2 июня в ГМИИ им. А.С. Пушкина открывается цикл «Мадонны Ренессанса. Из частных собраний» — четыре моновыставки из российских коллекций. Имена владельцев не раскрываются, но профессионалы уже изучают работы.
Первой покажут «Мадонну с двумя играющими младенцами» ученика Леонардо да Винчи. В 2014 году картина была продана на аукционе Christie’s за $497 000. Панно входит в небольшую группу произведений, сохраняющих утраченную композицию самого Леонардо. Техника приближается к леонардовскому сфумато.
Широко раскинутые руки Марии отсылают к двум версиям «Мадонны в гроте» (Лувр и Лондон). Эту позу Леонардо исследовал в рисунках. Три наброска показывают сходный мотив — младенец Христос обнимает агнца. Эскизы относятся к первым годам XVI века.
Помимо данной работы, известно несколько версий этой композиции. Одна из них экспонировалась в Лувре в 2012 году. Искусствоведы обосновали существование утраченного оригинала Леонардо и датировали все версии первым десятилетием XVI века.
Представленное панно написано на тополе, имеет итальянское происхождение и создано художником из круга Леонардо вскоре после 1500 года. Голова Мадонны перекликается с рисунком самого Леонардо из галереи Уффици.
📍 Волхонка, 12
📅 До 26 июля
#Москва
Канал в МАКС
Первой покажут «Мадонну с двумя играющими младенцами» ученика Леонардо да Винчи. В 2014 году картина была продана на аукционе Christie’s за $497 000. Панно входит в небольшую группу произведений, сохраняющих утраченную композицию самого Леонардо. Техника приближается к леонардовскому сфумато.
Широко раскинутые руки Марии отсылают к двум версиям «Мадонны в гроте» (Лувр и Лондон). Эту позу Леонардо исследовал в рисунках. Три наброска показывают сходный мотив — младенец Христос обнимает агнца. Эскизы относятся к первым годам XVI века.
Помимо данной работы, известно несколько версий этой композиции. Одна из них экспонировалась в Лувре в 2012 году. Искусствоведы обосновали существование утраченного оригинала Леонардо и датировали все версии первым десятилетием XVI века.
Представленное панно написано на тополе, имеет итальянское происхождение и создано художником из круга Леонардо вскоре после 1500 года. Голова Мадонны перекликается с рисунком самого Леонардо из галереи Уффици.
📍 Волхонка, 12
📅 До 26 июля
#Москва
Канал в МАКС
Пока все обсуждают стоимость гостиниц директоров музеев во время ПМФ, я же предлагаю отправиться нам в Сергиев Посад. Если Мелихово дышит чеховской «Чайкой» и уютом подмосковной усадьбы, то Сергиев Посад на неделю превращается в эпицентр театральной жизни страны. С 26 мая по 3 июня здесь пройдёт Фестиваль театров малых городов России — событие, где провинция уверенно берёт творческую высоту.
Почти 500 участников представят 15 конкурсных спектаклей. В программе — не только постановки, но и лекции, дискуссии, мастер-классы. Жюри возглавит худрук Александринского театра Никита Кобелев. Откроет фестиваль Пётр Налич.
Отдельная благодарность — за вовлечённость в жизнь Подмосковья и всей страны. Такие проекты доказывают: настоящее искусство не нуждается в столичной прописке.
Я же напоминаю, что до 31 мая в Нижнем проходит фестиваль AlfaHuman
Канал в МАКС
Почти 500 участников представят 15 конкурсных спектаклей. В программе — не только постановки, но и лекции, дискуссии, мастер-классы. Жюри возглавит худрук Александринского театра Никита Кобелев. Откроет фестиваль Пётр Налич.
Отдельная благодарность — за вовлечённость в жизнь Подмосковья и всей страны. Такие проекты доказывают: настоящее искусство не нуждается в столичной прописке.
Я же напоминаю, что до 31 мая в Нижнем проходит фестиваль AlfaHuman
Канал в МАКС
Он управлял Gucci и Balenciaga. Теперь он возглавит Christie’s. 🔥
Мир роскоши готовится к перестановкам. Аукционный дом Christie’s объявил о смене председателя совета директоров. Кресло занял Франсуа-Анри Пино — наследник французской империи и человек, который превратил PPR (бывший холдинг с бумажными фабриками) в Kering — дом для Gucci, Saint Laurent и Balenciaga.
Что это значит?
Франсуа-Анри Пино приходит не как просто менеджер. Он — прямой представитель семьи, которая владеет Christie’s с 1998 года. Его задача — соединить высшую моду с высшим искусством. Прежний председатель Гийом Черутти (кстати, экс-гендиректор аукциона с 2017 по 2025 год) уходит управлять личной коллекцией семьи Пино — 10 000 произведений в Париже и Венеции.
👑 Папа (Франсуа Пино-старший) остается почетным председателем. Контроль не ушел в песок — он просто стал еще более элитным.
Люкс, арт, власть. Треугольник закрыт.
Мир роскоши готовится к перестановкам. Аукционный дом Christie’s объявил о смене председателя совета директоров. Кресло занял Франсуа-Анри Пино — наследник французской империи и человек, который превратил PPR (бывший холдинг с бумажными фабриками) в Kering — дом для Gucci, Saint Laurent и Balenciaga.
Что это значит?
Франсуа-Анри Пино приходит не как просто менеджер. Он — прямой представитель семьи, которая владеет Christie’s с 1998 года. Его задача — соединить высшую моду с высшим искусством. Прежний председатель Гийом Черутти (кстати, экс-гендиректор аукциона с 2017 по 2025 год) уходит управлять личной коллекцией семьи Пино — 10 000 произведений в Париже и Венеции.
