Искусство и деньги
Часть 2
Так выходит, чисто математически, если ты не можешь не писать, творить, клеить, резать, выдумать, ты не можешь существовать (это как болезнь ей Богу, это зависимость). Попробуйте не пить сутки… у меня бывали периоды, когда мне физически плохо, если я сейчас не сяду и не нарисую/ не напишу хоть что…
Ну и в итоге ты обнаруживаешь что большая часть твоего времени и денег уходит на творение всего этого и материалы. Разумно, что баланс во вселенной должен существовать, и все должно идти по кругу и давать возможность новому появляться.
Продал картину, купил холсты и краски. Вот почему искусство для простого художника это не про деньги в чистом виде, это потребность, такая же как в еде и воде.
Ты то, чего не можешь не делать…
И вот мы возвращаемся к тому, должен ли художник думать о деньгах, или творить и ждать момента быть оценённым. Художник конечно никому ничего не должен. Никому. Кроме себя…
Почему так важно продавать, то что делаешь, помимо закрытия бытовых потребностей.
Ценность равно деньги? Мол, так я закрываю потребность быть нужным здесь и сейчас.
Нет, все это таки это не совсем так. Деньги это ресурс, их самоценность нулевая. Деньги сами по себе это нечто. А если это ресурс, то вкладывая его в искусство, вы помогаете ему остаться. Вы помогаете ему жить. Мне кажется для художника все это так глубоко лично и тревожно, что все реально сводиться к вечным темам, темам жизни и смерти, темам познания мира и себя.
Религию, философию, искусство — эти три столпа, на которых удерживался мир, человек изобрел для того, чтобы символически материализовать идею бесконечности. (С) Андрей Тарковский
И так хочется, всю это тираду закончить банальной цитатой из всем известного фильма:
— Скажите, Дрисс, как вы думаете, почему людей тянет к искусству?
— Может, потому что это прибыльно?
— Нет, это единственный способ оставить след на земле.
След на земле…
Ну как, художник должен сам себя продавать?…
Часть 2
Так выходит, чисто математически, если ты не можешь не писать, творить, клеить, резать, выдумать, ты не можешь существовать (это как болезнь ей Богу, это зависимость). Попробуйте не пить сутки… у меня бывали периоды, когда мне физически плохо, если я сейчас не сяду и не нарисую/ не напишу хоть что…
Ну и в итоге ты обнаруживаешь что большая часть твоего времени и денег уходит на творение всего этого и материалы. Разумно, что баланс во вселенной должен существовать, и все должно идти по кругу и давать возможность новому появляться.
Продал картину, купил холсты и краски. Вот почему искусство для простого художника это не про деньги в чистом виде, это потребность, такая же как в еде и воде.
Ты то, чего не можешь не делать…
И вот мы возвращаемся к тому, должен ли художник думать о деньгах, или творить и ждать момента быть оценённым. Художник конечно никому ничего не должен. Никому. Кроме себя…
Почему так важно продавать, то что делаешь, помимо закрытия бытовых потребностей.
Ценность равно деньги? Мол, так я закрываю потребность быть нужным здесь и сейчас.
Нет, все это таки это не совсем так. Деньги это ресурс, их самоценность нулевая. Деньги сами по себе это нечто. А если это ресурс, то вкладывая его в искусство, вы помогаете ему остаться. Вы помогаете ему жить. Мне кажется для художника все это так глубоко лично и тревожно, что все реально сводиться к вечным темам, темам жизни и смерти, темам познания мира и себя.
Религию, философию, искусство — эти три столпа, на которых удерживался мир, человек изобрел для того, чтобы символически материализовать идею бесконечности. (С) Андрей Тарковский
И так хочется, всю это тираду закончить банальной цитатой из всем известного фильма:
— Скажите, Дрисс, как вы думаете, почему людей тянет к искусству?
— Может, потому что это прибыльно?
— Нет, это единственный способ оставить след на земле.
След на земле…
Ну как, художник должен сам себя продавать?…
❤🔥13
Сопричастна к первому в своей жизни мему. Коллективная работа Рабов Малевича 😂🔳🙏 Чтобы понять контекст, ссылка в комменте.
