тонах. Солнце могло бы стать ярким акцентом на полотне, но и оно выглядит мрачноватым, ещё укутанным в оковы уходящей ночи. При этом небольшое количество цветов не повлияло на общую атмосферу всей картины. Она выглядит насыщенно и позволяет почувствовать слегка прохладный чистый воздух и услышать шум волн.

Коллекционеры и страстные поклонники Клода Моне сейчас платят баснословные деньги за каталог, в котором под номером 98 числилась картина, давшая название целому явлению в мировой живописи.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Неизвестная. Иван Крамской

Данная работа написана в стиле реализма и стоит на границе портрета и тематической картины. На картине представлена девушка, проезжающая в коляске по Аничкову мосту в Санкт-Петербурге. Надменное выражение лица выдает натуру избалованную, капризную. Дама будто недоступна для зрителя в своей надменной красоте, но напускное хладнокровие не может скрыть внутренней энергии, страстности, которые заключены в её взгляде и позе. Никогда Крамской ранее не уделял столько внимания и пейзажу, и деталям одежды, написанным виртуозно, с особенной аккуратностью. Девушка одета модно. Однако, это далеко не означало ее принадлежности к высшему свету, скорее наоборот — кодекс неписаных правил исключал строгое следование моде в высших кругах русского общества. Кто же на самом деле эта «неизвестная»?

В своих дневниках Крамской не упоминал личность незнакомки. Для Ивана Николаевича подобная скрытность была делом противоестественным: обычно он охотно делился всеми своими творческими замыслами. Выделяется более 20 теорий о личности незнакомки. Так, её личность связывают с образом Анны Карениной из романа Л.Н. Толстого или Настасьи Филипповны Ф.М. Достоевского. Рассмотрим три самые интересные версии.

Изображенная Крамским девушка либо не принадлежит к светскому обществу, либо имеет исключительную возможность свободно нарушать принятые в нем правила поведения. Такое допустимо в случае, если даму поддерживает сам государь, который не хочет хранить в тайне особые отношения с неизвестной. Это объясняет теорию, согласно которой перед нами княжна Екатерина Долгорукова, которая в течение 14 лет была чрезвычайно близка с Александром II. Так, В Государственном архиве РФ можно найти их обширную переписку: 3450 писем от Александра II и 1458 писем от княжны.

Многие утверждают, что «Неизвестная» — собирательный образ женщины, которая вовсе не являлась примером для подражания. Будто бы Иван Николаевич написал картину с целью изобличения моральных устоев общества — модная одежда и накрашенные губы выдают в женщине типичную содержанку. Исходя из этой теории, критик Стасов назвал эту картину «Кокотка в коляске», а другие критики писали, что Крамской показал «одно из исчадий больших городов». Как ни странно, но позже в одной из чешских коллекций был обнаружен этюд «неизвестной». Девушка на нем выглядит еще более высокомерной и грубой, она будто с вызовом смотрит на проходящих. Это дало повод утверждать, что художник действительно вынашивал замысел создать осуждающий портрет. Однако в окончательном варианте Крамской смягчил черты неизвестной, облагородив её внешность.

Также имеет право на существование теория, согласно которой художнику для этой картины позировала его дочь, Софья Крамская. Если сравнить «Неизвестную» с картиной «Девушка с кошкой» — портретом дочери, то сходство действительно можно увидеть.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Матисс и русские. Искусство для пацанчиков.

Анри Матисс - французский художник, чертёжник, скульптор, гравёр - известен, в первую очередь, за особую технику использования цвета. Его работы, наряду с работами Пабло Пикассо и Марселя Дюшана, послужили основой для возникновения современного пластического искусства.

Вы узнаете, что именно продал Матисс, чтобы купить картину Ван Гога, что его больше всего вдохновило в московском Кремле и зачем Пикассо с корешами-кубистами кидал дротики в портреты его дочери.

Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​А, ты ревнуешь? Поль Гоген.