👑 Папа (Франсуа Пино-старший) остается почетным председателем. Контроль не ушел в песок — он просто стал еще более элитным.
Люкс, арт, власть. Треугольник закрыт.
#партнерскаяпрограмма
12 июня в гольф-клубе Завидово пройдет благотворительный аукцион в поддержку социального проекта Деменция.net.
На аукционе будет разыграна гольф-сумка в уникальном костюме от Андрея Бартенева – российского художника и модельера, известного своими яркими и эпатажными работами.
Аукцион состоится в рамках благотворительного гольф-турнира «Кубок здравого ума», также организованного в поддержку социального проекта Деменция.net. Игроки-любители будут соревноваться в формате командного парного скрэмбла, а для новичков пройдет обучающая программа на тренировочном поле.
Всех гостей и участников турнира ждет развлекательная программа, вести которую будет Натали Неведрова, ex-ведущая передачи «Орел и Решка», за музыку на мероприятии отвечает легендарный диджей Александр Нуждин.
Все средства, собранные в рамках турнира, включая выручку от аукциона, будут направлены на помощь людям с деменцией и их семьям. Наиболее щедрые благотворители будут награждены мини-версиями основного арт-объекта – костюмами для термоса.
📆 Пятница, 12 июня, 9.00 – начало для игроков, 12.00 – начало для новичков, 18.00 – аукцион и вечерняя программа для всех.
📍Гольф-клуб Завидово
Условия участия и инструкция как зарегистрироваться на сайте или в телеграме гольф-клуба.
12 июня в гольф-клубе Завидово пройдет благотворительный аукцион в поддержку социального проекта Деменция.net.
На аукционе будет разыграна гольф-сумка в уникальном костюме от Андрея Бартенева – российского художника и модельера, известного своими яркими и эпатажными работами.
Аукцион состоится в рамках благотворительного гольф-турнира «Кубок здравого ума», также организованного в поддержку социального проекта Деменция.net. Игроки-любители будут соревноваться в формате командного парного скрэмбла, а для новичков пройдет обучающая программа на тренировочном поле.
Всех гостей и участников турнира ждет развлекательная программа, вести которую будет Натали Неведрова, ex-ведущая передачи «Орел и Решка», за музыку на мероприятии отвечает легендарный диджей Александр Нуждин.
Все средства, собранные в рамках турнира, включая выручку от аукциона, будут направлены на помощь людям с деменцией и их семьям. Наиболее щедрые благотворители будут награждены мини-версиями основного арт-объекта – костюмами для термоса.
📆 Пятница, 12 июня, 9.00 – начало для игроков, 12.00 – начало для новичков, 18.00 – аукцион и вечерняя программа для всех.
📍Гольф-клуб Завидово
Условия участия и инструкция как зарегистрироваться на сайте или в телеграме гольф-клуба.
Пушкинский музей сегодня отмечает 114 лет. К юбилею команда музея подготовила авторские маршруты от друзей «Пушкинского». Среди них:
— экскурсия «В зале Рембрандта» от актрисы Марины Александровой;
— «От иконы к картине» от художника Дмитрия Гутова;
— «“Медный всадник” Итальянского дворика» от искусствоведов Михаила и Елены Каменских;
— «Античность глазами архитектора» от Юрия Аввакумова;
— «Рим и мир» от сооснователя галереи «Триумф» Дмитрия Ханкина и другие.
Участие — по предварительной регистрации и входному билету.
В программе также: книжная ярмарка на колоннаде, мастер-классы с материалами для рисования в сквере Ирины Антоновой и три концерта органной музыки в зале Микеланджело. Для молодёжи и любителей архитектуры — отдельная экскурсия по Музейному городку.
— экскурсия «В зале Рембрандта» от актрисы Марины Александровой;
— «От иконы к картине» от художника Дмитрия Гутова;
— «“Медный всадник” Итальянского дворика» от искусствоведов Михаила и Елены Каменских;
— «Античность глазами архитектора» от Юрия Аввакумова;
— «Рим и мир» от сооснователя галереи «Триумф» Дмитрия Ханкина и другие.
Участие — по предварительной регистрации и входному билету.
В программе также: книжная ярмарка на колоннаде, мастер-классы с материалами для рисования в сквере Ирины Антоновой и три концерта органной музыки в зале Микеланджело. Для молодёжи и любителей архитектуры — отдельная экскурсия по Музейному городку.
🎨 Миллионы за любовь: как портреты детей стоят дороже абстракций
Когда мы слышим о миллионах на аукционах, мы представляем монументальные полотна. Но иногда самые желанные лоты — это самые личные: портреты детей художников.
Сегодня, в День защиты детей, рассказываю, почему «семейное» в искусстве стоит целого состояния.
🏆 1. Маленькая Майя: £18 миллионов от Sotheby‘s
В 1938 году Пабло Пикассо переживал тяжёлый кризис. Спасительным светом стала двухлетняя дочь Майя — для неё он написал «Девочку с лодкой».
В 2023 году работа ушла с молотка за £18,1 млн. Детский взгляд оказался дороже многих абстракций мастера.
👧 2. Непокорная Долли: $700 000 за озорство
Кес Ван Донген, мастер ярких портретов парижанок, особенно нежно писал свою дочь Долли.
Картина «Девушка, поправляющая туфельку» была продана за €620 000, а другой портрет Долли установил рекорд в ЮАР — R5,6 млн.