🤯2
Искусство аутсайдеров и авангард
Анна Суворова
#Abstractly_книги 🔳📖
Прочла недавно очень любопытную книгу, купленную в гараже совершенное не запланировано, потому что карман немного жгло. Бывает так, просто надо выбрать книгу и купить.
И в итоге тема книги стала любопытным и неожиданным открытием для меня.
Искусствовед Анна Суворова в своей книге исследует этапы процесса влияния произведения душевнобольных и маргиналов, и в целом искусства начала 20-но века. Сначала экспрессионисты использовали аутсайдерские мотивы и образы, затем апелляции сюрреалистов к алогизму и идеям «безумия» привели к отказу от стигматизации душевной болезни, — а потом, наконец, институциональные практики, от ар-брюта и деятельности Жана Дюбюффе до выставок 2010-х годов, окончательно легитимировали «странное искусство».
Анна Суворова — историк искусства и культуролог, доктор искусствоведения, доцент Российского государственного педагогического университета им. А. И. Герцена и Национального исследовательского университета «Высшая школа экономики».
И главное что я для себя подчеркнула и хотелось бы рассказать о:
— Искусстве Хильма аф Клинт
— В целом об направлении ар брют, понятии аутсайдерского искусства и то как художники вдохновлялись работами душевнобольных
Расскажу подробнее в двух следующий постах.
Хильма аф Клинт
https://t.me/abstractly/630
Ар-брют
https://t.me/abstractly/636
Анна Суворова
#Abstractly_книги 🔳📖
Прочла недавно очень любопытную книгу, купленную в гараже совершенное не запланировано, потому что карман немного жгло. Бывает так, просто надо выбрать книгу и купить.
И в итоге тема книги стала любопытным и неожиданным открытием для меня.
Искусствовед Анна Суворова в своей книге исследует этапы процесса влияния произведения душевнобольных и маргиналов, и в целом искусства начала 20-но века. Сначала экспрессионисты использовали аутсайдерские мотивы и образы, затем апелляции сюрреалистов к алогизму и идеям «безумия» привели к отказу от стигматизации душевной болезни, — а потом, наконец, институциональные практики, от ар-брюта и деятельности Жана Дюбюффе до выставок 2010-х годов, окончательно легитимировали «странное искусство».
Анна Суворова — историк искусства и культуролог, доктор искусствоведения, доцент Российского государственного педагогического университета им. А. И. Герцена и Национального исследовательского университета «Высшая школа экономики».
И главное что я для себя подчеркнула и хотелось бы рассказать о:
— Искусстве Хильма аф Клинт
— В целом об направлении ар брют, понятии аутсайдерского искусства и то как художники вдохновлялись работами душевнобольных
Расскажу подробнее в двух следующий постах.
Хильма аф Клинт
https://t.me/abstractly/630
Ар-брют
https://t.me/abstractly/636
🔥11
Хильма аф Клинт
На самом деле удивительная история шведской художницы, которая опередила Кандинского в создании первой абстрактной работы (ещё в 1906 г.) Но о ней долго время никто не знал, при наличии тысяч рисунок и картин, по ряду причин:
— Она никогда не выставляла свои работы при жизни
— При попытке все таки поделиться своими открытиями публично, скептицизм со стороны Рудольфа Штайнера, которого она уважала, мог повлиять на ее решение не делать этого
— В завещании Клинт указала, что картины не должны демонстрироваться в течение двадцати лет после её смерти
— Ее практика создания работ в целом была связана с оккультизмом, с этим спиритическим изначально подходом и связана критика Рудольфом Штайнером автора текстов «Как познать высшие миры». Надо заметить что в разное время независимо друг от друга с его работой познакомились Кандинский и Клинт.
Ничего при жизни художницы так и не было обнародовано.
Родственники художники пытались передать работы в конце 60-х годов в музей современного искусства в Стокгольме. Но директор музея Понтус Хультен отказался. Кстати эксперт по творчеству Малевича. Но спустя ещё почти 20 лет несколько ее работ были выставлены в Лос-Анджелесе на выставке «Духовность в искусстве: абстрактная живопись 1890-1985». Показ этих работ стал сенсацией.
