«Старый гитарист»
ПАБЛО ПИКАССО
(1904, Чикагский институт искусств, Чикаго)
В 1898 году Пикассо распрощался с окончательно наскучившей ему Королевской академией изящных искусств и вернулся из Мадрида в Барселону. Здесь была настоящая жизнь. Творческая свобода, первые персональные выставки в знаменитом кафе «Четыре кота» и друзья-единомышленники, вместе с которыми можно было как обсуждать искусство, так и отправиться в загул по борделям. Самым близким из них стал ровесник Пикассо, художник Карлос Касагемас. Они были практически неразлучны, и Пабло всеми силами поддерживал друга, страдавшего от неразделенной любви. Но закончилось все трагически: Карлос попытался застрелить девушку, которая не отвечала ему взаимностью, после чего покончил с собой.
После этого печального события в творчестве Пикассо начинается пронизанный тоской «голубой период». Художник до конца своих дней винил себя в смерти друга и считал, что мог предотвратить самоубийство Касагемаса. Практически все полотна «голубого периода» несут на себе этот незримый отпечаток смерти. Не стала исключением и картина «Старый гитарист».
При первом взгляде на эту работу создается впечатление, что слепой музыкант запечатлен в тот момент, когда он тихо испустил дух, не успев доиграть песню до конца. Он похож на привидение, почти сливающееся с фоном. Живой на этом полотне кажется только гитара: зритель почти слышит пронзительные, выворачивающие душу наизнанку аккорды. Примечательно то, что за «Старым гитаристом» под слоем краски проступает призрачное женское лицо. В тот период Пикассо не всегда мог найти деньги на новый холст, поэтому был вынужден писать одну картину поверх другой.
#пикассо
ПАБЛО ПИКАССО
(1904, Чикагский институт искусств, Чикаго)
В 1898 году Пикассо распрощался с окончательно наскучившей ему Королевской академией изящных искусств и вернулся из Мадрида в Барселону. Здесь была настоящая жизнь. Творческая свобода, первые персональные выставки в знаменитом кафе «Четыре кота» и друзья-единомышленники, вместе с которыми можно было как обсуждать искусство, так и отправиться в загул по борделям. Самым близким из них стал ровесник Пикассо, художник Карлос Касагемас. Они были практически неразлучны, и Пабло всеми силами поддерживал друга, страдавшего от неразделенной любви. Но закончилось все трагически: Карлос попытался застрелить девушку, которая не отвечала ему взаимностью, после чего покончил с собой.
После этого печального события в творчестве Пикассо начинается пронизанный тоской «голубой период». Художник до конца своих дней винил себя в смерти друга и считал, что мог предотвратить самоубийство Касагемаса. Практически все полотна «голубого периода» несут на себе этот незримый отпечаток смерти. Не стала исключением и картина «Старый гитарист».
При первом взгляде на эту работу создается впечатление, что слепой музыкант запечатлен в тот момент, когда он тихо испустил дух, не успев доиграть песню до конца. Он похож на привидение, почти сливающееся с фоном. Живой на этом полотне кажется только гитара: зритель почти слышит пронзительные, выворачивающие душу наизнанку аккорды. Примечательно то, что за «Старым гитаристом» под слоем краски проступает призрачное женское лицо. В тот период Пикассо не всегда мог найти деньги на новый холст, поэтому был вынужден писать одну картину поверх другой.