🦗 3. Сюрреалистичное детство Дали: $50 000 за «Ребёнка-кузнечика»
Сальвадор Дали, известный своими странными образами, тоже обращался к теме детства. В 1933 году он создал оригинальную гравюру «Ребёнок-кузнечик» (L'Enfant Sauterelle) — редкую работу, сочетающую невинность ребёнка и пугающий сюрреализм мастера.
На аукционе в Париже в 2015 году работа была продана примерно за $50 000 .
🗝️ В чём секрет стоимости?
В искренности. В этих работах нет политики или эпатажа — только чистая любовь и взгляд без правил. Такие картины редко покидают семьи, поэтому на аукционах вызывают ажиотаж.
В День защиты детей это — напоминание: иногда самое ценное в искусстве (и в жизни) сидело у художника на коленях. Пусть ваши «маленькие Майи» вдохновляют вас каждый день. 🌟
А вы знали, что ранние работы Микеланджело и Рембрандта тоже начинали с детских набросков? Если хотите — расскажу в следующем посте! 👇
Когда мы слышим о миллионах на аукционах, мы представляем монументальные полотна. Но иногда самые желанные лоты — это самые личные: портреты детей художников.
Сегодня, в День защиты детей, рассказываю, почему «семейное» в искусстве стоит целого состояния.
🏆 1. Маленькая Майя: £18 миллионов от Sotheby‘s
В 1938 году Пабло Пикассо переживал тяжёлый кризис. Спасительным светом стала двухлетняя дочь Майя — для неё он написал «Девочку с лодкой».
В 2023 году работа ушла с молотка за £18,1 млн. Детский взгляд оказался дороже многих абстракций мастера.
👧 2. Непокорная Долли: $700 000 за озорство
Кес Ван Донген, мастер ярких портретов парижанок, особенно нежно писал свою дочь Долли.
Картина «Девушка, поправляющая туфельку» была продана за €620 000, а другой портрет Долли установил рекорд в ЮАР — R5,6 млн.
🦗 3. Сюрреалистичное детство Дали: $50 000 за «Ребёнка-кузнечика»
Сальвадор Дали, известный своими странными образами, тоже обращался к теме детства. В 1933 году он создал оригинальную гравюру «Ребёнок-кузнечик» (L'Enfant Sauterelle) — редкую работу, сочетающую невинность ребёнка и пугающий сюрреализм мастера.
На аукционе в Париже в 2015 году работа была продана примерно за $50 000 .
🗝️ В чём секрет стоимости?
В искренности. В этих работах нет политики или эпатажа — только чистая любовь и взгляд без правил. Такие картины редко покидают семьи, поэтому на аукционах вызывают ажиотаж.
В День защиты детей это — напоминание: иногда самое ценное в искусстве (и в жизни) сидело у художника на коленях. Пусть ваши «маленькие Майи» вдохновляют вас каждый день. 🌟
А вы знали, что ранние работы Микеланджело и Рембрандта тоже начинали с детских набросков? Если хотите — расскажу в следующем посте! 👇
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
Эксклюзив: мои кадры с лондонского превью
Делюсь тем, что увидела на закрытом предпоказе выставки Marilyn Monroe: A Portrait в Национальной портретной галерее.
В центре экспозиции — оригинальные отпечатки Джорджа Барриса с пляжа Санта-Моники, 13 июля 1962 года. Через три недели Мэрилин не станет.
На превью мне показали то, чего нет в интернете. Царапины на глянце — Мэрилин вычёркивала шпилькой неудачные дубли. И пометки «good» на оборотах кадров с веснушками, растрёпанными волосами, без макияжа. «Это настоящая я», — объясняла она. Кураторы называют это не саморазрушением, а актом присвоения власти над собственным образом.
Рядом с Баррисом — Уорхол. Живое, дышащее тело против тиражированной иконы. Контраст оглушает.
Журнал Cosmopolitan побоялся публиковать эти снимки — слишком интимно. Права купила британская Daily Mirror. Баррис после гибели Мэрилин уехал в Париж на двадцать лет — он не мог на них смотреть.
Самый трогательный кадр того дня: Мэрилин сидит на песке, закутавшись в свитер, и посылает воздушный поцелуй. «Это тебе, Джордж», — сказала она. Баррис поклялся, что не верил в самоубийство. За два дня до смерти она звонила ему: «Приезжай, это срочно». Он обещал прийти в понедельник. Её нашли в воскресенье.
Стоя перед этими кадрами, я поняла главное. Это не выставка смерти. Это выставка человека, который за месяц до падения научился летать. И послал всем нам воздушный поцелуй — как подпись, как «good» на полях собственной жизни.
Делюсь тем, что увидела на закрытом предпоказе выставки Marilyn Monroe: A Portrait в Национальной портретной галерее.
В центре экспозиции — оригинальные отпечатки Джорджа Барриса с пляжа Санта-Моники, 13 июля 1962 года. Через три недели Мэрилин не станет.
На превью мне показали то, чего нет в интернете. Царапины на глянце — Мэрилин вычёркивала шпилькой неудачные дубли. И пометки «good» на оборотах кадров с веснушками, растрёпанными волосами, без макияжа. «Это настоящая я», — объясняла она. Кураторы называют это не саморазрушением, а актом присвоения власти над собственным образом.
Рядом с Баррисом — Уорхол. Живое, дышащее тело против тиражированной иконы. Контраст оглушает.