Конечно, в моем сознании Кандинский все равно остаётся главным пионером абстракции (это как вдруг веру сменить — сложно) Получается, что исторически Хильма первая. Но стоит отметить что мало придумать, идею надо продвигать, чем успешно занимался Кандинский и посвятил этому жизнь. Есть шанс, что никто никогда бы и не узнал бы о Хильме и это печально. Но именно искания авангардистов, активное продвижение идей и внедрения их в жизнь, в своё время двигало искусство, дизайн и производство вперёд.
Вообще любопытная тема забвения и недооценённых художников своего времени. Претендует на отдельный пост.
А работы у Хильмы и вправду очень любопытные. Кто узнал где мы уже встречали одну из ее работ? ;)
На самом деле удивительная история шведской художницы, которая опередила Кандинского в создании первой абстрактной работы (ещё в 1906 г.) Но о ней долго время никто не знал, при наличии тысяч рисунок и картин, по ряду причин:
— Она никогда не выставляла свои работы при жизни
— При попытке все таки поделиться своими открытиями публично, скептицизм со стороны Рудольфа Штайнера, которого она уважала, мог повлиять на ее решение не делать этого
— В завещании Клинт указала, что картины не должны демонстрироваться в течение двадцати лет после её смерти
— Ее практика создания работ в целом была связана с оккультизмом, с этим спиритическим изначально подходом и связана критика Рудольфом Штайнером автора текстов «Как познать высшие миры». Надо заметить что в разное время независимо друг от друга с его работой познакомились Кандинский и Клинт.
Ничего при жизни художницы так и не было обнародовано.
Родственники художники пытались передать работы в конце 60-х годов в музей современного искусства в Стокгольме. Но директор музея Понтус Хультен отказался. Кстати эксперт по творчеству Малевича. Но спустя ещё почти 20 лет несколько ее работ были выставлены в Лос-Анджелесе на выставке «Духовность в искусстве: абстрактная живопись 1890-1985». Показ этих работ стал сенсацией.
Конечно, в моем сознании Кандинский все равно остаётся главным пионером абстракции (это как вдруг веру сменить — сложно) Получается, что исторически Хильма первая. Но стоит отметить что мало придумать, идею надо продвигать, чем успешно занимался Кандинский и посвятил этому жизнь. Есть шанс, что никто никогда бы и не узнал бы о Хильме и это печально. Но именно искания авангардистов, активное продвижение идей и внедрения их в жизнь, в своё время двигало искусство, дизайн и производство вперёд.
Вообще любопытная тема забвения и недооценённых художников своего времени. Претендует на отдельный пост.
А работы у Хильмы и вправду очень любопытные. Кто узнал где мы уже встречали одну из ее работ? ;)
❤🔥20
Продолжение #Abstractly_книги
Искусство аутсайдеров и авангард
Главный вопрос на который все таки отвечает книга и ставит целью изучения это:
Почему произведения душевнобольных, социальных маргиналов и визионеров превратились в значимые художественные феномены?
Никогда не рассматривала авангард того времени с позиции интереса к творчеству аутсайдеров, душевнобольных и маргиналов. А ведь именно кризис канона классический эстетики приводит к этому. Просто для русского искусства характернее другая трактовка «поиска новых передовых идей, для нового мира». Хотя сами художники не называли себя Авангардастами (авангард — передовой отряд) этот термин введён уже спустя время искусствоведами. Сами художники предпочитали называть себя футуристами — людьми устремлёнными в будущие.
Именно для Европы более характерно изучение работ пациентов психиатрических больниц и создания целых коллекций психиатрами. Экспрессионизм, Дадаизм, Автоматическое рисование, все это попытки перенесения внимания на поле внутренних переживай человека.
Обращение к миру эмоций, ключевое стремление в искусстве. Впрочем тема прямого влияния творчества душевнобольных на художников экспрессионистов до сих пор вызывает много вопросов. Сама тема безумия, конечно не нова в искусстве, но встаёт обратный вопрос, являються ли произведения пациентов психиатрических лечебниц искусством? В том понимании его ценности, как мы привыкли. С осмысленным подходом, теорией, работой, экспериментами и исканиями.
