Шагал и авангард. Арзамас.

Продолжаем неделю Марка Шагала и сегодня у нас небольшая лекция, посвященная его пути.

В нем искусствовед Екатерина Селизнёва постоянный приглашенный эксперт в парижском Комитете Шагала и куратор многочисленных выставок, рассказывает о том, почему мальчик Мовша из провинциальной еврейской семьи решил стать художником-авангардистом и как ему удалось покорить весь мир.

Послушать лекцию. Выбрать другие лекции про искусство можно в закрепе.

​​Танец. Анри Матисс.

Значительный вклад во французское искусство начала ХХ века внес Анри Матисс. Современники художника были поражены буйством красок и силой эмоций, которые вызывали его работы. И действительно, “почерк” Матисса нетрудно распознать. “Почерк” представляет собой упрощение фигур, порой до схематизации, а также нанесение ярких красок широкими мазками с нивелированием светотеней. Все, над чем когда-то усердно работали предшественники, Матисс отвергает. Поэтому неудивительно, что острый на язык французский критик Луи Восель определил работы Матисса как «fauve», что с французского переводится как «дикий», поэтому стиль Матисса и его последователей получил название «фовизм».

В 1908 году Сергей Щукин заказал у Анри Матисса три больших полотна, которые должны были украшать залы в доме коллекционера. Планировалось, что они будут изображать танец, музыкантов и купание. Несмотря на гениальное начало в виде создания «Танца» и «Музыки», картина «Купание» так и не была написана.

Реальность Матисса представлена будто через калейдоскоп: колоритно, живо, весело, с неким вызовом традициям. На картине «Танец» пять женских фигур, кружащихся в хороводе. Здесь нет пейзажа, нет лишних деталей, есть только процесс. Фигуры замыкают круг, настолько заряженный энергией, что создается впечатление, будто от холста должно искрить.

Матисс окончательно уходит от детализации. Более того, он не использует «расплывчатость» импрессионизма. Здесь важно отметить его описание: «Мы стремимся к ясности, упрощая идеи и пластические средства. Цельность — наш единственный идеал… Речь идет о том, чтобы учиться и, быть может, учиться заново писать линиями».

Матисс действительно предельно лаконичен. На картине лишь изумрудная зелень, лазурное небо и пылающие огнем тела. Цвета картин кричащие, формы просты. При этом в полной мере передают пластику движений. Обнаженные тела несут ощущение некой первобытности. Невольно возникают ассоциации с наскальной живописью. Фигуры не только свободны от одежды, но и лишены всяких временных и исторических рамок. Они будто не осознают своей наготы.

Танцевальный экстаз тел возмутил поклонников признанных красавиц академического рисунка и нагих нежных амуров. Хотя нагота на картинах — дело привычное, здесь – больше, чем нагота. Чистый экстаз, жгучая страсть выплескиваются на зрителей из этого полотна. Этот экстаз будто выходит за пределы картины. Музыка полностью овладевает телами. «Танец» – это желание автора зафиксировать мгновение жизни, которое удалось в совершенстве.

Друзья, бот на обслуживании. «Положение во гроб» Караваджо будет через 2-3 часа.

​​Положение во гроб. Караваджо.

Один из первых элементов, на который стоит обратить внимание — отсутствие фона. Это так называемый темный стиль (тенебризм). Таким образом Караваджо воссоздал сцену, события которой происходят ночью. Герои будто освещены гигантским прожектором, что создает драматический эффект. На фоне нет ни природных ландшафтов, ни архитектуры, благодаря чему зрителю сразу удается сконцентрироваться на персонажах. Перед нами 6 героев. В своем расположении группа героев компактна и монументальна, словно скульптура. Тело Христа со стороны головы держит святой Иоанн. Самый молодой и любимый ученик Христа. Со стороны ног его удерживает Никодим. В темно-синем одеянии – святая Мария, мать Христа. Вытирает от слез лицо Мария Магдалина. А стоящая поодаль фигура – это Мария Клеопова, её глаза словно ищут божественный ответ на происходящее. Скорее всего, она является родственницей Христа. Вместе три женщины представляют разные, но дополняющие друг друга выражения страдания.

Подходящие лица для картин Караваджо находил среди простых трудяг и женщин легкого поведения. Так, Мария Клеопова – это проститутка Филлида. Она же позировала ему для картины “Марфа и Мария Магдалина”. Зрителей того времени изображение простолюдинов в лице святых особенно возмущало, но Караваджо был далеко не из тех, кто считался с чужим мнением. Поэтому неудивительно, что он не стеснялся изображать святых с грязными руками, ногами и даже следами загара.

