#100фотографов Ник Найт - фотограф, который авангардные идеи и приемы использует в модных съемках. Это он сделал фотосессию на айфон, обработав фото в Инстаграме, это он одним добавил глитч в рекламную кампанию. Говорят это именно он вместе с Николя Формичетти придумал Леди Гагу. Погуглить кадры из фильма 1982 года “Liquid sky”, там есть прям один в один Гага. Так как же складывалась карьера Найта?
Учиться фотографии британец Ник Найт пошел в колледж в 80-е. Британия только только начинала выходить из экономического кризиса, полного безработицы и безнадеги. В 70-е махровым цветом расцвели субкультуры, такие как панки и скинхеды (тут важно отметить, что изначально скинхеды ничего общего с расистами, националистами и прочими -ами не имели, даже их отношение к погромам во время футбольных матчей было скорее идеей СМИ, чем реальностью. Ведь проще показать в роли хулигана татуированной бритоголовых, чем прилично одетого гражданина. И ещё, изначально скинхеды вышли из модов и тоже отличались тонким чувством стиля). Так вот, в 80-е Ник Найт был скинхедом. И во время учёбы фотографировал своих друзей. В итоге - это стало его дипломной работой, а потом и книгой. “Скинхеды” - это не только фотографии, но и рассказ об этой субкультуре. Собственно эта книга и стала тем, что привело Ника Найта в фэшн фотографию и мир моды.
В 82-е, когда в Британии было почти все хорошо и с экономикой, и с промышленностью и с завтрашним днём, книга Найта попалась на глаза креативному директору журнала i-D Робину Деррику. Найт получает от i-D заказ на сто монохромных портретов посетителей ночного клуба Taboo для юбилейного номера.
Серия производит сильное впечатление на арт-директора журнала Марка Асколи, и в 1986 году он приглашает Найта снять каталог для Yohji Yamamoto. Для решения этой задачи фотограф привлекает художника Питера Сэвилла. В то время так никто не делал. Результат опять всех впечатляет и Ник Найт становится фэшн-фотографом, снимающим мировые бренды для мирового глянца и рекламы.
Впрочем, на фотографии Найт не остановился.
В 2000 году он запускает сайт о моде - с авангардным уклоном, естественно, и становится его редактором. А через год от съемок обложек для музыкальных альбомов переходит к съемке музыкальных видео.
2001 году для Бьорк на песню «Pagan Poetry».
В 2011 году клип на композицию «Born This Way» Леди Гаги. Он также занимался оформлением альбома «Born This Way» .
В 2013 году снял клип «Bound 2» Канье Уэста.
Если говорить о приемах и технике съемки, то это всё новое, в том числе и в компьютерной постобработке изображений. И все не стандартное.
Модели Ника Найта - это не только супермодели как Кейт Мосс или знаменитости как Гальяно и МакКуин. В 90-е он снимает безногую модель Эйми Муллинз, женщин, прошедших мастэктомию, постаревших героинь подиумов 70-х, толстушку Софи Даль, причем добивается изящества и сексуальности. А одна из последних работ - фотосессия для V Magazine, в которой снялась девушка с синдромом кошачьего глаза. http://bigpicture.ru/wp-content/uploads/2017/03/3E1E1DEB00000578-4298886-image-m-71_1489094459439.jpg
Учиться фотографии британец Ник Найт пошел в колледж в 80-е. Британия только только начинала выходить из экономического кризиса, полного безработицы и безнадеги. В 70-е махровым цветом расцвели субкультуры, такие как панки и скинхеды (тут важно отметить, что изначально скинхеды ничего общего с расистами, националистами и прочими -ами не имели, даже их отношение к погромам во время футбольных матчей было скорее идеей СМИ, чем реальностью. Ведь проще показать в роли хулигана татуированной бритоголовых, чем прилично одетого гражданина. И ещё, изначально скинхеды вышли из модов и тоже отличались тонким чувством стиля). Так вот, в 80-е Ник Найт был скинхедом. И во время учёбы фотографировал своих друзей. В итоге - это стало его дипломной работой, а потом и книгой. “Скинхеды” - это не только фотографии, но и рассказ об этой субкультуре. Собственно эта книга и стала тем, что привело Ника Найта в фэшн фотографию и мир моды.