#пикассо
Еще Пикассо:
«Авиньонские девицы»
«Старый еврей с мальчиком»
«Дора Маар с кошкой»
«Герника»
«Девочка на шаре»
«Мальчик с трубкой»
«Три музыканта»
«Любительница абсента»
«Автопортрет»
«Обнаженная в красном кресле»
«Женщина в берете и клетчатом платье»
«Поцелуй»
«Портрет Франсуазы»
«Купальщицы»
«Девушка перед зеркалом»
«Авиньонские девицы»
«Старый еврей с мальчиком»
«Дора Маар с кошкой»
«Герника»
«Девочка на шаре»
«Мальчик с трубкой»
«Три музыканта»
«Любительница абсента»
«Автопортрет»
«Обнаженная в красном кресле»
«Женщина в берете и клетчатом платье»
«Поцелуй»
«Портрет Франсуазы»
«Купальщицы»
«Девушка перед зеркалом»
«Граф Уголино и его дети»
ОГЮСТ РОДЕН
(1881, Музей Родена, Париж)
Скульптура первоначально была задумана как часть многофигурной композиции грандиозного проекта (Родену было доверено создать масштабный портал для Музея декоративного искусства). Над проектом Роден работал полжизни, но так не довел его до конца.
При создании скульптуры мастер отталкивался от повествования Данте Алигьери «Божественная комедия». Граф Уголино был историческим персонажем, правителем Пизы, жившим в 13-м веке. Он пал жертвой интриг архиепископа Пизы, который объявил графа предателем и заточил в башню вместе с двумя младшими сыновьями и двумя внуками. Там они погибли спустя два месяца в 1289 году. Ходили слухи, что перед смертью Уголино не выдержал голодных мук и питался плотью своих отпрысков.
В 2002 году зловещая история графа приобрела продолжение. Исследование его останков доказало, что Уголино не употреблял в пищу мясо в течение последних нескольких месяцев жизни. К тому же у него оставалось всего несколько зубов, что вряд ли могло позволить ему совершать те жуткие деяния, которые приписывала ему молва. Также на черепе Уголино обнаружили следы удара, в результате которого он умер на самом деле. Как и дети, тоже погибшие насильственной смертью, а не от голода.
#роден #скульптура
ОГЮСТ РОДЕН
(1881, Музей Родена, Париж)
Скульптура первоначально была задумана как часть многофигурной композиции грандиозного проекта (Родену было доверено создать масштабный портал для Музея декоративного искусства). Над проектом Роден работал полжизни, но так не довел его до конца.
При создании скульптуры мастер отталкивался от повествования Данте Алигьери «Божественная комедия». Граф Уголино был историческим персонажем, правителем Пизы, жившим в 13-м веке. Он пал жертвой интриг архиепископа Пизы, который объявил графа предателем и заточил в башню вместе с двумя младшими сыновьями и двумя внуками. Там они погибли спустя два месяца в 1289 году. Ходили слухи, что перед смертью Уголино не выдержал голодных мук и питался плотью своих отпрысков.
В 2002 году зловещая история графа приобрела продолжение. Исследование его останков доказало, что Уголино не употреблял в пищу мясо в течение последних нескольких месяцев жизни. К тому же у него оставалось всего несколько зубов, что вряд ли могло позволить ему совершать те жуткие деяния, которые приписывала ему молва. Также на черепе Уголино обнаружили следы удара, в результате которого он умер на самом деле. Как и дети, тоже погибшие насильственной смертью, а не от голода.
#роден #скульптура
«Чтение»
АНДРЕЙ ПОЗДЕЕВ
(1982, Красноярский краевой краеведческий музей, Красноярск)
Эта работа крайне редко выставлялась, несмотря на то, что серия «Чтение» — очень важная веха в творчестве Поздеева, ведь чтение книг в их семье было возведено буквально в культ. Поздеевы очень любили книги, у них в доме их всегда было много, потому что Валентина Михайловна (супруга) работала в школе, преподавала русский язык и литературу. Да и сам Поздеев очень много читал — и для работы, и для души. У них был ритуал, когда Валентина Михайловна читала ему книги по вечерам. Читают они и на этой картине — он слева, она справа.
Между ними стол и гигантский букет, который значительно больше представленных на картине фигур — это само по себе интересно, почему букет вдруг вырастает до таких размеров. Возможно это такой знак отношений, между двумя людьми, любви, которая с годами не завяла, не потеряла силу, а наоборот пошла в рост.