Отчетливо видно, как святая Мария, прощаясь с сыном, протягивает руку к его лицу. Караваджо изобразил святую Марию в возрасте около 55 лет. По-видимому, она выглядит старше своих лет из-за постигшего ее горя. Приглядитесь к ее лицу. Это не старуха, как часто ее обозначают. Это женщина за 50, убитая горем. Ее возраст реалистичен. Именно так вполне могла выглядеть женщина, сыну которой 33 года. Ранее, ещё до работ Караваджо, святую Марию изображали исключительно молодой, идеализировав ее образ.

Интересна фигура Никодима. Он был жителем Иудеи и тайным учеником Христа, именно он снимал гвозди с его ног. Прекрасно прописанные вены на его ногах вздулись. Видно, что он держит свою ношу из последних сил. Мы будто наблюдаем за тем, как они медленно опускают тело Христа к каменной гробнице, которая одним из углов повернута к зрителю – этот угол как бы прорывает тонкую преграду между миром картины и реальностью зрителя.

Важно отметить, что в творчестве Караваджо всегда стоит обращать внимание на руки. Они помогают раскрыть основные идеи художника и являются своеобразным указателем к кульминационным моментам. Несомненно, самая важная деталь сюжета - безжизненная правая рука Христа. Она едва касается камня. В свою очередь, руки скорбящей Марии жестикулируют к небесам (она взывает к милости). Караваджо отсылает нас к одному из важнейших посланий Христа: Бог сошел на землю, и человечество примирилось с небесами.

​​Друзья! К последнему обзору на картину Караваджо предлагаю послушать восхитительную лекцию от Анастасии Четвериковой. Дайте знать огоньками, если Вам понравится подобный формат лекций.

Караваджо - пацанчик эпохи Барокко. Искусство для пацанчиков.

Между 1600 и 1605 парниша по прозвищу Караваджо 11 раз попадал в список правонарушителей! Ему предъявляли швыряние подноса в лицо официанту, ношение меча и кинжала без лицензии, битье стёкол в доме своего хозяина, забравшего мебель за неуплату, угрозу ножом и расправой натурщикам и даже убийство! Как при этом ему удавалось быть гениальным художником и заставить всех последующих подражать и гордо называться караваджистами, а современным художникам, фотографам и режиссерам учиться у него?

Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​Тройка. Перов.

Во времена жизни художника запряженные в сани дети, которые тянут громадную обледеневшую бочку, считались нормой. Художники, писатели, композиторы и иные деятели искусства между тем, как могли старались отразить в своих работах страдания русского народа. Поношенная одежда и страдальческий взгляд — результат изнурительного труда. Художник заставляет общественность ужаснуться положению детей, просит проявить милосердие. Работа стала громким протестом против использования детского труда и безжалостного отношения к детям.

По зловеще мрачной дороге, сплошь окруженной ледяной метелью, три ребенка везут огромный чан с водой, покрытый рогожей. Видно, что вода выливается из бочки, мгновенно превращаясь в сосульки. Пустынная улица, монастырская стена, две человеческие фигуры: кутающийся в шубу мужчина и подталкивающий сзади бочку с водой мастер. Художник прячет лица взрослых людей. Они словно вне сюжета. Именно поэтому Перов специально выбирает самые мрачные и невыразительные краски для своей работы. Даже снег непонятного серо-коричневого цвета. Свет выхватывает из морозной дымки лишь трех главных героев.

Три детские фигуры, разные, но одинаково измученные, запряжены в повозку схожи тройке лошадей. Справа мы видим единственную девочку. Глаза едва открыты, на лице выражение невыносимой пытки. Волосы тормошит морозный ветер, а тяжелые не по возрасту гигантские ботинки еще больше выделяют хрупкость девочки.

Нетрудно догадаться, что мальчик слева – самый младший из детей. Непосильный труд почти полностью лишил его сил. Посмотрите, как безжизненно он опустил руку. Тонкая бледная детская шея с напряженными, вздутыми венами, и взгляд, полный отчаяния придают ощущение, что мальчик вот-вот упадет на сырую землю от очередного порыва ветра.

Известно, что Перов долгое время не мог найти подходящую модель для центрального героя картины. Как старший из тройки, ребенок пытается быть настоящим лидером. Он, преодолевая боль и холод, скрывает свою усталость. Нацеленный довести чан до намеченного пункта, он одним только своим стремлением придает силы ослабевшим товарищам. Поражает взгляд этого ребенка, в нем одновременно существуют обреченность и вера в лучшее, понятия, которые, как правило, не должны существовать вместе.

Мальчик, позировавший для картины, спустя пару лет скончался. Его мама, небогатая женщина, продала все, что у нее было и отправилась к Перову просить отдать полотно, чтобы она смогла хоть как-то «смотреть на Васеньку». В то время оно уже являлось собственностью Третьякова. Попав в Третьяковскую Галерею и увидев картину, женщина упала на колени и громко заплакала. Такая сцена сильно задела художника, и он написал портрет ребенка по памяти и подарил картину женщине.