Журнал Cosmopolitan побоялся публиковать эти снимки — слишком интимно. Права купила британская Daily Mirror. Баррис после гибели Мэрилин уехал в Париж на двадцать лет — он не мог на них смотреть.
Самый трогательный кадр того дня: Мэрилин сидит на песке, закутавшись в свитер, и посылает воздушный поцелуй. «Это тебе, Джордж», — сказала она. Баррис поклялся, что не верил в самоубийство. За два дня до смерти она звонила ему: «Приезжай, это срочно». Он обещал прийти в понедельник. Её нашли в воскресенье.
Стоя перед этими кадрами, я поняла главное. Это не выставка смерти. Это выставка человека, который за месяц до падения научился летать. И послал всем нам воздушный поцелуй — как подпись, как «good» на полях собственной жизни.
Ещё тепло от «Альфы» в Нижнем, но взгляд уже на Ясную Поляну.
12 дней, 20 концертов, 11 стран и 14 000 зрителей — первый «ЧЕЛОВЕК АЛЬФА / ALFA HUMAN» пересобрал городское пространство на глазах. Академия разума и чувств, философия Нового Возрождения, концерт-притча «Иван Царевич в поисках Кхаммы» в Пакгаузах. Больше тысячи участников на сцене и полное ощущение, что искусство — это не смотрение, а дыхание.
🍃 3–5 июля в Ясной Поляне — юбилейный фестиваль «Толстой»: спектакли под открытым небом в яблоневом саду, променады по толстовским полям, спецпроекты, рождённые именно здесь. Билеты уже в продаже — и улетают быстро.
🎫 А на следующий год — очень советую всё же оказаться в Нижнем. Не на словах, а на самом фестивале. Потому что это не событие, а состояние.
👉 В 2027 «Альфа» вернётся. И это уже не просто рекомендация — это культурный ориентир.
12 дней, 20 концертов, 11 стран и 14 000 зрителей — первый «ЧЕЛОВЕК АЛЬФА / ALFA HUMAN» пересобрал городское пространство на глазах. Академия разума и чувств, философия Нового Возрождения, концерт-притча «Иван Царевич в поисках Кхаммы» в Пакгаузах. Больше тысячи участников на сцене и полное ощущение, что искусство — это не смотрение, а дыхание.
🍃 3–5 июля в Ясной Поляне — юбилейный фестиваль «Толстой»: спектакли под открытым небом в яблоневом саду, променады по толстовским полям, спецпроекты, рождённые именно здесь. Билеты уже в продаже — и улетают быстро.
🎫 А на следующий год — очень советую всё же оказаться в Нижнем. Не на словах, а на самом фестивале. Потому что это не событие, а состояние.
👉 В 2027 «Альфа» вернётся. И это уже не просто рекомендация — это культурный ориентир.
Сегодня мы говорим о тишине там, где раньше был взрыв красок. 11 июня в Лондоне ушел из жизни Дэвид Хокни. Ему было 88 лет.
Для мира Хокни навсегда останется автором «Большого всплеска» — картины 1967 года, где застывшие брызги воды над пустым бассейном стали символом калифорнийской мечты . Но знаете, что он сам говорил об этой работе? Художник признавался, что потратил две недели на то, чтобы написать брызги, которые длятся всего две секунды . Это был его фирменный почерк — изображать само время.
Ирония судьбы: главный певец солнечного Лос-Анджелеса начинал свой путь именно в Лондоне, где учился в Королевском колледже искусств.
А ещё Хокни совершил настоящую революцию в фотографии. В 1982 году он вдруг понял, что обычный снимок похож на «взгляд парализованного циклопа» . Так появились его знаменитые фотоколлажи — «джойнеры» — составленные из сотни поляроидных снимков. Каждый фрагмент снят под разным углом, и вместе они передают то, как мы видим мир на самом деле — движущимися глазами, а не застывшей камерой .
Он обожал новые технологии. В 2010 году Хокни начал рисовать на iPhone и iPad — и делал это с таким мастерством, что его цифровые пейзажи позже уходили с молотка за миллионы долларов .
Ну и наконец, Хокни был настоящим детективом искусства. В своей книге «Тайное знание» он заявил, что старые мастера вроде Вермеера использовали камеру-обскуру — оптическую камеру-предшественницу фотографии — чтобы добиться фотореалистичности . Эту теорию он подтвердил экспериментами с зеркалами и линзами, чем изрядно всколыхнул весь искусствоведческий мир.
Он любил калифорнийское солнце, но последние годы жизни постоянно возвращался в родной Йоркшир и Лондон. Говорил: «Я не думаю, что мир выглядит как фотографии. Я думаю, он выглядит куда более величественно». Хокни ушёл, но его «всплеск» останется в истории искусства навсегда. Светлая память магу цвета.
Для мира Хокни навсегда останется автором «Большого всплеска» — картины 1967 года, где застывшие брызги воды над пустым бассейном стали символом калифорнийской мечты . Но знаете, что он сам говорил об этой работе? Художник признавался, что потратил две недели на то, чтобы написать брызги, которые длятся всего две секунды . Это был его фирменный почерк — изображать само время.
Ирония судьбы: главный певец солнечного Лос-Анджелеса начинал свой путь именно в Лондоне, где учился в Королевском колледже искусств.
А ещё Хокни совершил настоящую революцию в фотографии. В 1982 году он вдруг понял, что обычный снимок похож на «взгляд парализованного циклопа» . Так появились его знаменитые фотоколлажи — «джойнеры» — составленные из сотни поляроидных снимков. Каждый фрагмент снят под разным углом, и вместе они передают то, как мы видим мир на самом деле — движущимися глазами, а не застывшей камерой .