Поль Гоген проводил достаточно много времени в путешествиях. Однако исключительным уголком безмятежного счастья для него стал остров Таити, который художник описывал как «землю экстаза, спокойствия и искусства». О Таити художник отзывался с особенной теплотой: «Меня пленила эта земля и ее люди, простые, не испорченные цивилизацией». Гоген рассчитывал найти здесь воплощение своей мечты о золотом веке, где все люди свободны и живут в гармонии с природой. Именно на этом острове Гоген написал свои наиболее выдающиеся картины, одной из которых является полотно «А ты ревнуешь?».

Художник восхищался таитянскими женщинами. Его привлекало сочетание серьезности и простоты на их лицах, непосредственность и природное очарование. Однажды Гоген наблюдал за двумя таитянскими сёстрами. Девушки долго купались, после чего вышли на берег, чтобы отдохнуть на теплом песке. Во время ленивой протекающей беседы сестры затронули любовную тему. Тёплые воспоминания о любви прошлой и мечты о любви будущей обрываются лишь одной мыслью ближней к зрителю сестры: «А ты ревнуешь?». А стоит ли ревновать, будучи в земном раю, лишенном забот и полном блаженства? Очевидно, что данное чувство должно быть чуждо героиням. Именно поэтому заданный вопрос кажется таким неуместным.

Сестрам остается наслаждаться любовью и красотой — дарами, которые им преподносит сама природа. Картину стоит рассматривать как наиболее точное и полное воплощение мечты художника о тропическом рае. Обнаженные тела девушек переливаются бронзовым цветом. Ведь в тропическом рае в наготе нет ничего постыдного.

Именно в этот период жизни стиль Гогена приобретает особенную гармонию цвета и формы. Словно магическими красками переливается вода: это диковинное сочетание синего, чёрного и рыжевато-коричневого создает видимость мерцающего движения воды. Особенно привлекают внимание зрителя золотисто-коричневые тела сестёр, их расслабленные позы выглядят невероятно естественно. Гоген использует настолько яркую палитру, что, кажется, будто картина излучает жар тропического солнца.

Поль Гоген сам очень любил и высоко оценивал свою работу. В том же году, когда картина была написана, художник в письме другу делился впечатлением: «Недавно я написал шикарное ню: две женщины на берегу. Мне кажется, это лучшее из того, что я пока сделал».

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Завтрак гребцов. Пьер Огюст Ренуар.

К 1881 году французское общество захлестывает волна творческого азарта и оптимизма, жизнь становится легкой и насыщенной. Государство сократило рабочую неделю, из-за чего у белошвеек, заводских рабочих и грузчиков появляется больше свободного времени. Так почему же не потратить это время на отдых и развлечения? До сих пор единственным спортом для простых, небогатых людей были различные игры с мячом, а для более обеспеченных – верховая езда. Однако тенденции меняются, и вскоре самым популярным развлечением становится парусный спорт. Все парижские модники поголовно начинают учиться грести и более того, устраивают между собой различные соревнования.

Полотно художника изображает дружескую компанию последователей трендов, которые наслаждаются поздним завтраком на верхней террасе ресторана «Фурне» в городе Шату. Данное место было широко известно среди желающих заняться греблей, принять пищу и переночевать. Интересно, что ресторан «Фурне» в восстановленном виде работает до сих пор. Он выглядит точно так же, как во времена мастера, а известная терраса, на которой отдыхают герои картины, даже получила название по фамилии художника — «Ренуар».

Позиции и движения отдыхающих естественны, выражения их лиц непринужденны. Видно, что Ренуару приятна атмосфера завтрака, а также, что его привлекает собравшийся коллектив. Несмотря на кажущуюся сиюминутность сцены, ее композиция была тщательно проработана. Для написания картины художнику позировали его друзья, которые приезжали в ресторан по отдельности.

Молодая женщина слева – это Алина Шариго. Она была сожительницей, а позже женой Ренуара. Образ героини легок и беззаботен. Она играет с собачкой, не скрывая умиления. В период написания работы у Ренуара наступил творческий кризис. Художник не понимал, в какую сторону необходимо двигаться дальше, но близкое общение и поддержка со стороны Алины Шариго помогли художнику снова найти себя. Ренуар неоднократно писал жену на своих картинах. Так, помимо данной картины ее можно встретить в таких знаковых работах, как "Танец в деревне", "Мадам Ренуар с собачкой" и "Материнство".