​​Девочка на шаре. Пикассо.

Начало XX века неразрывно связано с поиском новой эстетики в искусстве. Это время сопровождалось яростными конфликтами между сторонниками устаревающих традиций и разобщенными последователями пока никому не понятного новаторства. Тревожность ожидания наступающего столетия удивительным образом сформировало своеобразное духовное родство между художниками-новаторами и артистами цирка. Такое родство было обусловлено небрежным отношением со стороны общества. Артистов и художников объединяли непрерывный мучительный творческий поиск, повседневная неблагоустроенность и непредсказуемость вечного скитания.

Обычно у бродячих циркачей не бывало друзей и родных вне цирковой труппы. Поэтому даже случайная травма могла отобрать не только довольно мизерный заработок, но и оставить в одиночестве. Когда зритель замечает скулы атлета, ему становится понятно, что атлет понимает безутешность ситуации. Именно поэтому его взгляд никуда не направлен и он целиком в своих мыслях.

А девочка на шаре ещё в тех самых беззаботных годах, когда об одиночестве и деньгах даже не задумываешься. Лёгкая и хрупкая артистка умело балансирует на шаре. Ее веселит собственная умелость и гибкость. Невольно зритель сам ощущает пошатывание, желание удержать равновесие. Но шаткое положение девочки — результат игры, а не неловкости. Девочка будто бы парит в воздухе, едва касаясь шара ногами.

Полотно заполнено воздухом. На картине полно абсолютно чистых цветовых полей. Пейзаж на фоне пустынен. Пикассо в свойственной ему манере дерзко работает с цветом. Иногда он выбирает его как будто спонтанно. Зеленоватое небо и розоватый пейзаж делают картину теплой, а небольшие бледно-красные детали добавляют в сюжет игривости и легкомыслия. Данная работа является продуктом синтеза “Голубого” и “Розового” периодов художника. Она прекрасно совмещает в себе и неосязаемую тревожность первого, и легкую беспечность второго. Парадокс сочетания стилей периодов обусловлен применением двух цветовых палитр, и за счет противопоставления основных фигур картины.

Интересно, что некоторые искусствоведы утверждают, что девочка на шаре восходит к образу ренессансной богини судьбы, Фортуны. А устойчивый куб, на котором сидит атлет, символизирует Доблесть. Так латинский афоризм гласит: «Sedes Fortunae rotunda, sedes Virtutis quadrata», что дословно переводится как «Сиденье Фортуны — круглое, сиденье Доблести — квадратное». Такая теория кажется вполне возможной, учитывая любовь Пикассо к аллегориям, а также то обстоятельство, что к 1905 году художник активно посещал лекции поэта Мореаса, который призывал возвращаться к идеалам греко-латинской литературы.

​​Друзья, продолжаем неделю Пикассо и сегодня просто восхитетельный подкаст от ребят из "Куинджи охрип".

Пикассо, который жил по своим правилам. Куинджи охрип.

Пабло Пикассо – художник, о котором можно говорить только в превосходной степени: самый дорогой, самый известный и самый "популярный" среди похитителей. Свою первую серьезную картину – "Пикадор" – Пабло Пикассо написал на деревянной коробке и держал при себе всю жизнь. Всего же он создал несколько тысяч картин, набросков, скульптур и керамических изделий, и 1147 из них числятся украденными.

Как все-таки правильно – Пика́ссо или Пикассо́? Почему в его имени целых 23 слова? Правда ли, что он использовал свои картины вместо дров? И почему его портрет Сталина вызвал скандал?

Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​Автопортрет. Брюллов.

Карл Брюллов был оторванным от общества человеком, потому довольно неудивительно, что болезнь он переносил в одиночестве. Целых семь месяцев пятидесятилетний Брюллов по рекомендациям врачей не покидал своей постели, к нему почти никого не пускали, он был совсем один в пустой квартире. Болезнь стала для него временем переосмысления собственной жизни, временем подведения неутешительных итогов. Как только Брюллову позволили встать на ноги, он попросил мольберт и краски, и спустя два часа был создан данный шедевр.

К моменту написания портрета художник был очень знаменитым. Его живопись достигла настоящего совершенства. Несмотря на потрясающий талант и свою известность, на портрете Брюллов вовсе не выглядит радостным. Бледное лицо, напряженные веки, тонкие истощенные пальцы - все это черты больного человека. Грустные, все понимающие, глаза смотрят с портрета, словно прощаясь со своим зрителем и со всем, уходящим в прошлое миром. Брюллов изобразил себя в сидячем положении, правой рукой утомленно опирающегося на кушетку, обитую красной тканью.