Он обожал новые технологии. В 2010 году Хокни начал рисовать на iPhone и iPad — и делал это с таким мастерством, что его цифровые пейзажи позже уходили с молотка за миллионы долларов .
Ну и наконец, Хокни был настоящим детективом искусства. В своей книге «Тайное знание» он заявил, что старые мастера вроде Вермеера использовали камеру-обскуру — оптическую камеру-предшественницу фотографии — чтобы добиться фотореалистичности . Эту теорию он подтвердил экспериментами с зеркалами и линзами, чем изрядно всколыхнул весь искусствоведческий мир.
Он любил калифорнийское солнце, но последние годы жизни постоянно возвращался в родной Йоркшир и Лондон. Говорил: «Я не думаю, что мир выглядит как фотографии. Я думаю, он выглядит куда более величественно». Хокни ушёл, но его «всплеск» останется в истории искусства навсегда. Светлая память магу цвета.
За современным искусством советую отправиться в Галерею Триумф, ведь в честь своего юбилея Дима показывает лучшее за 20 лет!
В юности я затаив дыхание слушала рассказы отца о первых выставках ресайкл-групп под руководством Полины Могилиной. Тогда, в конце «нулевых», современное искусство в России казалось чем-то дерзким и почти запретным. И вот спустя годы я стою в знакомом пространстве — и время смыкается в кольцо.
Галерея «Триумф» празднует 20-летие выставкой «Триумф. Избранное». Для меня это не просто ретроспектива, а встреча с собственной историей. Проект построен как двухтомное повествование, и главный вопрос, который здесь витает: есть ли эволюция в искусстве? Или это бесконечное переосмысление вечных тем?
Первый том — история становления галереи. Монументальные инсталляции AES+F соседствуют с работами Бродского и Гутова. Ради работ Дмитрия Гутова сюда точно стоит заглянуть: в далёком 2015 году его скульптуры разбавляли залы ГМИИ им. Пушкина, и теперь есть уникальная возможность увидеть, как его отклик на классику вступает в диалог с современностью. В архивной части можно увидеть ранних Хёрста и братьев Чепменов рядом с полотнами Виноградова и Дубосарского. Особенно радуют проекты Launchpad и «Молодые львы» — «Триумф» всегда умел сочетать коммерческий успех с поиском новых талантов.
Второй том, который ещё впереди, обещает исследование визуальной антропологии и региональных практик. Галерея не останавливается, подтверждая статус серьёзного института.
Даже цвет стен здесь говорит: уникальный оттенок чёрного, созданный специально к юбилею, заставляет замедлиться и всмотреться. «Триумф» всегда отвечал за качество, и этот проект — приглашение к дискуссии о том, куда мы движемся.
От папиных рассказов до сегодняшнего дня — я рада быть свидетельницей этого торжества мысли. Выставка до 10 мая. Рекомендую найти время.
📍 Галерея «Триумф», до 26 июня первый том, до 6 сентября второй.
В юности я затаив дыхание слушала рассказы отца о первых выставках ресайкл-групп под руководством Полины Могилиной. Тогда, в конце «нулевых», современное искусство в России казалось чем-то дерзким и почти запретным. И вот спустя годы я стою в знакомом пространстве — и время смыкается в кольцо.
Галерея «Триумф» празднует 20-летие выставкой «Триумф. Избранное». Для меня это не просто ретроспектива, а встреча с собственной историей. Проект построен как двухтомное повествование, и главный вопрос, который здесь витает: есть ли эволюция в искусстве? Или это бесконечное переосмысление вечных тем?
Первый том — история становления галереи. Монументальные инсталляции AES+F соседствуют с работами Бродского и Гутова. Ради работ Дмитрия Гутова сюда точно стоит заглянуть: в далёком 2015 году его скульптуры разбавляли залы ГМИИ им. Пушкина, и теперь есть уникальная возможность увидеть, как его отклик на классику вступает в диалог с современностью. В архивной части можно увидеть ранних Хёрста и братьев Чепменов рядом с полотнами Виноградова и Дубосарского. Особенно радуют проекты Launchpad и «Молодые львы» — «Триумф» всегда умел сочетать коммерческий успех с поиском новых талантов.
Второй том, который ещё впереди, обещает исследование визуальной антропологии и региональных практик. Галерея не останавливается, подтверждая статус серьёзного института.
Даже цвет стен здесь говорит: уникальный оттенок чёрного, созданный специально к юбилею, заставляет замедлиться и всмотреться. «Триумф» всегда отвечал за качество, и этот проект — приглашение к дискуссии о том, куда мы движемся.
От папиных рассказов до сегодняшнего дня — я рада быть свидетельницей этого торжества мысли. Выставка до 10 мая. Рекомендую найти время.
📍 Галерея «Триумф», до 26 июня первый том, до 6 сентября второй.