Позади нее, облокачиваясь на перила, стоит сын владельца ресторана Альфонс Фурне-младший. В группе людей справа можно узнать художника Гюстава Кайботта, сидящего вполоборота к зрителю. Рядом с ним сидит известная модель Анжель Лего, а над ними склоняется успешный журналист того времени – Антонио Маджиоло. Также на полотне художник запечатлел актрису Жанну Самари в характерной, уже знакомой зрителю позе.

На картине много светло-желтых и зеленоватых оттенков. И хотя Ренуар не показал солнечных бликов, как пару лет назад показывал на картине «Две сестры», полотно превосходно изображает атмосферу жаркого летнего дня. В целом, картина получилась легкой, солнечной, наполненной красками. Герои застыли как будто в случайных позах. Создается ощущение непринужденной обстановки. «Завтрак гребцов» – эмоция, впечатление и сиюминутность в чистом виде.

Выбрать другие обзорвы можно в закрепе.

Science Art? Чё такое Science Art? Искусство для пацанчиков

Если скрестить науку и искусство что из этого получиться? Вот о чём этот эпизод!

А еще будет лайфхак, как слушать картины Кандинского, узнаем, как заставить свой мозг звучать, как нарисовать картину по запаху человека, почему академия наук выжила художников из своих рядов, как Библию записать на генетическом уровне и зачем художник Стеларк вырастил ухо на собственной руке и много-много других сумасшедших идей для веселой жизни.

После прослушивания вы получите базовые знания в сайнс-арте, а возможно захотите создать свою нейросеть, со мной так и случилось.

Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​Ночное кафе в Арле. Поль Гоген.

По просьбе брата Винсента ван Гога в 1888 года Поль Гоген переехал в Арль, небольшой городок на Юго-Востоке Франции, где жил Винсент. Известно, что Тео в буквальном смысле заплатил Гогену за то, чтобы тот приехал, более того, он ручался что продаст несколько его работ. Позже Гоген даже жаловался, что его «купили, как проститутку», однако деньги он принял.

В французской коммуне Ван Гог и Гоген мечтали основать новую колонию мастеров, которая была бы свободна от цензуры. Первое время художники считали себя единомышленниками, но вскоре столкновение двух сложных характеров привело к крупным ссорам. Одна из таких стычек чуть не лишила Гогена жизни. Однажды ночью разгневанный Ван Гог набросился на спящего Гогена с ножом. Несмотря на то, что всё обошлось, Винсент сильно переживал о случившемся. А Поль Гоген решил уехать из города.. После данного эксцесса творческий дуэт двух художников прекратил свое существование.

Несмотря на то, что поездка оказалось неудачной, художник все же успел запечатлеть Арль в работе «Ночное кафе в Арле». На картине показано кафе на привокзальной площади, недалеко от дома, где жил Винсент.

Передний план картины занимает немолодая женщина. Её образ весьма загадочен, как будто “джокондовский”. Черно-белый наряд придает героине строгости, на ее лице видна тень утомления. Прототипом женщины являлась мадам Жину, жена владельца квартиры, которую арендовал Винсент. Первоначально он сам хотел написать ее портрет, но женщина не давала согласие. Однако с приездом Гогена художникам все же удалось изобразить хозяйку. Зайдя в кафе, художники пригласили мадам Жину выпить кофе. Им было важно, чтобы она села за их столик. Гоген быстро сделал набросок, одновременно приговаривая, что мадам Жину обязательно увидит свой портрет в Лувре. И он ее не обманул.

Задний план полотна наполнен образами и деталями. Посетители кафе изображены обобщённо, они едва обозначены и почти сливаются в одно яркое многоцветное пятно. Над компанией посетителей вьются клубы дыма, придавая атмосфере кафе призрачности. Несмотря на очень яркие краски, ощущаются равнодушие и тоска.

Картина построена на гармонии больших цветовых пятен, обведенных строгой линией. Такой стиль отразил принципы новой живописной системы Гогена, названной им «синтетизмом» и получившей дальнейшее развитие в таитянских работах. Именно обобщенность придает краскам картины особую выразительность, неприемлемую, однако, для тогдашних официальных выставок.