Красный цвет тут не просто так, он являлся одним из любимых цветов художника, на этом полотне он призван создать контраст ослабевшего и стареющего художника и ярких красок жизни, которую он так любил. Брюллов одет в черную рубаху, которая символизирует усталость и смирение героя. Портрет написан мастерски и свидетельствует о том, какой могучей творческой энергией обладал, несмотря на болезнь, художник и каких вершин достиг он во владении живописью.

Здесь прослеживается одна из ведущих тем романтизма - борьба слабого тела с сильным духом. Зритель легко может увидеть это. Стоит лишь прикрыть рукой часть картины, чтобы осталась видна лишь правый часть лица. И тут же происходит чудо. Из сильного и властного человека, которого мы можем видеть, смотря на картину полностью, Брюллов превращается в очень слабого, уставшего от жизни, измученного болезнью человека, который будто жалобно просит нас о чем-то. Не зря картину прозвали «Исповедью сына века».

Картина Карла Брюллова “Автопортрет” — это то, как увидел сам себя автор после пяти десятков прожитых лет. Так видит его зритель и через полтора века.

Выбрать другие картины можно в закрепе.

​​Портрет доктора Феликса Рея. Винсент ван Гог.

Рассматривая картины Винсента Ван Гога, необходимо понимать состояние художника во время их написания. Для этого важно знать историю жизни Ван Гога - одного из самых драматичных художников. В декабре 1888 года в приступе белой горячки художник отрезал себе ухо. По одной из версий, это ухо он намеревался подарить проститутке. Художника положили в больницу, он был в таком состоянии, что он не мог держать себя в руках, поэтому он был помещен в палату к сумасшедшим.

Несмотря на то, что из-за задетой артерии было потеряно много крови, рана не являлась смертельной. Доктор, лечивший художника, Феликс Рей, собирался даже пришить ухо обратно, но доставить его вовремя не удалось, из-за чего сделать это было уже невозможно. Доктор бережно ухаживал за художником 15 дней, которые тот провел в палате. Более того, после выписки он несколько раз навещал Ван Гога в желтом доме. Врач проявил сочувствие и понимание больному художнику, из-за чего Ван Гог захотел отблагодарить, написав его портрет.

Картина отличается ярким колоритом и почти полным отсутствием светотеневых моделировок. Портрет не содержит эмоций доктора, не показывает его характера, ощущается лишь одно внутреннее напряжение художника. Нервные линии, импульсивно нанесенные мазки, выявляющие структуру лица, придают облику персонажа невероятную выразительность. Такое преднамеренное упрощение техники живописи идеально подходит для раскрытия образа модели. Одновременно это самоограничение художника способствовало и более полному раскрытию характера модели. Цвет на картинах художника всегда имеет символическое значение. В яркой палитре выражается восхищение художника личностью врача.
Растением, которое изобразил художник на заднем фоне, является цветок наперстянка. Оригинальный цвет данного растения — красный, однако Ван Гог решил показать их желтыми. Когда-то именно это растение помогало Винсенту избавляться от стресса.

Забавно, что картина изначально не понравилась доктору. Поэтому неудивительно, что пылилась на чердаке, а затем вообще прикрывала дыру в курятнике. Лишь по совету художника Шарля Камуэна, обнаружившего эту работу, доктор Рей продал картину парижскому коллекционеру. Пройдя через руки многих коллекционеров, она оказалась в собрании С. И. Щукина. Вошедшая в собрание Сергея Ивановича картина стала единственным портретом кисти Ван Гога в собраниях российских коллекционеров.

Выбрать другие обзоры картин можно в закрепе.

​​Друзья, продолжаем неделю Винсента ван Гога и сегодня инетерсный и небольшой подкаст ребят из "Куинджи охрип".

Как Ван Гог экспериментировал с жизнью и самим собой. Куинджи охрип.

За 10 с небольшим лет Винсент Ван Гог создал более 2000 произведений, но за всю свою жизнь продал лишь одну картину. Легенд и вымыслов вокруг его имени сотни, подтвердить или опровергнуть некоторые из них специалисты не могут до сих пор. Кому Ван Гог подарил свое отрезанное ухо? Почему во французском Арле были недовольны соседством с художником? Правда ли, что он не умел рисовать людей? И как все-таки погиб Ван Гог?

Выбрать другие лекции и подкасты можно в закрепе.

​​Впечатление. Восходящее солнце. Клод Моне.

Полотну с первоначальным названием «Море» было предопределено великое будущее. Судьба картины была тернистой: её то похищали злоумышленники, то как-то возвращали в музей. Но самое важное, что ее создание стало преддверием нового взгляда на мир. В 1874 году работу готовили к выставке Анонимного общества художников, и в последний момент Клод Моне изменил название на «Впечатление. Восход солнца» (фр. Impressionsoleillevant), которое и даст основание целому направлению живописи — импрессионизму.