#поздеев
АНДРЕЙ ПОЗДЕЕВ
(1982, Красноярский краевой краеведческий музей, Красноярск)
Эта работа крайне редко выставлялась, несмотря на то, что серия «Чтение» — очень важная веха в творчестве Поздеева, ведь чтение книг в их семье было возведено буквально в культ. Поздеевы очень любили книги, у них в доме их всегда было много, потому что Валентина Михайловна (супруга) работала в школе, преподавала русский язык и литературу. Да и сам Поздеев очень много читал — и для работы, и для души. У них был ритуал, когда Валентина Михайловна читала ему книги по вечерам. Читают они и на этой картине — он слева, она справа.
Между ними стол и гигантский букет, который значительно больше представленных на картине фигур — это само по себе интересно, почему букет вдруг вырастает до таких размеров. Возможно это такой знак отношений, между двумя людьми, любви, которая с годами не завяла, не потеряла силу, а наоборот пошла в рост.
#поздеев
«Голубая Венеция»
ЭДУАР МАНЕ
(1875, Музей Шелбурна, Шелбурн)
Когда «Голубая Венеция» была впервые выставлена на выставке 1884 года, критик Луи Гонс отметил ее как одну из нескольких работ, в которых Мане достиг эффекта, точно соответствующего естественному свету, и заявил, что шкала восприятия Мане была фотографически точной: «Можно даже подвергнуть эти пленэрные картины еще одному испытанию - фотографии. Лишившись цвета, их восприятие останется правильным, пространство убедительным, а формы существуют в некой реалистической атмосфере, создающей иллюзию фотографии, снятой с натуры».
Еще Эдуар Мане:
«Завтрак на траве»
«Олимпия»
«Бар в Фоли-Бержер»
«Берта Моризо с букетом фиалок»
«Ваза с пионами на пьедестале»
«Балкон»
«Автопортрет с палитрой»
«Кабачок»
«Мадам Мане на синей софе»
«Пучок спаржи»
«Спаржа»
«Любитель абсента»
#мане #импрессионизм
ЭДУАР МАНЕ
(1875, Музей Шелбурна, Шелбурн)
Когда «Голубая Венеция» была впервые выставлена на выставке 1884 года, критик Луи Гонс отметил ее как одну из нескольких работ, в которых Мане достиг эффекта, точно соответствующего естественному свету, и заявил, что шкала восприятия Мане была фотографически точной: «Можно даже подвергнуть эти пленэрные картины еще одному испытанию - фотографии. Лишившись цвета, их восприятие останется правильным, пространство убедительным, а формы существуют в некой реалистической атмосфере, создающей иллюзию фотографии, снятой с натуры».
Еще Эдуар Мане:
«Завтрак на траве»
«Олимпия»
«Бар в Фоли-Бержер»
«Берта Моризо с букетом фиалок»
«Ваза с пионами на пьедестале»
«Балкон»
«Автопортрет с палитрой»
«Кабачок»
«Мадам Мане на синей софе»
«Пучок спаржи»
«Спаржа»
«Любитель абсента»
#мане #импрессионизм
«Новая планета»
КОНСТАНТИН ЮОН
(1921, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Константину Юону поручили сделать эскиз для занавеса Большого театра. Но изображение признали несколько неподходящим, и Юон по эскизам сделал станковую картину. Советское искусствоведение трактовало ее как монументальное изображение рождения новой страны.
Юон символически изобразил Октябрьскую революцию. Справа фигуры, устремленные к красной планете, некоторые из них изображены упавшими, кто-то устремился в противоположном направлении, убегает. Группа слева, похоже, пытается защититься от пылающего шара и дотянуться до «старой» планеты. Слева можно различить двух вооруженных людей, которые, схватив обнаженного человека за руки, куда-то его тянут.
В «Новой планете» можно многое увидеть и трактовать ее по-разному. Юон, вероятнее всего, и сам не вполне осознавал, какой же ему видится советская действительность в целом и конкретно роль Октябрьской революции. Но что это были грандиозные по масштабу метаморфозы и, как показало время, весьма длительного действия – понимал.