Инсайд о Рембрандте
Представьте: вы смотрите на картину Рембрандта, которую знали столетия, — и вдруг выясняется, что всё это время вы видели подделку… ну, или как минимум отредактированную версию. Реставраторы сняли верхние слои краски с полотна «Пустите детей приходить ко Мне» и нашли под ними совсем другую историю. Один из главных персонажей, которого все считали голландцем в мягком колпаке, на самом деле был… в тюрбане. Кто-то в XVIII веке решил, что так спокойнее, и переписал его, а заодно приодел ребёнка и добавил деталей на передний план. По сути, картину «причесали» под вкусы владельца — убрали этническое разнообразие, сделали её более привычной для европейского глаза. Но после реставрации Рембрандт вернулся к нам настоящим. И вот тут начинается самое интересное: искусствоведы говорят, что этот сюжет — не просто библейская сцена, а отражение реального Лейдена 1620-х годов, куда в Тридцатилетнюю войну хлынули тысячи беженцев. Историк Эндрю Грэм-Диксон даже связывает картину с идеями религиозной терпимости — Рембрандт тогда был близок к общине ремонстрантов. Но и это не всё. В толпе персонажей нашли членов семьи художника — его родителей, а также автопортрет самого молодого Рембрандта. Получается, он не просто писал библейский сюжет, а вплетал в него свой мир, своих людей, свою позицию. Эту картину обнаружили почти случайно — в 2014 году на немецком аукционе её продавали как анонимную работу неизвестного мастера. А теперь, после всех открытий, 27 июня её впервые покажут публике в отреставрированном виде в лондонском офисе Sotheby's — это такая предторговая выставка, чтобы все успели посмотреть на «нового» Рембрандта своими глазами. А уже в июле полотно уйдёт с молотка — оценка экспертов: от 8 до 12 миллионов фунтов, то есть примерно 10,5–15,5 миллионов долларов.
И вот вам супер-инсайдерская информация, которая нигде не всплывала: нынешний владелец — это не просто коллекционер, а антиквар Ян Сикс, который является прямым потомком того самого Яна Сикса — знаменитого амстердамского бургомистра, чей портрет Рембрандт написал в 1654 году. Да-да, того самого. Так что картина не просто возвращается к свету — она возвращается через руки семьи, связанной с Рембрандтом почти 400 лет. Ну как вам такой поворот?
Представьте: вы смотрите на картину Рембрандта, которую знали столетия, — и вдруг выясняется, что всё это время вы видели подделку… ну, или как минимум отредактированную версию. Реставраторы сняли верхние слои краски с полотна «Пустите детей приходить ко Мне» и нашли под ними совсем другую историю. Один из главных персонажей, которого все считали голландцем в мягком колпаке, на самом деле был… в тюрбане. Кто-то в XVIII веке решил, что так спокойнее, и переписал его, а заодно приодел ребёнка и добавил деталей на передний план. По сути, картину «причесали» под вкусы владельца — убрали этническое разнообразие, сделали её более привычной для европейского глаза. Но после реставрации Рембрандт вернулся к нам настоящим. И вот тут начинается самое интересное: искусствоведы говорят, что этот сюжет — не просто библейская сцена, а отражение реального Лейдена 1620-х годов, куда в Тридцатилетнюю войну хлынули тысячи беженцев. Историк Эндрю Грэм-Диксон даже связывает картину с идеями религиозной терпимости — Рембрандт тогда был близок к общине ремонстрантов. Но и это не всё. В толпе персонажей нашли членов семьи художника — его родителей, а также автопортрет самого молодого Рембрандта. Получается, он не просто писал библейский сюжет, а вплетал в него свой мир, своих людей, свою позицию. Эту картину обнаружили почти случайно — в 2014 году на немецком аукционе её продавали как анонимную работу неизвестного мастера. А теперь, после всех открытий, 27 июня её впервые покажут публике в отреставрированном виде в лондонском офисе Sotheby's — это такая предторговая выставка, чтобы все успели посмотреть на «нового» Рембрандта своими глазами. А уже в июле полотно уйдёт с молотка — оценка экспертов: от 8 до 12 миллионов фунтов, то есть примерно 10,5–15,5 миллионов долларов.
И вот вам супер-инсайдерская информация, которая нигде не всплывала: нынешний владелец — это не просто коллекционер, а антиквар Ян Сикс, который является прямым потомком того самого Яна Сикса — знаменитого амстердамского бургомистра, чей портрет Рембрандт написал в 1654 году. Да-да, того самого. Так что картина не просто возвращается к свету — она возвращается через руки семьи, связанной с Рембрандтом почти 400 лет. Ну как вам такой поворот?
Аукционный рынок в первом полугодии 2026 года вышел на посткризисные максимумы. Совокупные продажи Christie's, Sotheby's и Phillips достигли $6,8 млрд, превысив показатели аналогичного периода 2022 года. Рост носит системный характер: Christie's +78%, Sotheby's +88%, Phillips +36,4% с выраженной специализацией на часах.
Лондон стал основным бенефициаром: объём торгов вырос на 131%, уровень реализации — 91%. Ключевой фактор — выход на рынок крупных наследственных коллекций. Распродажа собрания Джо Льюиса за £393,4 млн не только обеспечила значительную долю выручки, но и подтвердила высокий аппетит к институционально значимым лотам.
Параллельно укрепляется сегмент коллекционных предметов. Heritage Auctions зафиксировал рекордные $1,4 млрд за полугодие — лучший показатель за 50 лет. Это свидетельствует о структурном сдвиге: границы между изобразительным искусством и предметами коллекционирования продолжают размываться, формируя новый ландшафт рынка.
Лондон стал основным бенефициаром: объём торгов вырос на 131%, уровень реализации — 91%. Ключевой фактор — выход на рынок крупных наследственных коллекций. Распродажа собрания Джо Льюиса за £393,4 млн не только обеспечила значительную долю выручки, но и подтвердила высокий аппетит к институционально значимым лотам.
Параллельно укрепляется сегмент коллекционных предметов. Heritage Auctions зафиксировал рекордные $1,4 млрд за полугодие — лучший показатель за 50 лет. Это свидетельствует о структурном сдвиге: границы между изобразительным искусством и предметами коллекционирования продолжают размываться, формируя новый ландшафт рынка.