Изначально обществу, привыкшему к традиционным сюжетам, были абсолютно непонятны подобные картины. Отсутствие четких линий, разбросанный колорит и неожиданная тематика работ страшили зрителя. После посещения выставки многие зрители даже требовали вернуть потраченные деньги. Работу Моне сопоставляли с обоями в зале, ратифицируя, что даже обои смотрятся ярче и интереснее, нежели работа художника.

Что же именно стало ненавистно публике? На полотне представлен старый порт Гавр. Новаторство заключалось в том, что Моне отказался просто копировать реальность, он больше не стремился к достоверности, а лишь переносил на картину своё впечатление от увиденного. Детальное рассмотрение картины доказывает, что Моне писал ее несколько неряшливо. Быстрая рука, мелкие мазки, фигуры людей едва обозначены. Такая техника объясняется порывом вдохновения художника в момент написания восходящего солнца, которое с каждой минутой окрашивает небо в новые и новые цвета. У мастера было не более десяти минут, чтобы успеть создать контуры мачт, прописать воду, показать солнце и обозначить переливы солнечных лучей.

Работа выполнена с небольшим количеством цветов. Это неудивительно, так как мы ощущаем холодное утро в серо-синих тонах. Солнце могло бы стать ярким акцентом на полотне, но и оно выглядит мрачноватым, ещё укутанным в оковы уходящей ночи. При этом небольшое количество цветов не повлияло на общую атмосферу всей картины. Она выглядит насыщенно и позволяет почувствовать слегка прохладный чистый воздух и услышать шум волн.

Коллекционеры и страстные поклонники Клода Моне сейчас платят баснословные деньги за каталог, в котором под номером 98 числилась картина, давшая название целому явлению в мировой живописи.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Неизвестная. Иван Крамской

Данная работа написана в стиле реализма и стоит на границе портрета и тематической картины. На картине представлена девушка, проезжающая в коляске по Аничкову мосту в Санкт-Петербурге. Надменное выражение лица выдает натуру избалованную, капризную. Дама будто недоступна для зрителя в своей надменной красоте, но напускное хладнокровие не может скрыть внутренней энергии, страстности, которые заключены в её взгляде и позе. Никогда Крамской ранее не уделял столько внимания и пейзажу, и деталям одежды, написанным виртуозно, с особенной аккуратностью. Девушка одета модно. Однако, это далеко не означало ее принадлежности к высшему свету, скорее наоборот — кодекс неписаных правил исключал строгое следование моде в высших кругах русского общества. Кто же на самом деле эта «неизвестная»?

В своих дневниках Крамской не упоминал личность незнакомки. Для Ивана Николаевича подобная скрытность была делом противоестественным: обычно он охотно делился всеми своими творческими замыслами. Выделяется более 20 теорий о личности незнакомки. Так, её личность связывают с образом Анны Карениной из романа Л.Н. Толстого или Настасьи Филипповны Ф.М. Достоевского. Рассмотрим три самые интересные версии.

Изображенная Крамским девушка либо не принадлежит к светскому обществу, либо имеет исключительную возможность свободно нарушать принятые в нем правила поведения. Такое допустимо в случае, если даму поддерживает сам государь, который не хочет хранить в тайне особые отношения с неизвестной. Это объясняет теорию, согласно которой перед нами княжна Екатерина Долгорукова, которая в течение 14 лет была чрезвычайно близка с Александром II. Так, В Государственном архиве РФ можно найти их обширную переписку: 3450 писем от Александра II и 1458 писем от княжны.

Многие утверждают, что «Неизвестная» — собирательный образ женщины, которая вовсе не являлась примером для подражания. Будто бы Иван Николаевич написал картину с целью изобличения моральных устоев общества — модная одежда и накрашенные губы выдают в женщине типичную содержанку. Исходя из этой теории, критик Стасов назвал эту картину «Кокотка в коляске», а другие критики писали, что Крамской показал «одно из исчадий больших городов». Как ни странно, но позже в одной из чешских коллекций был обнаружен этюд «неизвестной». Девушка на нем выглядит еще более высокомерной и грубой, она будто с вызовом смотрит на проходящих. Это дало повод утверждать, что художник действительно вынашивал замысел создать осуждающий портрет. Однако в окончательном варианте Крамской смягчил черты неизвестной, облагородив её внешность.

Также имеет право на существование теория, согласно которой художнику для этой картины позировала его дочь, Софья Крамская. Если сравнить «Неизвестную» с картиной «Девушка с кошкой» — портретом дочери, то сходство действительно можно увидеть.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Матисс и русские. Искусство для пацанчиков.