Ар-брют
Понятие ар-брюта было введено французским художником Жаном Дюбюффе в 1945 году для обозначения собранной им коллекции картин, исполненных душевнобольными, детьми, внеевропейскими «дикарями» и примитивистами.
Эта история в целом началась с немецкого психиатра Эмиля Крепелина. Великий учёный, внёсший в современную психиатрию значительно больше, чем Фрейд и все его последователи, вместе взятые, увлекался самыми разными вещами. Он изучал шизофрению и маниакально-депрессивный психоз, а заодно коллекционировал творчество душевнобольных.
Затем Принцхорн (другой талантливый психиатр)
начал пополнять пополнять коллекцию, которую Эмил в итоге оставил в Гейдельбергском университете. Он стал
изучать и каталогизировать — и в 1922 году опубликовал свою знаменитую монографию «Художественное творчество душевнобольных», которая была малоинтересна для науки, но разошлась огромным тиражом из-за иллюстраций, восторженно воспринятых французской «тусовкой» художников, Особенно монография понравилась группам сюрреалистов, примитивистов и авангардистов. Ведь творчество душевнобольных сочетало в себе черты, присущие всем этим направлениям. Импровизация, работа в потоке, свободная живая линия, отказ от реалистичности, в сторону эмоции и образа в целом.
Мне лично эти работы, напоминают психоделику 😵💫
Но какие цвета и находки по композиции, в целом понятно чем художники были как вдохновлены.
Искусство аутсайдеров и авангард
Главный вопрос на который все таки отвечает книга и ставит целью изучения это:
Почему произведения душевнобольных, социальных маргиналов и визионеров превратились в значимые художественные феномены?
Никогда не рассматривала авангард того времени с позиции интереса к творчеству аутсайдеров, душевнобольных и маргиналов. А ведь именно кризис канона классический эстетики приводит к этому. Просто для русского искусства характернее другая трактовка «поиска новых передовых идей, для нового мира». Хотя сами художники не называли себя Авангардастами (авангард — передовой отряд) этот термин введён уже спустя время искусствоведами. Сами художники предпочитали называть себя футуристами — людьми устремлёнными в будущие.
Именно для Европы более характерно изучение работ пациентов психиатрических больниц и создания целых коллекций психиатрами. Экспрессионизм, Дадаизм, Автоматическое рисование, все это попытки перенесения внимания на поле внутренних переживай человека.
Обращение к миру эмоций, ключевое стремление в искусстве. Впрочем тема прямого влияния творчества душевнобольных на художников экспрессионистов до сих пор вызывает много вопросов. Сама тема безумия, конечно не нова в искусстве, но встаёт обратный вопрос, являються ли произведения пациентов психиатрических лечебниц искусством? В том понимании его ценности, как мы привыкли. С осмысленным подходом, теорией, работой, экспериментами и исканиями.
Ар-брют
Понятие ар-брюта было введено французским художником Жаном Дюбюффе в 1945 году для обозначения собранной им коллекции картин, исполненных душевнобольными, детьми, внеевропейскими «дикарями» и примитивистами.
Эта история в целом началась с немецкого психиатра Эмиля Крепелина. Великий учёный, внёсший в современную психиатрию значительно больше, чем Фрейд и все его последователи, вместе взятые, увлекался самыми разными вещами. Он изучал шизофрению и маниакально-депрессивный психоз, а заодно коллекционировал творчество душевнобольных.
Затем Принцхорн (другой талантливый психиатр)
начал пополнять пополнять коллекцию, которую Эмил в итоге оставил в Гейдельбергском университете. Он стал
изучать и каталогизировать — и в 1922 году опубликовал свою знаменитую монографию «Художественное творчество душевнобольных», которая была малоинтересна для науки, но разошлась огромным тиражом из-за иллюстраций, восторженно воспринятых французской «тусовкой» художников, Особенно монография понравилась группам сюрреалистов, примитивистов и авангардистов. Ведь творчество душевнобольных сочетало в себе черты, присущие всем этим направлениям. Импровизация, работа в потоке, свободная живая линия, отказ от реалистичности, в сторону эмоции и образа в целом.