Как и многие картины Гогена, эта работа была впервые оценена русскими меценатами. Изначально она оказалась в частном собрании Морозова, но уже в 1918 году все его наследие национализировала советская власть. Так, в 1929 году картина была использована для пропаганды трезвого образа жизни. Сегодня же с картиной можно познакомиться в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина.

Выбрать другие обзорвы можно в закрепе.

​​Сельский крестный ход на пасхе. Перов.

В начале 1860-х Перов создает серию картин, которым присуща антиклерикальная тенденция. Самой яркой из серии является картина «Сельский крестный ход на пасху». Работа не оставила критиков равнодушными. Первое ее появление на публике вызвало жаркие споры. Одни были уверены, что мастер гениально продемонстрировал действительность церкви в русском селе, другие обвиняли художника в предвзятости и попытке осквернить Православие. Художнику даже грозили ссылкой. А Третьякова заставили снять картину с экспозиции.

Сцена происходит ранним весенним утром. Участники, судя по всему, заходят уже не в первый дом и успели неплохо «устроиться». В глаза сразу бросается фигура священника в праздничном наряде. Алкоголь убил в нем все человеческое. Лицо лишено “святости”, а глаза почти не видны на опухшем от пьянства лице.

Прихожане подобны своему «духовному лидеру». Молодая крестьянка на переднем плане, напевающая молитву, будто собралась идти в противоположную группе сторону.

Потрепанный старик рядом с ней держит икону ликом вниз. Пасмурный пейзаж, хаотичное движение участников хода, тоскливый рассвет подчеркивает жалкий вид всей сцены. Процессия проходит не лучшим образом, священный обряд превратился во что-то несуразное. Путь до церкви, виднеющейся вдали, будет долгим. Несложно предвидеть, во что превратится ход у церковных ворот.

Художник пытается рассказать о людях, он не желает высмеивать Православие. Именно поэтому автор старательно упрощает все детали, связанные с православной символикой. Далеко не каждый зритель будет способен разглядеть крест в руках священника, образы преднамеренно не детализируются, показаны лишь очертания. Перова всегда интересовали типажи русских людей. Художник даже из поездки в Италию вернулся раньше срока, так как посчитал, что та жизнь ему непонятна, и создать там что-то “свое” он не сможет. Целью его иронизирования является непорядочное священство, а не сама вера. Художник призвал переосмыслить бытие, вернуться к истокам, моральной чистоте. «Тот, кто должен был статься духовным лидером, впал во искушении и не только не выполняет свою миссию, но и ведет других по ложному пути» (Василий Перов).

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Что скрывается за гениальностью да Винчи. Куинджи охрип.

Правда ли, что НАСА использует роботов, созданных по чертежам да Винчи? Куда делись брови Мона Лизы? И как да Винчи повлиял на шампур для шаурмы? Обо всем этом в подкасте говорят вместе с кандидатом культурологии  и преподавателем РГГУ Валерией Косяковой.

Выбрать другие лекции про искусство можно в закрепе.

​​Венера Урбинская. Тициан.

Одна из известнейших работ Тициана — Венера Урбинская — никогда не должна была висеть в галерее. Игривый и нарочито открытый, дерзкий взгляд этой девушки никогда не должен быть пересекаться со взглядами проходящих мимо зевак. Её тело не было предназначено для любопытного разглядывания толпами туристами. Улыбается она не искусствоведам и не критикам. Это был взгляд, предназначенный для одного мужчины. Своё тело она предлагала одному мужчине. Улыбалась девушка одному мужчине. И себя доверила только одному.

Работа Тициана была свадебным подарком близкому другу. Она висела в спальной молодоженов — интимная, теплая и игривая обстановка картины должна была создавать в отношениях между супругами атмосферу любви, готовности отдать любимому всё, готовности разделить с ним ложе. Поэтому многим взгляд Тициановской Венеры, буквально отдающей себя зрителю, кажется взглядом куртизанки. Но художник изобразил лишь верную жену. И Тициан всячески нам намекает на это, подсказывает случайному зрителю. Розы в руках Венеры и мирт на подоконнике — спутники этой древнеримской богини, символы плодородия в браке и символические пожелания молодоженам от художника. Служанки, готовящие платье для своей хозяйки, достают его из особого сундука — кассоне. Эти итальянские расписные сундуки (обычно изготавливающиеся парными) были традиционно свадебным приданным в эпоху Возрождения. Свернувшаяся клубком, преданно ждущая хозяина собачка тоже, скорее всего, оказалась на картине Тициана неслучайно. Она символизирует верность в браке.