Анри Матисс - французский художник, чертёжник, скульптор, гравёр - известен, в первую очередь, за особую технику использования цвета. Его работы, наряду с работами Пабло Пикассо и Марселя Дюшана, послужили основой для возникновения современного пластического искусства.

Вы узнаете, что именно продал Матисс, чтобы купить картину Ван Гога, что его больше всего вдохновило в московском Кремле и зачем Пикассо с корешами-кубистами кидал дротики в портреты его дочери.

Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​А, ты ревнуешь? Поль Гоген.

Поль Гоген проводил достаточно много времени в путешествиях. Однако исключительным уголком безмятежного счастья для него стал остров Таити, который художник описывал как «землю экстаза, спокойствия и искусства». О Таити художник отзывался с особенной теплотой: «Меня пленила эта земля и ее люди, простые, не испорченные цивилизацией». Гоген рассчитывал найти здесь воплощение своей мечты о золотом веке, где все люди свободны и живут в гармонии с природой. Именно на этом острове Гоген написал свои наиболее выдающиеся картины, одной из которых является полотно «А ты ревнуешь?».

Художник восхищался таитянскими женщинами. Его привлекало сочетание серьезности и простоты на их лицах, непосредственность и природное очарование. Однажды Гоген наблюдал за двумя таитянскими сёстрами. Девушки долго купались, после чего вышли на берег, чтобы отдохнуть на теплом песке. Во время ленивой протекающей беседы сестры затронули любовную тему. Тёплые воспоминания о любви прошлой и мечты о любви будущей обрываются лишь одной мыслью ближней к зрителю сестры: «А ты ревнуешь?». А стоит ли ревновать, будучи в земном раю, лишенном забот и полном блаженства? Очевидно, что данное чувство должно быть чуждо героиням. Именно поэтому заданный вопрос кажется таким неуместным.

Сестрам остается наслаждаться любовью и красотой — дарами, которые им преподносит сама природа. Картину стоит рассматривать как наиболее точное и полное воплощение мечты художника о тропическом рае. Обнаженные тела девушек переливаются бронзовым цветом. Ведь в тропическом рае в наготе нет ничего постыдного.

Именно в этот период жизни стиль Гогена приобретает особенную гармонию цвета и формы. Словно магическими красками переливается вода: это диковинное сочетание синего, чёрного и рыжевато-коричневого создает видимость мерцающего движения воды. Особенно привлекают внимание зрителя золотисто-коричневые тела сестёр, их расслабленные позы выглядят невероятно естественно. Гоген использует настолько яркую палитру, что, кажется, будто картина излучает жар тропического солнца.

Поль Гоген сам очень любил и высоко оценивал свою работу. В том же году, когда картина была написана, художник в письме другу делился впечатлением: «Недавно я написал шикарное ню: две женщины на берегу. Мне кажется, это лучшее из того, что я пока сделал».

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Завтрак гребцов. Пьер Огюст Ренуар.

К 1881 году французское общество захлестывает волна творческого азарта и оптимизма, жизнь становится легкой и насыщенной. Государство сократило рабочую неделю, из-за чего у белошвеек, заводских рабочих и грузчиков появляется больше свободного времени. Так почему же не потратить это время на отдых и развлечения? До сих пор единственным спортом для простых, небогатых людей были различные игры с мячом, а для более обеспеченных – верховая езда. Однако тенденции меняются, и вскоре самым популярным развлечением становится парусный спорт. Все парижские модники поголовно начинают учиться грести и более того, устраивают между собой различные соревнования.

Полотно художника изображает дружескую компанию последователей трендов, которые наслаждаются поздним завтраком на верхней террасе ресторана «Фурне» в городе Шату. Данное место было широко известно среди желающих заняться греблей, принять пищу и переночевать. Интересно, что ресторан «Фурне» в восстановленном виде работает до сих пор. Он выглядит точно так же, как во времена мастера, а известная терраса, на которой отдыхают герои картины, даже получила название по фамилии художника — «Ренуар».

Позиции и движения отдыхающих естественны, выражения их лиц непринужденны. Видно, что Ренуару приятна атмосфера завтрака, а также, что его привлекает собравшийся коллектив. Несмотря на кажущуюся сиюминутность сцены, ее композиция была тщательно проработана. Для написания картины художнику позировали его друзья, которые приезжали в ресторан по отдельности.

Молодая женщина слева – это Алина Шариго. Она была сожительницей, а позже женой Ренуара. Образ героини легок и беззаботен. Она играет с собачкой, не скрывая умиления. В период написания работы у Ренуара наступил творческий кризис. Художник не понимал, в какую сторону необходимо двигаться дальше, но близкое общение и поддержка со стороны Алины Шариго помогли художнику снова найти себя. Ренуар неоднократно писал жену на своих картинах. Так, помимо данной картины ее можно встретить в таких знаковых работах, как "Танец в деревне", "Мадам Ренуар с собачкой" и "Материнство".