Мне лично эти работы, напоминают психоделику 😵💫
Но какие цвета и находки по композиции, в целом понятно чем художники были как вдохновлены.
🔥9
Похвала скуке
Речь Иосифа Бродского перед выпускниками Дармутского колледжа в июне 1989 года.
Я считаю эту речь, должен прочесть каждый, кто связывает свою жизнь с искусством.
Наслаждайтесь:
Но если ты не сможешь удержать свое царство
И придешь, как до тебя отец, туда,
Где мысль обвиняет и чувство высмеивает,
Верь своей боли...
У.Х. Оден, «Алонсо - Фердинанту»
Значительная часть того, что вам предстоит, будет востребована скукой. Причина, по которой я хотел бы поговорить с вами об этом в столь торжественный день, состоит в том, что, как я полагаю, ни один гуманитарный колледж не готовит вас к такой будущности; и Дармут не является исключением. Ни точные науки, ни гуманитарные не предлагают вам курсов скуки. В лучшем случае они могут вас познакомить со скукой, нагоняя ее. Но что такое случайное соприкосновение по сравнению с неизлечимой болезнью? Наихудший монотонный бубнеж, исходящий с кафедры, или смежающий веки велеречивый учебник - ничто по сравнению с психологической Сахарой, которая начинается прямо в вашей спальне и теснит горизонт. Известная под несколькими псевдонимами — тоска, томление, безразличие, хандра, сплин, тягомотина, апатия, подавленность, вялость, сонливость, опустошенность, уныние и т.д., скука — сложное явление и, в общем и целом, продукт повторения. В таком случае, казалось бы, лучшим лекарством от нее должны быть постоянная изобретательность и оригинальность. То есть на что вы, юные и дерзкие, и рассчитывали. Увы, жизнь не даст вам такой возможности, ибо главное в жизненной механике — как раз повторение. Можно, конечно, возразить, что постоянное стремление к оригинальности и изобретательности есть двигатель прогресса и тем самым цивилизации. Однако — в чем и состоит преимущество ретроспективного взгляда — двигатель этот не самый ценный. Ибо, если мы поделим историю нашего вида в соответствии с научными открытиями, не говоря уже об этических концепциях, результат будет безрадостный. Мы получим, выражаясь конкретнее, века скуки. Само понятие оригинальности или новшества выдает монотонность стандартной реальности, жизни, чей главный стих - нет, стиль - есть скука.
Этим она - жизнь - отличается от искусства, злейший враг которого, как вы, вероятно, знаете, - клише. Поэтому неудивительно, что и искусство не может научить вас справляться со скукой. На эту тему написано несколько романов; еще меньше живописных полотен; что касается музыки, она главным образом несемантична.
Единственный способ сделать искусство убежищем от скуки, от этого экзистенциального эквивалента клише, — самим стать художниками.
Хотя, учитывая вашу многочисленность, эта перспектива столь же незаманчива, сколь и маловероятна. Но даже если вы шагнете в полном составе к пишущим машинкам, мольбертам и Стейнвеям, полностью от скуки вы себя не оградите. Если мать скуки - повторяемость, то вы, юные и дерзкие, будете быстро удушены отсутствием признания и низким заработком, ибо и то, и другое хронически сопутствует искусству. В этом отношении литературный труд, живопись, сочинение музыки значительно уступают работе в адвокатской конторе, банке или даже лаборатории.
В этом, конечно, заключается спасительная сила искусства. Не будучи прибыльным, оно становится жертвой демографии довольно неохотно. Ибо если, как мы уже сказали, повторение - мать скуки, демография (которой предстоит сыграть в вашей жизни гораздо большую роль, чем любому из усвоенных вами здесь предметов) - ее второй родитель. Возможно, это звучит мизантропически, но я вдвое старше вас и на моих глазах население земного шара удвоилось. К тому времени, когда вы достигнете моего возраста, оно увеличится вчетверо, и вовсе не так, как вы ожидаете. Например, к 2000 году произойдет такое культурно-этническое перераспределение, которое станет испытанием для вашего человеколюбия. Одно это уменьшит перспективы оригинальности и изобретательности в качестве противоядий от скуки. Но даже в более монохромном мире другое осложнение с оригинальностью и изобретательностью состоит в том, что они буквально окупаются.