Еще Юон:
«Купола и ласточки. Успенский собор Троице-Сергиевой лавры»
#юон #авангард
КОНСТАНТИН ЮОН
(1921, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Константину Юону поручили сделать эскиз для занавеса Большого театра. Но изображение признали несколько неподходящим, и Юон по эскизам сделал станковую картину. Советское искусствоведение трактовало ее как монументальное изображение рождения новой страны.
Юон символически изобразил Октябрьскую революцию. Справа фигуры, устремленные к красной планете, некоторые из них изображены упавшими, кто-то устремился в противоположном направлении, убегает. Группа слева, похоже, пытается защититься от пылающего шара и дотянуться до «старой» планеты. Слева можно различить двух вооруженных людей, которые, схватив обнаженного человека за руки, куда-то его тянут.
В «Новой планете» можно многое увидеть и трактовать ее по-разному. Юон, вероятнее всего, и сам не вполне осознавал, какой же ему видится советская действительность в целом и конкретно роль Октябрьской революции. Но что это были грандиозные по масштабу метаморфозы и, как показало время, весьма длительного действия – понимал.
Еще Юон:
«Купола и ласточки. Успенский собор Троице-Сергиевой лавры»
#юон #авангард
«Вечер. Красное дерево»
ПИТ МОНДРИАН
(1910, Муниципальный музей, Гаага)
Эта картина - первая из знаменитой серии работ Мондриана, в центре каждой из которых находится дерево. Эта серия наиболее наглядно демонстрирует переход в творчестве художника от реализма к абстракции.
В «Красном дереве» Мондриан уже использует те цвета, которые в будущем станут основой всех его абстрактных полотен – красный и синий с небольшими вкраплениями желтого. В этой работе чувствуется влияние фовизма и импрессионизма. Теоретики живописи усматривают здесь отсылку к картинам Ван Гога, делая особый упор на похожую манеру письма и упрощение цветов.
«Красное дерево» стало своего рода отправной точкой в творчестве Мондриана, обозначив новый этап в его эволюции. Кажется, именно с этого момента художника перестает интересовать изображение объектов как таковых, и он полностью сосредотачивается на цвете. Начиная с этой картины, Мондриан постепенно отказывается от полутонов и мало внимания обращает на то, насколько натуралистичны цвета на его полотнах, насколько они присущи тем предметам или пейзажам, которые он изображает. Как ни странно, именно этот своеобразный бунт впервые позволил художнику заявить о себе как о независимом первооткрывателе, способном создать собственный стиль живописи.
#мондриан
ПИТ МОНДРИАН
(1910, Муниципальный музей, Гаага)
Эта картина - первая из знаменитой серии работ Мондриана, в центре каждой из которых находится дерево. Эта серия наиболее наглядно демонстрирует переход в творчестве художника от реализма к абстракции.
В «Красном дереве» Мондриан уже использует те цвета, которые в будущем станут основой всех его абстрактных полотен – красный и синий с небольшими вкраплениями желтого. В этой работе чувствуется влияние фовизма и импрессионизма. Теоретики живописи усматривают здесь отсылку к картинам Ван Гога, делая особый упор на похожую манеру письма и упрощение цветов.
«Красное дерево» стало своего рода отправной точкой в творчестве Мондриана, обозначив новый этап в его эволюции. Кажется, именно с этого момента художника перестает интересовать изображение объектов как таковых, и он полностью сосредотачивается на цвете. Начиная с этой картины, Мондриан постепенно отказывается от полутонов и мало внимания обращает на то, насколько натуралистичны цвета на его полотнах, насколько они присущи тем предметам или пейзажам, которые он изображает. Как ни странно, именно этот своеобразный бунт впервые позволил художнику заявить о себе как о независимом первооткрывателе, способном создать собственный стиль живописи.