Картина цепляет взглядом. И для каждого зрителя этот взгляд означает разное. Холодному зрителю может и кажеться, что на картине всего лишь бесстыжая куртизанка, а цель работы — удовлетворить плотские желания. Любящему зрителю кажется, что взгляд Венеры предназначен только для него. И такой зритель видит в donna nuda свою собственную Венеру Урбинскую.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

Cамая быстрая история русского искусства XX века. Арзамас.

Если Вы еще не видели великолепную лекцию от наших друзей из Арзамаса, то сейчас самое время! Авангард и соцреализм, Петров-Водкин и Дейнека, «Черный квадрат» и «Опять двойка», митьки и концептуалисты, русский модерн и человек-собака — всё, что должен знать каждый, разложено по полочкам в видео Arzamas.

Посмотреть лекцию можно по ссылке. Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​Рождение Венеры. Александр Кабанель.

Александр Кабанель почти всю свою сознательную жизнь провел в Париже. Именно в этом городе художник обучался, работал и заслужил признание. Он был обожаем правителями и обласкан публикой. В чем же секрет такого внимания? Всё просто, Кабанель всегда знал, чего действительно хочет публика, и умел грамотно ей потакать. Во Франции уже прекратилась цепь революций, и люди хотели, наконец, пожить в свое удовольствие. Придумывать что-то новое и стараться понять что-то сложное не хотелось. Люди желали любоваться чем-то красивым и простым для понимания. А работы Кабанеля как нельзя кстати попадали под установленные критерии. Они были неизменно технически качественны, реалистичны (при этом без грубого натурализма), с приятной глазу подборкой цветов. Такая миловидная посредственность заставляла заказчиков выстраиваться в очереди.

Однако, стоит отметить, что творчество Кабанеля было не столько случайным явлением, сколько олицетворением устоявшегося принципа. Речь идет о салонной живописи. Многочисленные идолы салонного классицизма: Кабанель, Бугро, Эннер, Бодри владели всеми историческими стилями, при этом они так и не выработали своего собственного. В основном, данный стиль содержал в себе довольно обыденные детали: совершенное тело, мифологический сюжет, нежная, хоть и достаточно банальная колористика. Такие картины были слащавыми, и от них будто исходили ароматы роз и фиалок.

Концепция данной картины завязана на мифологическом сюжете о рождении богини Венеры, которая появилась обнаженной из морской пены. Картина получилась очень нежной. Тело богини мягко покачивается на волнах, тем самым повторяя их естественные изгибы. Глаза Венеры полуприкрыты, руки лениво заброшены за голову. Одна из них согнута в локте, как бы показывая, что Венера не намеревается проснуться. Ей сладостно спится, она нежится в теплых волнах, омывающих ее. А вокруг витают, резвятся ангелочки, трубящие в раковины и возвещающие о рождении богини.

Эмиль Золя, известный французский критик, писал о картине следующее: «Богиня, утопающая в молочном море, припоминает прелестную куртизанку, но сотворённую не из плоти и крови — это было бы вызывающе, — а сделанную из белоснежного и розового марципана.»

Даже Эмиль Золя отмечает схожесть девушки с женщиной легкого поведения. Так почему же публика не критикует картину как нечто пошлое и неприемлемое? Все дело в мифологии. Внедрение мифологического сюжета давало возможность внести в картину элементы эротики, не оскорбляя моральных устоев публики.

«Рождение Венеры» - простая и бесхитростная картина. Исходя из контекста, становится понятно, что, наверное, не стоит искать в ней психологического подтекста и глубины.

Выбрать другие обзоры можнов закрепе.

​​Мадонна. Эдвард Мунк.