Она пришла, чтобы всё перетряхнуть. Но арт-мир, как водится, уткнулся не в её амбиции, а в её гонорар.
Джессика Морган официально возглавила Tate. И пока одни спорят, сможет ли она повторить успех в Лондоне, другие лихорадочно конвертируют доллары в фунты. Ещё бы: в Dia Art Foundation, где она хозяйничала до сих пор, её годовой пакет тянул на $814 000. Для сравнения: предшественница Мария Балшоу получала в районе £230–235 тысяч оклада, а со всеми страховками и пенсионными — около £380 000. Даже с учётом консультаций для Трейси Эмин (а это ещё +£60 000) — разница всё равно космическая.
Председатель совета Tate Роланд Радд дипломатично подтвердил: Морган предложили «максимально возможное» в рамках нынешних правил. И она согласилась, добровольно урезав свой доход. Ради чего? Ради статуса? Ради вызова? Скорее всего, и того, и другого. В Tate уже успели наречь её «агентом перемен» — и это не просто громкое слово. Перед ней стоит задача почти неподъёмная: вывести музей из финансового тупика, вернуть сотрудникам веру в завтрашний день и заманить обратно публику, которая всё чаще голосует ногами за диваны, а не за экспонаты.
Любопытно, что Dia, при всей своей скромности, — вовсе не бедный родственник. За 2025-й фонд собрал $41,9 млн выручки, потратил $27,5 млн, а его активы — $271 млн. Только на зарплаты топ-команды ушло около $2 млн, и почти половина — лично Морган. А ещё в отчёте всплыли забавные детали: $39 000 — на лоббизм (можно только гадать, куда они ушли), $1,375 млн — на поездки, причём $238 000 из них — перелёты первых лиц. И $94 000 — на страховку руководства. Для контраста: на сами выставки потратили $1,386 млн, а на покупку искусства — почти $3,5 млн. То есть искусство — да, дорого, но управленческий аппарат — тоже не лыком шит.
Теперь о главном: Tate — это зверь другого калибра. Выручка — порядка £135 млн, профицит — около £3 млн, а в дар музею в прошлом году передали произведений на £31,7 млн. Но даже при таких масштабах сравнивать Морган с Балшоу — всё равно что мерить слона и кита разными линейками. Честный ориентир — MoMA. Там директор без бонусов получает $1 656 000. И вот там уже понятно: Америка платит по-американски. А что останется Лондону — покажет только время. И, конечно, первые выставки.
Джессика Морган официально возглавила Tate. И пока одни спорят, сможет ли она повторить успех в Лондоне, другие лихорадочно конвертируют доллары в фунты. Ещё бы: в Dia Art Foundation, где она хозяйничала до сих пор, её годовой пакет тянул на $814 000. Для сравнения: предшественница Мария Балшоу получала в районе £230–235 тысяч оклада, а со всеми страховками и пенсионными — около £380 000. Даже с учётом консультаций для Трейси Эмин (а это ещё +£60 000) — разница всё равно космическая.
Председатель совета Tate Роланд Радд дипломатично подтвердил: Морган предложили «максимально возможное» в рамках нынешних правил. И она согласилась, добровольно урезав свой доход. Ради чего? Ради статуса? Ради вызова? Скорее всего, и того, и другого. В Tate уже успели наречь её «агентом перемен» — и это не просто громкое слово. Перед ней стоит задача почти неподъёмная: вывести музей из финансового тупика, вернуть сотрудникам веру в завтрашний день и заманить обратно публику, которая всё чаще голосует ногами за диваны, а не за экспонаты.
Любопытно, что Dia, при всей своей скромности, — вовсе не бедный родственник. За 2025-й фонд собрал $41,9 млн выручки, потратил $27,5 млн, а его активы — $271 млн. Только на зарплаты топ-команды ушло около $2 млн, и почти половина — лично Морган. А ещё в отчёте всплыли забавные детали: $39 000 — на лоббизм (можно только гадать, куда они ушли), $1,375 млн — на поездки, причём $238 000 из них — перелёты первых лиц. И $94 000 — на страховку руководства. Для контраста: на сами выставки потратили $1,386 млн, а на покупку искусства — почти $3,5 млн. То есть искусство — да, дорого, но управленческий аппарат — тоже не лыком шит.
Теперь о главном: Tate — это зверь другого калибра. Выручка — порядка £135 млн, профицит — около £3 млн, а в дар музею в прошлом году передали произведений на £31,7 млн. Но даже при таких масштабах сравнивать Морган с Балшоу — всё равно что мерить слона и кита разными линейками. Честный ориентир — MoMA. Там директор без бонусов получает $1 656 000. И вот там уже понятно: Америка платит по-американски. А что останется Лондону — покажет только время. И, конечно, первые выставки.
🕯️ Имена, от которых пахнет пылью веков
Художник — это не тот, кто мешает краски, а тот, кто называет их так, что сердце бьется чаще. Вместо «серый» — «Пепел розы», вместо «грязно-зеленый» — «Траурная мушиная зелень». Вы уже не малюете, вы колдуете.
Вот магический словарь старых мастеров — правдивый:
🎨 Парижская грязь — серо-коричневый цвет мокрого асфальта. В XIX веке её действительно делали из отходов парижских улиц, смешанных с сажей. Тулуз-Лотрек писал ею дно Монмартра.