#мондриан
«Жираф»
НИКО ПИРОСМАНИ
(1905, Национальная галерея Грузии им. Шеварднадзе, Тбилиси)
«Мне улыбалась жизнь дважды: когда я жил в Кахетии и в Эльдорадо, райской стране на берегу Куры», – цитирует Кирилл Зданевич в книге «Нико Пиросмани» слова художника.
Увеселительный сад Эльдорадо был собственностью богача Титичева. Неизвестно, платил ли он Пиросмани за картины, но однозначно, что у него художника всегда ждали тепло, еда и возможность писать. Знаменитого «Жирафа» Пиросмани написал для сына своего благодетеля, маленького Карамана.
Многие специалисты отмечают, что у зверей на полотнах Пиросмани человеческие глаза. Жираф кажется существом с другой планеты, его фигура сочетает величие и удивительную чуткость. Он заполняет все пространство картины, отчетливо выделяясь на фоне синего неба и темной, с оливковым оттенком земли.
#пиросмани #примитивизм
НИКО ПИРОСМАНИ
(1905, Национальная галерея Грузии им. Шеварднадзе, Тбилиси)
«Мне улыбалась жизнь дважды: когда я жил в Кахетии и в Эльдорадо, райской стране на берегу Куры», – цитирует Кирилл Зданевич в книге «Нико Пиросмани» слова художника.
Увеселительный сад Эльдорадо был собственностью богача Титичева. Неизвестно, платил ли он Пиросмани за картины, но однозначно, что у него художника всегда ждали тепло, еда и возможность писать. Знаменитого «Жирафа» Пиросмани написал для сына своего благодетеля, маленького Карамана.
Многие специалисты отмечают, что у зверей на полотнах Пиросмани человеческие глаза. Жираф кажется существом с другой планеты, его фигура сочетает величие и удивительную чуткость. Он заполняет все пространство картины, отчетливо выделяясь на фоне синего неба и темной, с оливковым оттенком земли.
#пиросмани #примитивизм
«Последняя капля (Веселый кавалер)»
ЮДИТ ЛЕЙСТЕР
(1639, Художественный музей Филадельфии, Филадельфия)
«До последней капли» или «Последняя капля» - так называют картину Юдит Лейстер - харлемской художницы, предположительно ученицы и совершенно точно - хорошей знакомой великого Франса Хальса. Она писала картины в стиле Хальса, с такой убедительностью копируя его стремительную, лёгкую манеру, что её работы не раз приписывали самому Франсу.
Несмотря на весёлые лица гуляк, подтекст у картины довольно мрачный. Это, несомненно, «ванитас». Она напоминает зрителю о том, что, как бы ты ни был богат, здоров, румян, весел - всему придет конец.
В натюрмортах «ванитас» смерть обычно обозначалась черепом, скалящимся то со стопки книг, то из-под начищенного шлема. Череп мог пристроиться возле полупустого бокала, жемчужных нитей, свитков с записями, кошелька с монетами, связки ключей: ты ешь и пьёшь, пишешь записки и счета, владеешь домом и всякой суетной роскошью – и ты умрёшь. В жанровой, вполне реалистической сценке Юдит Лейстер не останавливается на черепе, а вводит в композицию смерть, как вполне живого персонажа, который, словно недовольная старуха-соседка, потрясает перед пьяными юнцами песочными часами.
#лейстер #барокко
ЮДИТ ЛЕЙСТЕР
(1639, Художественный музей Филадельфии, Филадельфия)
«До последней капли» или «Последняя капля» - так называют картину Юдит Лейстер - харлемской художницы, предположительно ученицы и совершенно точно - хорошей знакомой великого Франса Хальса. Она писала картины в стиле Хальса, с такой убедительностью копируя его стремительную, лёгкую манеру, что её работы не раз приписывали самому Франсу.
Несмотря на весёлые лица гуляк, подтекст у картины довольно мрачный. Это, несомненно, «ванитас». Она напоминает зрителю о том, что, как бы ты ни был богат, здоров, румян, весел - всему придет конец.