Продолжение в комментах:
Речь Иосифа Бродского перед выпускниками Дармутского колледжа в июне 1989 года.
Я считаю эту речь, должен прочесть каждый, кто связывает свою жизнь с искусством.
Наслаждайтесь:
Но если ты не сможешь удержать свое царство
И придешь, как до тебя отец, туда,
Где мысль обвиняет и чувство высмеивает,
Верь своей боли...
У.Х. Оден, «Алонсо - Фердинанту»
Значительная часть того, что вам предстоит, будет востребована скукой. Причина, по которой я хотел бы поговорить с вами об этом в столь торжественный день, состоит в том, что, как я полагаю, ни один гуманитарный колледж не готовит вас к такой будущности; и Дармут не является исключением. Ни точные науки, ни гуманитарные не предлагают вам курсов скуки. В лучшем случае они могут вас познакомить со скукой, нагоняя ее. Но что такое случайное соприкосновение по сравнению с неизлечимой болезнью? Наихудший монотонный бубнеж, исходящий с кафедры, или смежающий веки велеречивый учебник - ничто по сравнению с психологической Сахарой, которая начинается прямо в вашей спальне и теснит горизонт. Известная под несколькими псевдонимами — тоска, томление, безразличие, хандра, сплин, тягомотина, апатия, подавленность, вялость, сонливость, опустошенность, уныние и т.д., скука — сложное явление и, в общем и целом, продукт повторения. В таком случае, казалось бы, лучшим лекарством от нее должны быть постоянная изобретательность и оригинальность. То есть на что вы, юные и дерзкие, и рассчитывали. Увы, жизнь не даст вам такой возможности, ибо главное в жизненной механике — как раз повторение. Можно, конечно, возразить, что постоянное стремление к оригинальности и изобретательности есть двигатель прогресса и тем самым цивилизации. Однако — в чем и состоит преимущество ретроспективного взгляда — двигатель этот не самый ценный. Ибо, если мы поделим историю нашего вида в соответствии с научными открытиями, не говоря уже об этических концепциях, результат будет безрадостный. Мы получим, выражаясь конкретнее, века скуки. Само понятие оригинальности или новшества выдает монотонность стандартной реальности, жизни, чей главный стих - нет, стиль - есть скука.
Этим она - жизнь - отличается от искусства, злейший враг которого, как вы, вероятно, знаете, - клише. Поэтому неудивительно, что и искусство не может научить вас справляться со скукой. На эту тему написано несколько романов; еще меньше живописных полотен; что касается музыки, она главным образом несемантична.
Единственный способ сделать искусство убежищем от скуки, от этого экзистенциального эквивалента клише, — самим стать художниками.
Хотя, учитывая вашу многочисленность, эта перспектива столь же незаманчива, сколь и маловероятна. Но даже если вы шагнете в полном составе к пишущим машинкам, мольбертам и Стейнвеям, полностью от скуки вы себя не оградите. Если мать скуки - повторяемость, то вы, юные и дерзкие, будете быстро удушены отсутствием признания и низким заработком, ибо и то, и другое хронически сопутствует искусству. В этом отношении литературный труд, живопись, сочинение музыки значительно уступают работе в адвокатской конторе, банке или даже лаборатории.
В этом, конечно, заключается спасительная сила искусства. Не будучи прибыльным, оно становится жертвой демографии довольно неохотно. Ибо если, как мы уже сказали, повторение - мать скуки, демография (которой предстоит сыграть в вашей жизни гораздо большую роль, чем любому из усвоенных вами здесь предметов) - ее второй родитель. Возможно, это звучит мизантропически, но я вдвое старше вас и на моих глазах население земного шара удвоилось. К тому времени, когда вы достигнете моего возраста, оно увеличится вчетверо, и вовсе не так, как вы ожидаете. Например, к 2000 году произойдет такое культурно-этническое перераспределение, которое станет испытанием для вашего человеколюбия. Одно это уменьшит перспективы оригинальности и изобретательности в качестве противоядий от скуки. Но даже в более монохромном мире другое осложнение с оригинальностью и изобретательностью состоит в том, что они буквально окупаются.