Позади нее, облокачиваясь на перила, стоит сын владельца ресторана Альфонс Фурне-младший. В группе людей справа можно узнать художника Гюстава Кайботта, сидящего вполоборота к зрителю. Рядом с ним сидит известная модель Анжель Лего, а над ними склоняется успешный журналист того времени – Антонио Маджиоло. Также на полотне художник запечатлел актрису Жанну Самари в характерной, уже знакомой зрителю позе.

На картине много светло-желтых и зеленоватых оттенков. И хотя Ренуар не показал солнечных бликов, как пару лет назад показывал на картине «Две сестры», полотно превосходно изображает атмосферу жаркого летнего дня. В целом, картина получилась легкой, солнечной, наполненной красками. Герои застыли как будто в случайных позах. Создается ощущение непринужденной обстановки. «Завтрак гребцов» – эмоция, впечатление и сиюминутность в чистом виде.

Выбрать другие обзорвы можно в закрепе.

Science Art? Чё такое Science Art? Искусство для пацанчиков

Если скрестить науку и искусство что из этого получиться? Вот о чём этот эпизод!

А еще будет лайфхак, как слушать картины Кандинского, узнаем, как заставить свой мозг звучать, как нарисовать картину по запаху человека, почему академия наук выжила художников из своих рядов, как Библию записать на генетическом уровне и зачем художник Стеларк вырастил ухо на собственной руке и много-много других сумасшедших идей для веселой жизни.

После прослушивания вы получите базовые знания в сайнс-арте, а возможно захотите создать свою нейросеть, со мной так и случилось.

Выбрать другие лекции можно в закрепе.

​​Ночное кафе в Арле. Поль Гоген.

По просьбе брата Винсента ван Гога в 1888 года Поль Гоген переехал в Арль, небольшой городок на Юго-Востоке Франции, где жил Винсент. Известно, что Тео в буквальном смысле заплатил Гогену за то, чтобы тот приехал, более того, он ручался что продаст несколько его работ. Позже Гоген даже жаловался, что его «купили, как проститутку», однако деньги он принял.

В французской коммуне Ван Гог и Гоген мечтали основать новую колонию мастеров, которая была бы свободна от цензуры. Первое время художники считали себя единомышленниками, но вскоре столкновение двух сложных характеров привело к крупным ссорам. Одна из таких стычек чуть не лишила Гогена жизни. Однажды ночью разгневанный Ван Гог набросился на спящего Гогена с ножом. Несмотря на то, что всё обошлось, Винсент сильно переживал о случившемся. А Поль Гоген решил уехать из города.. После данного эксцесса творческий дуэт двух художников прекратил свое существование.

Несмотря на то, что поездка оказалось неудачной, художник все же успел запечатлеть Арль в работе «Ночное кафе в Арле». На картине показано кафе на привокзальной площади, недалеко от дома, где жил Винсент.

Передний план картины занимает немолодая женщина. Её образ весьма загадочен, как будто “джокондовский”. Черно-белый наряд придает героине строгости, на ее лице видна тень утомления. Прототипом женщины являлась мадам Жину, жена владельца квартиры, которую арендовал Винсент. Первоначально он сам хотел написать ее портрет, но женщина не давала согласие. Однако с приездом Гогена художникам все же удалось изобразить хозяйку. Зайдя в кафе, художники пригласили мадам Жину выпить кофе. Им было важно, чтобы она села за их столик. Гоген быстро сделал набросок, одновременно приговаривая, что мадам Жину обязательно увидит свой портрет в Лувре. И он ее не обманул.

Задний план полотна наполнен образами и деталями. Посетители кафе изображены обобщённо, они едва обозначены и почти сливаются в одно яркое многоцветное пятно. Над компанией посетителей вьются клубы дыма, придавая атмосфере кафе призрачности. Несмотря на очень яркие краски, ощущаются равнодушие и тоска.

Картина построена на гармонии больших цветовых пятен, обведенных строгой линией. Такой стиль отразил принципы новой живописной системы Гогена, названной им «синтетизмом» и получившей дальнейшее развитие в таитянских работах. Именно обобщенность придает краскам картины особую выразительность, неприемлемую, однако, для тогдашних официальных выставок.

Как и многие картины Гогена, эта работа была впервые оценена русскими меценатами. Изначально она оказалась в частном собрании Морозова, но уже в 1918 году все его наследие национализировала советская власть. Так, в 1929 году картина была использована для пропаганды трезвого образа жизни. Сегодня же с картиной можно познакомиться в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина.