Эдвард Мунк – яркий модернист, это касается как его творчества, так и общего понимания художником общества. Поэтому неудивительно, что ему приписывают фразу: «Я не буду изображать декорации, на фоне которых мужчины читают, а женщины вяжут. Я буду писать живых людей, которые дышат, чувствуют, страдают и любят». Для воплощения таких человеческих эмоций художнику не хватало средств классического реализма. Поэтому Мунк открывал новые пути в искусстве, во многом опередив свое время.

С ранних лет Мунк узнал, что такое болезнь, смерть близких, страх, депрессия и сумасшествие. Повзрослев, художник приобрел необычное отношение к женщинам, он их часто не понимал, порой даже боялся их. Вот почему он избегал длительных отношений. Основная загадка женской сущности для Мунка выражалась в их быстрой изменчивости. Именно поэтому на полотнах художника женщины всегда таинственны и неоднозначны.

В 1894 году мастер написал свою «Мадонну». Спустя год к ней он создал литографию. Всего существует 5 версий данной картины, две из которых находятся в частных коллекциях. Большинство искусствоведов считают, что истинной глубиной обладает именно первая версия Мадонны, которая не отягощена деталями. Литография же значительно отличается от классического варианта. У нее есть специальная рама, на которой изображены сперматозоиды, а также маленькая, но значимая фигура – эмбрион в нижнем левом углу. При написании данной картины у мастера была идея отразить основные периоды жизни любой женщины: зачатие (сперматозоиды), воспроизведение потомства (эмбрион) и смерть (сама Мадонна).

Мадонна норвежского художника почти не имеет ничего общего с классическим образом Девы Марии. Пожалуй, единственным сходством является нимб над головой. Тело героини пластично, живот особенно подчеркнут, руки изображены схематично, они будто исчезают за полупрозрачным фоном. Максимальное очеловечивание образа Мадонны, попытка показать ее земное, а не небесное величие – вот, главная задача, которая стояла перед Мунком. Интересно, что художник неоднократно изменял название картины. Среди версий были "Зачатие" и "Любящая женщина". Мунк все же решился на "Мадонну", тем самым показав свое отношение к написанной женщине.

Героиню художник писал с натурщицы Дагни Юль. Данная особа являлась роковой музой многих деятелей искусства того времени. За ее бесконечные романы девушку даже именовали «пожирательницей мужчин». Одно время она была любовницей Мунка, однако на момент написания работы она уже была женой друга художника. Увидев в образе Мадонны привычную всем «пожирательницу мужчин», зрители, мягко говоря, были в шоке.

Весь образ героини окружен каким-то ореолом. Есть ощущение некоего внутреннего сияния, немного загадочного, даже магического. Цветовая палитра художника очень скромна. Несмотря на избранную тему, которая ассоциируется с любовью, страстью и животворящей энергией, колорит картины дает зрителю тяжелой осадок и даже вызывает ощущение тревоги. Это тот самый эффект, который намеревался создать художник-экспрессионист.

Находится ли Мадонна на пике наслаждения или показана в момент последнего вздоха, когда душа вот-вот покинет тело? Любовь и смерть в работах Мунка часто становятся синонимами. В ХХ в. критики даже усматривали в этой картине предупреждение о надвигающейся угрозе для всего человечества.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Мальчик с собакой. Мурильо.

Мурильо является одним из самых популярных художников Испании середины XVII века. Живописца особенно интересовали библейские сюжеты, но среди его работ есть и посвященные бытовым сценам. Особенно часто он изображал детей. На сегодняшний день картину “Мальчик с собакой принято считать одной из жемчужин Эрмитажа.

«Мальчик с собакой» — довольно нехарактерная для Мурильо работа, поскольку в ней отсутствуют помпезность и напускное величие, характерные для других, как правило, религиозных картин художника. Эта картина будто сиюминутный взгляд на случайную бытовую сцену. Мастер стал свидетелем встречи мальчика и собачонки. Художник был настолько вдохновлен их дружбой, что решил посвятить ей картину. Мастер избавляется от лишних, на его взгляд, деталей, концентрируя внимание зрителя на фигурах мальчика и его верного друга. Благодаря этому приему, все внимание смотрящего направлено на приветливое лицо ребенка.