Продолжение в комментах:
🔥7
Мастерская Пластики 🔵
Борис Михайлов
Странно что я до сих пор не рассказала здесь о книге созданной моим учителем Борисом Михайловым в рамках многолетнего опыта преподавания. Книга издана в моем издательстве @mrikbook в этом году. Сама работа над книгой длилась 5 лет.
«Мастерская пластики» – сборник статей, лекций
и практических заданий, созданных в рамках образовательного проекта по изучению языка современного искусства. Построенная на материалах педагогической практики вузовской учебной мастерской «Арт-Дизайн» и в «Школе
Современной Пластики», работавших под руководством автора книги Бориса Михайлова в период 2003–2017 годов.
🟡Первые два раздела книги содержат программу курса «Пластический Язык».
В первой части изложены принципы и методы изучения пластики и представлены два блока основных составляющих языка: «Белое-чёрное» и «Цвет».
🔺Во второй части дана развернутая картина становления языка современной пластики на фоне развития искусства XX-XXI вв. Теоретические положения подкрепляются конкретными заданиями и упражнениями по каждой из глав и проиллюстрированы работами студентов и слушателей. Переходом от учебной к самостоятельной творческой работе является программа «Аналитическая живопись», которая завершается материалами по выставке выпускников Школы «Граничность».
◾️Третий раздел книги рассказывает об идейных основаниях и принципах проектирования в «Мастерской Арт-Дизайн», приведены примеры проектных работ студентов в средовом, графическом и предметном дизайне.
Объём издания 280 стр., более 550 илл.
Автор: Борис Михайлов
Дизайн, верстка, препресс: Женя Юдина
Издательство: Masstam и mrikbook
Подробности и приобретение:
http://mrikbook.com/masterskayaplastiki
Статья о книге:
https://skillbox.ru/media/design/chyernobeloe-otryvok-knigi-masterskaya-plastiki/
Также книгу можно посмотреть и купить в галерее «Пересветов переулок».
https://peresvetov.vzmoscow.ru
❤️🔳📖
#Abstractly_книги
Борис Михайлов
Странно что я до сих пор не рассказала здесь о книге созданной моим учителем Борисом Михайловым в рамках многолетнего опыта преподавания. Книга издана в моем издательстве @mrikbook в этом году. Сама работа над книгой длилась 5 лет.
«Мастерская пластики» – сборник статей, лекций
и практических заданий, созданных в рамках образовательного проекта по изучению языка современного искусства. Построенная на материалах педагогической практики вузовской учебной мастерской «Арт-Дизайн» и в «Школе
Современной Пластики», работавших под руководством автора книги Бориса Михайлова в период 2003–2017 годов.
🟡Первые два раздела книги содержат программу курса «Пластический Язык».
В первой части изложены принципы и методы изучения пластики и представлены два блока основных составляющих языка: «Белое-чёрное» и «Цвет».
🔺Во второй части дана развернутая картина становления языка современной пластики на фоне развития искусства XX-XXI вв. Теоретические положения подкрепляются конкретными заданиями и упражнениями по каждой из глав и проиллюстрированы работами студентов и слушателей. Переходом от учебной к самостоятельной творческой работе является программа «Аналитическая живопись», которая завершается материалами по выставке выпускников Школы «Граничность».
◾️Третий раздел книги рассказывает об идейных основаниях и принципах проектирования в «Мастерской Арт-Дизайн», приведены примеры проектных работ студентов в средовом, графическом и предметном дизайне.
Объём издания 280 стр., более 550 илл.
Автор: Борис Михайлов
Дизайн, верстка, препресс: Женя Юдина
Издательство: Masstam и mrikbook
Подробности и приобретение:
http://mrikbook.com/masterskayaplastiki
Статья о книге:
https://skillbox.ru/media/design/chyernobeloe-otryvok-knigi-masterskaya-plastiki/
Также книгу можно посмотреть и купить в галерее «Пересветов переулок».
https://peresvetov.vzmoscow.ru
❤️🔳📖
#Abstractly_книги
❤🔥9💔3🔥2