Выбрать другие обзорвы можно в закрепе.

​​Сельский крестный ход на пасхе. Перов.

В начале 1860-х Перов создает серию картин, которым присуща антиклерикальная тенденция. Самой яркой из серии является картина «Сельский крестный ход на пасху». Работа не оставила критиков равнодушными. Первое ее появление на публике вызвало жаркие споры. Одни были уверены, что мастер гениально продемонстрировал действительность церкви в русском селе, другие обвиняли художника в предвзятости и попытке осквернить Православие. Художнику даже грозили ссылкой. А Третьякова заставили снять картину с экспозиции.

Сцена происходит ранним весенним утром. Участники, судя по всему, заходят уже не в первый дом и успели неплохо «устроиться». В глаза сразу бросается фигура священника в праздничном наряде. Алкоголь убил в нем все человеческое. Лицо лишено “святости”, а глаза почти не видны на опухшем от пьянства лице.

Прихожане подобны своему «духовному лидеру». Молодая крестьянка на переднем плане, напевающая молитву, будто собралась идти в противоположную группе сторону.

Потрепанный старик рядом с ней держит икону ликом вниз. Пасмурный пейзаж, хаотичное движение участников хода, тоскливый рассвет подчеркивает жалкий вид всей сцены. Процессия проходит не лучшим образом, священный обряд превратился во что-то несуразное. Путь до церкви, виднеющейся вдали, будет долгим. Несложно предвидеть, во что превратится ход у церковных ворот.

Художник пытается рассказать о людях, он не желает высмеивать Православие. Именно поэтому автор старательно упрощает все детали, связанные с православной символикой. Далеко не каждый зритель будет способен разглядеть крест в руках священника, образы преднамеренно не детализируются, показаны лишь очертания. Перова всегда интересовали типажи русских людей. Художник даже из поездки в Италию вернулся раньше срока, так как посчитал, что та жизнь ему непонятна, и создать там что-то “свое” он не сможет. Целью его иронизирования является непорядочное священство, а не сама вера. Художник призвал переосмыслить бытие, вернуться к истокам, моральной чистоте. «Тот, кто должен был статься духовным лидером, впал во искушении и не только не выполняет свою миссию, но и ведет других по ложному пути» (Василий Перов).

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.

​​Что скрывается за гениальностью да Винчи. Куинджи охрип.

Правда ли, что НАСА использует роботов, созданных по чертежам да Винчи? Куда делись брови Мона Лизы? И как да Винчи повлиял на шампур для шаурмы? Обо всем этом в подкасте говорят вместе с кандидатом культурологии  и преподавателем РГГУ Валерией Косяковой.

Выбрать другие лекции про искусство можно в закрепе.

​​Венера Урбинская. Тициан.

Одна из известнейших работ Тициана — Венера Урбинская — никогда не должна была висеть в галерее. Игривый и нарочито открытый, дерзкий взгляд этой девушки никогда не должен быть пересекаться со взглядами проходящих мимо зевак. Её тело не было предназначено для любопытного разглядывания толпами туристами. Улыбается она не искусствоведам и не критикам. Это был взгляд, предназначенный для одного мужчины. Своё тело она предлагала одному мужчине. Улыбалась девушка одному мужчине. И себя доверила только одному.

Работа Тициана была свадебным подарком близкому другу. Она висела в спальной молодоженов — интимная, теплая и игривая обстановка картины должна была создавать в отношениях между супругами атмосферу любви, готовности отдать любимому всё, готовности разделить с ним ложе. Поэтому многим взгляд Тициановской Венеры, буквально отдающей себя зрителю, кажется взглядом куртизанки. Но художник изобразил лишь верную жену. И Тициан всячески нам намекает на это, подсказывает случайному зрителю. Розы в руках Венеры и мирт на подоконнике — спутники этой древнеримской богини, символы плодородия в браке и символические пожелания молодоженам от художника. Служанки, готовящие платье для своей хозяйки, достают его из особого сундука — кассоне. Эти итальянские расписные сундуки (обычно изготавливающиеся парными) были традиционно свадебным приданным в эпоху Возрождения. Свернувшаяся клубком, преданно ждущая хозяина собачка тоже, скорее всего, оказалась на картине Тициана неслучайно. Она символизирует верность в браке.

Картина цепляет взглядом. И для каждого зрителя этот взгляд означает разное. Холодному зрителю может и кажеться, что на картине всего лишь бесстыжая куртизанка, а цель работы — удовлетворить плотские желания. Любящему зрителю кажется, что взгляд Венеры предназначен только для него. И такой зритель видит в donna nuda свою собственную Венеру Урбинскую.

Выбрать другие обзоры можно в закрепе.