🎨 Мумия — смолисто-коричневый пигмент из перемолотых египетских мумий (и кошачьих, и человеческих). Прерафаэлиты обожали его для теней. В 1964 году запасы истощились — производство прекратили.
🎨 Ультрамарин — «синий из-за моря», из лазурита, который везли из Афганистана. Стоил дороже золота. Вермеер ради него влезал в долги. Контрабанда лазурита каралась строго, но не как кража реликвии — это была пошлина, а не государственное преступление.
🎨 Индийская жёлтая — тёплый золотистый оттенок. Её получали из мочи коров, которых кормили листьями манго и водой. Британская комиссия запретила производство в 1908 году из-за жестокого содержания животных.
🎨 Капут-мортуум («мёртвая голова») — тёплый красно-коричневый. Название связано с мрачным оттенком, но состав — оксид железа. Использовался голландцами для телесных тонов. С «трупными» пигментами не связан.
🎨 Бистр — глубокий коричневый из сажи сожжённых буковых дров. Леонардо действительно использовал его в рисунках сангиной и сепией — это подтверждается его трактатами.
🎨 Драконья кровь — смола тропических деревьев (да, именно смола, а не дерево), дающая ярко-красный пигмент. В Средневековье её добавляли в лаки и алхимические составы.
🎨 Голубая глина (или Вивианит) — синий минеральный пигмент из Китая. В Европе его иногда называли «голубая земля». Использовался в акварели и фресках.
🎨 Охра красная — природная красная земля с Кипра. Действительно широко использовалась в Помпеях. Прокаливание превращало её в более яркий оттенок, но не в киноварь — это две разные вещи.
🎨 Персиковая сажа — уголь из косточек персика, дающий тёплый бархатистый чёрный. Хокусай использовал его в гравюрах — подтверждено искусствоведами.
🎨 Смальта — синяя краска из растёртого кобальтового стекла. Широко применялась иконописцами. Со временем окислялась и темнела до грязно-зелёного — это научно зафиксировано при реставрациях.
🎨 Зелень Шееле — ярчайший ядовито-зелёный пигмент на основе мышьяка, изобретён в 1775 году. Им красили обои, ткани и даже конфеты. Наполеон действительно мог отравиться парами мышьяка именно через обои на острове Святой Елены — экспертиза показала высокий уровень мышьяка в обоях его спальни, хотя версия остаётся одной из нескольких.
Главное: теперь эти краски синтезируют химики, но имена остались. Именно они превращают пигмент в поэзию. Назовите зелёный «Шорохом джунглей» — и он зазвучит
Художник — это не тот, кто мешает краски, а тот, кто называет их так, что сердце бьется чаще. Вместо «серый» — «Пепел розы», вместо «грязно-зеленый» — «Траурная мушиная зелень». Вы уже не малюете, вы колдуете.
Вот магический словарь старых мастеров — правдивый:
🎨 Парижская грязь — серо-коричневый цвет мокрого асфальта. В XIX веке её действительно делали из отходов парижских улиц, смешанных с сажей. Тулуз-Лотрек писал ею дно Монмартра.
🎨 Мумия — смолисто-коричневый пигмент из перемолотых египетских мумий (и кошачьих, и человеческих). Прерафаэлиты обожали его для теней. В 1964 году запасы истощились — производство прекратили.
🎨 Ультрамарин — «синий из-за моря», из лазурита, который везли из Афганистана. Стоил дороже золота. Вермеер ради него влезал в долги. Контрабанда лазурита каралась строго, но не как кража реликвии — это была пошлина, а не государственное преступление.
🎨 Индийская жёлтая — тёплый золотистый оттенок. Её получали из мочи коров, которых кормили листьями манго и водой. Британская комиссия запретила производство в 1908 году из-за жестокого содержания животных.
🎨 Капут-мортуум («мёртвая голова») — тёплый красно-коричневый. Название связано с мрачным оттенком, но состав — оксид железа. Использовался голландцами для телесных тонов. С «трупными» пигментами не связан.
🎨 Бистр — глубокий коричневый из сажи сожжённых буковых дров. Леонардо действительно использовал его в рисунках сангиной и сепией — это подтверждается его трактатами.
🎨 Драконья кровь — смола тропических деревьев (да, именно смола, а не дерево), дающая ярко-красный пигмент. В Средневековье её добавляли в лаки и алхимические составы.
🎨 Голубая глина (или Вивианит) — синий минеральный пигмент из Китая. В Европе его иногда называли «голубая земля». Использовался в акварели и фресках.
🎨 Охра красная — природная красная земля с Кипра. Действительно широко использовалась в Помпеях. Прокаливание превращало её в более яркий оттенок, но не в киноварь — это две разные вещи.
🎨 Персиковая сажа — уголь из косточек персика, дающий тёплый бархатистый чёрный. Хокусай использовал его в гравюрах — подтверждено искусствоведами.
🎨 Смальта — синяя краска из растёртого кобальтового стекла. Широко применялась иконописцами. Со временем окислялась и темнела до грязно-зелёного — это научно зафиксировано при реставрациях.
🎨 Зелень Шееле — ярчайший ядовито-зелёный пигмент на основе мышьяка, изобретён в 1775 году. Им красили обои, ткани и даже конфеты. Наполеон действительно мог отравиться парами мышьяка именно через обои на острове Святой Елены — экспертиза показала высокий уровень мышьяка в обоях его спальни, хотя версия остаётся одной из нескольких.
Главное: теперь эти краски синтезируют химики, но имена остались. Именно они превращают пигмент в поэзию. Назовите зелёный «Шорохом джунглей» — и он зазвучит