В натюрмортах «ванитас» смерть обычно обозначалась черепом, скалящимся то со стопки книг, то из-под начищенного шлема. Череп мог пристроиться возле полупустого бокала, жемчужных нитей, свитков с записями, кошелька с монетами, связки ключей: ты ешь и пьёшь, пишешь записки и счета, владеешь домом и всякой суетной роскошью – и ты умрёшь. В жанровой, вполне реалистической сценке Юдит Лейстер не останавливается на черепе, а вводит в композицию смерть, как вполне живого персонажа, который, словно недовольная старуха-соседка, потрясает перед пьяными юнцами песочными часами.
#лейстер #барокко
«Смеющийся кавалер»
ФРАНС ХАЛЬС
(1624, Собрание Уоллеса, Лондон)
«Смеющийся кавалер» – это пышный портрет молодого человека, стоящего в нарочито небрежной позе на простом сером фоне. Эта работа уникальна среди мужских портретов Франса Хальса, благодаря богатой цветовой палитре. Особо обращает на себя внимание яркий костюм натурщика – дублет с причудливой вышивкой белой, золотой и красной нитью и позолоченная рукоять рапиры, выглядывающая из-под левого локтя.
Ни личность молодого человека, ни предназначение портрета наверняка неизвестны. Мотивы вышивки на дублете идентифицированы как распространённые в те времена эмблемы и символы удовольствия и любовных мук. Эти намёки на любовные интриги и ухаживания дают основания предполагать, что это свадебный портрет. Однако для него не найдено парное изображение.
Представительный вид «Смеющегося кавалера» объясняется тем, что художник поместил его в непосредственной близости к зрителю и изобразил с низкой точки. Рука, упирающаяся в бедро, также является отличительной особенностью мужских портретов Хальса.
#хальс #барокко
ФРАНС ХАЛЬС
(1624, Собрание Уоллеса, Лондон)
«Смеющийся кавалер» – это пышный портрет молодого человека, стоящего в нарочито небрежной позе на простом сером фоне. Эта работа уникальна среди мужских портретов Франса Хальса, благодаря богатой цветовой палитре. Особо обращает на себя внимание яркий костюм натурщика – дублет с причудливой вышивкой белой, золотой и красной нитью и позолоченная рукоять рапиры, выглядывающая из-под левого локтя.
Ни личность молодого человека, ни предназначение портрета наверняка неизвестны. Мотивы вышивки на дублете идентифицированы как распространённые в те времена эмблемы и символы удовольствия и любовных мук. Эти намёки на любовные интриги и ухаживания дают основания предполагать, что это свадебный портрет. Однако для него не найдено парное изображение.
Представительный вид «Смеющегося кавалера» объясняется тем, что художник поместил его в непосредственной близости к зрителю и изобразил с низкой точки. Рука, упирающаяся в бедро, также является отличительной особенностью мужских портретов Хальса.
#хальс #барокко
ЛУИЗА БОННЕТ (Louise Bonnet)
Луиза Боннет - швейцарская художница-сюрреалист, которая до неузнаваемости меняет стиль авангардного искусства. Все ее работы акцентированы на изображении человеческого тела с особым видом экстремальной сексуальности и физическими преувеличениями в сюрреалистических сюжетах. Фигуры в ее работах имеют отчетливую, но противоречивую грань между красотой и уродством, абсурдом и физической реальностью.
#женщинывискусстве #боннет
Луиза Боннет - швейцарская художница-сюрреалист, которая до неузнаваемости меняет стиль авангардного искусства. Все ее работы акцентированы на изображении человеческого тела с особым видом экстремальной сексуальности и физическими преувеличениями в сюрреалистических сюжетах. Фигуры в ее работах имеют отчетливую, но противоречивую грань между красотой и уродством, абсурдом и физической реальностью.
#женщинывискусстве #боннет