Ребенок изображен на картине в своих крестьянских одеждах. Незамысловатый желтый жилет и белая сорочка – вот традиционный наряд простолюдинов того времени. У него худощавое лицо. Легко догадаться, что ребенок плохо питается, но это никак не влияет на его жизнерадостность. Он улыбается так лучезарно, что невольно делится положительной энергией со зрителем, которому непременно тоже захочется улыбнуться, глядя на картину. Художник отобразил небольшое покраснение глаз у ребенка, что свойственно либо при хронической усталости, либо наличии заболевания. Тем не менее, это не умаляет очаровательности ребенка. На мрачном фоне оба героя выглядят радостными. Мальчишка улыбается от нежданной встречи и протягивает руку к собачке, чтобы погладить её.. Собака чувствует добрые намерения мальчишки и также тянется к нему.

Несмотря на отсутствие яркого фона и мелких деталей Мурильо проявил себя как прекрасный колорист: сочетание голубого неба и мягкого желтого жилета мальчика, темного голубого цвета куртки и холодных, кое-где перламутровых тона кожи создают изысканную цветовую гамму.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Как услышать Эдварда Мунка? Куинджи охрип.

Будущий художник еще ребенком пережил смерть матери, брата и сестры, и это, конечно, повлияло на его психологическое состояние: Эдвард Мунк боялся смерти и опасался природы, не любил цветы, связывая их с болезнью или похоронами, а отношения с женщинами считал помехой творчеству. И все эти страхи отразились в его работах.

Почему картины Мунка заставляют нас нервничать? Что связывает знаменитый "Крик" с Достоевским? И почему художник не любил писать руки и пальцы? Разобраться во всем этом можно в подкасте!

Выбрать другие подкасты и лекции можно в закрепе.

​​Урок анатомии доктора Тульпа. Рембрандт.

«Урок анатомии доктора Тульпа» – одна из признанных “икон” в истории искусства, созданная 25-летним Рембрандтом после переселения из родного Лейдена в Амстердам. На тот момент Амстердам являлся одним из наиболее быстрорастущих городов Европы, где благоденствовал средний класс, который как раз и являлся основным заказчиком картин.

Впервые в истории, почувствовав обеспеченную жизнь, голландские купцы и ремесленники захотели стать частью искусства. Однако их уже не интересовало изображение святых и богов античных мифов, как это было раньше. Заказчики сами стали героями и хотели оставить потомкам именно собственные изображения. Горожане портретировались одни, с женами, с детьми и даже целыми предприятиями.

Общий портрет амстердамской Гильдии хирургов был заказан у Рембрандта всего через год после его переезда, даже несмотря на то, что местные мастера были старше и опытнее в мастерстве написания группового портрета. Но почему они выбрали именно Рембрандта? Рембрандт создал нечто совершенно новое. Художники Амстердама скорее всего просто взяли бы за основу предыдущее портреты хирургов, изобразив лица героев на месте предшественников. Как правило модели сидели в ряд и смотрели прямо на живописца. У Рембрандта врачи повернуты в пол-оборота и сгруппированы в форме пирамиды. При этом интересно, что главный образ находится не на вершине пирамиды. Художник пренебрегает тенденциями тяготения к реализму, сосредоточивая интерес к психологическим аспектам картины. Эта картина также является уникальной, поскольку это первая работа, которую художник подписал своим именем, что говорит о его нарастающей уверенности в собственных силах.

Процедура, показанная на картине, называется аутопсия. Ранее такое вскрытие производилось раз в год Амстердамской гильдией хирургов. Каждый мог побывать в качестве зрителя. Старейшины гильдии специально приглашали мастеров для того, чтобы они запечатлели их мастерство.

Главным героем является доктор Тульп, который демонстрирует мышцы на левой руке трупа. Он – единственный персонаж в шляпе, таким образом художник отмечает его привилегированный статус. Тульп деловит, сдержан, но в то же время оживлен и уверен.

Покойником является недавно казнённый вор Адриан Адрианс. Он был приговорен к смертной казни через повешение. На картине его тело. Оно полностью освещено, а ступни почти упираются в книгу в правом нижнем углу. Вероятнее всего, это книга “De humani corporis fabrica” («Строение человеческого тела», 1543) Андреаса Везалия.

В целом Рембрандт показывает девять разных фигур. Семеро коллег Тульпа смотрят в разных направлениях: одни — на тело, другие — на лектора, третьи — прямо на зрителя. Каждый из них имеет свое личное психологическое выражение. Один из хирургов держит в руках листок, содержащий список имён собравшихся. Стремясь создать иллюзию реальности, художник делает участником происходящего самого зрителя. Мы как будто входим в аудиторию во время лекции, и трое из слушателей вдруг оглядываются на нас.

Работа имеет символический подтекст. Ведь на ней изображен «триумф истины», победа знания, олицетворенного в докторе Тульпе над смертью и грехом, воплощенном в трупе Адриана Адрианса.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Амедео Модильяни: художник, у которого сразу всё пошло не так. Куинджи охрип.

Жизнь Амедео Модильяни с самого рождения была полна странных событий. В 5 лет Дедо, как его называли в семье, заболел тифом и, по легенде, во время болезни он бредил именами великих итальянских художников, словно увидев свое же будущее. Модильяни было всего 35, когда он умер. "Смерть настигла его на пороге славы", – написали на надгробии художника.

Почему Модильяни писал глаза без зрачков? Что было между ним и Анной Ахматовой? И правда, ли что единственная прижизненная персональная выставка Модильяни длилась всего час?

Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​Падение Икара. Питер Брейгель.

Икар и его отец Дедал были схвачены и помещены в тюрьму-лабиринт царя Миноса за помощь, оказанную царице Пацифее. Однако, Дедал нашел способ для побега. Он смастерил две пары крыльев из воска и перьев, одну — для себя, другую — для сына. Так, они смогли сбежать из тюрьмы. Перед взлетом Дедал объяснил Икару, что если тот приблизится к морю слишком близко, то вода намочит перья и утяжелит их, а если полететь слишком высоко к солнцу, то оно расплавит воск, из-за чего крылья сломаются. Икар согласился с отцом, но он так пристрастился к полету, что вопреки словам отца полетел слишком близко к солнцу. Он летел так высоко, что солнце растопило воск, крылья сломались, и он упал в море, где вскоре утонул.

Действие происходит на фоне красивого пейзажа, созданного в традициях голландской живописи. Только внимательный взгляд пастуха, который устремлен в небеса, дает возможность предполагать, где же отец Икара. Сына же вполне нетрудно найти на картине. Приглядевшись, вы сможете разглядеть его ноги и пару перьев над водной гладью. Только это и сохранилось от дерзкого Икара, решившего улететь выше всех. При всей трагичности данного сюжета Икар практически не заметен. Перед зрителем в основном показана мирная жизнь рабочих: вот пахарь идет бороздой за своей лошадью, над морской гладью развеваются паруса торгового судна, а вдалеке рыбаки закидывают свои сети. Крушения юноши никто не заметил. Все заняты делом.

Однако, на полотне все же есть кто-то, кому весьма любопытна судьба Икара. Это серая куропатка, сидящая на ветке над краем обрыва. Почему именно она? Согласно мифу, Дедал был вынужден бежать на остров Крит после того, как убил собственного племянника Пердикса, который ранее был его учеником. Он сделал это, поскольку побоялся, что ученик превзойдет мастерство своего учителя. Дедал столкнул Пердикса со стены Афинского акрополя. Увидев эту сцену, богиня Афина сжалилась над Пердиксом, превратив его в куропатку. Поэтому у неуклюжей куропатки были все основания наблюдать за тем, как тонет единственный наследник её убийцы. Исходя из этого, зритель может сделать вывод, что смерть Икара вовсе не трагическая случайность. Это справедливое возмездие Дедалу за его смертный грех.

Существует несколько теорий отношения самого художника к картине. Первая теория говорит о том, что мастер осуждает заносчивость и дерзость Икара. При этом художник сравнивает поведение юноши с рутинным тяжким трудом рядовых крестьян, которые является композиционным центром картины. Труженики твердо стоят на земле и четко знают свои цели, в отличие от юного мечтателя, парящего в облаках и рискующего с них упасть. Другая теория отсылает нас к нидерландской пословице «Geen ploeg staat stil om een stervend mens», что в переводе на русский означает: «Ни один плуг не остановится, когда кто-то умирает».

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.