В 82-е, когда в Британии было почти все хорошо и с экономикой, и с промышленностью и с завтрашним днём, книга Найта попалась на глаза креативному директору журнала i-D Робину Деррику. Найт получает от i-D заказ на сто монохромных портретов посетителей ночного клуба Taboo для юбилейного номера.
Серия производит сильное впечатление на арт-директора журнала Марка Асколи, и в 1986 году он приглашает Найта снять каталог для Yohji Yamamoto. Для решения этой задачи фотограф привлекает художника Питера Сэвилла. В то время так никто не делал. Результат опять всех впечатляет и Ник Найт становится фэшн-фотографом, снимающим мировые бренды для мирового глянца и рекламы.
Впрочем, на фотографии Найт не остановился.
В 2000 году он запускает сайт о моде - с авангардным уклоном, естественно, и становится его редактором. А через год от съемок обложек для музыкальных альбомов переходит к съемке музыкальных видео.
2001 году для Бьорк на песню «Pagan Poetry».
В 2011 году клип на композицию «Born This Way» Леди Гаги. Он также занимался оформлением альбома «Born This Way» .
В 2013 году снял клип «Bound 2» Канье Уэста.
Если говорить о приемах и технике съемки, то это всё новое, в том числе и в компьютерной постобработке изображений. И все не стандартное.
Модели Ника Найта - это не только супермодели как Кейт Мосс или знаменитости как Гальяно и МакКуин. В 90-е он снимает безногую модель Эйми Муллинз, женщин, прошедших мастэктомию, постаревших героинь подиумов 70-х, толстушку Софи Даль, причем добивается изящества и сексуальности. А одна из последних работ - фотосессия для V Magazine, в которой снялась девушка с синдромом кошачьего глаза. http://bigpicture.ru/wp-content/uploads/2017/03/3E1E1DEB00000578-4298886-image-m-71_1489094459439.jpg
Завтра будет история о британском фэшн-фотографе Дэвиде Бейли. Это именно он стал прообразом главного героя в фильме Антониони -"Фотоувеличение". А сегодня я смотрю фильм о том, как началась его карьера "Мы покорим Манхэтен".
- Разве можно, что то понять о человеке из художественного фильма? Там же все вымысел! - сказала мама.
- Ну, атмосферой проникнуться и сверить биографические факты. Вдохновиться, короче 😉
http://www.starslife.ru/wp-content/uploads/2014/02/DavidBailey02.jpg
- Разве можно, что то понять о человеке из художественного фильма? Там же все вымысел! - сказала мама.
- Ну, атмосферой проникнуться и сверить биографические факты. Вдохновиться, короче 😉
http://www.starslife.ru/wp-content/uploads/2014/02/DavidBailey02.jpg
#100фотографов Завтра подзатянулось на пару дней. Кормящей матери нельзя просто взять и посмотреть кино 😂 Но я смогла! “Мы покорим Манхэтен” - не только в красках и эпитетах рассказывает о том, как началась карьера супер-фотографа Дэвида Бейли и супер-модели Джин Шримптон.
В фильме прекрасно показана эпоха, в которой они начинали. Точнее нравы ее модной глянцевой части. Вообще, я смотрела, и прям в некоторых местах узнавала цитаты из автобиографии Хельмута Ньютона. Например, о том, что леди не фотографируются у столбов. А чтобы стать великим фотографом, нужно покорить Америку и американский Vogue.
“Свингующему Лондону” воспетому в фотографиях Бейли и всей вот этой сексуальной, музыкальной и прочих революций, предшествовало послевоенное время. В 50-е всем хотелось постоянства, уверенности в завтрашнем дне. Дамы меняли наряды по несколько раз в день. Стремились быть элегантными, добродетельными и допропорядочными такими леди-леди. В фотографии царила постановка, выверенные движения и эмоции. Даже у первым, кто вывел моделей на улицу - Айведона с зонтиком, аккуратно паря, летела леди-леди. Да и сами фотографы по большей части были голубых кровей из хороших семей. Не то, что Бейли. Если выразится по-русски - рабоче-крестьянского происхождения.
В конце 50-х передним, как и перед другими двадцатилетними, маячила перспектива стать “Можно было стать боксером, воровать машины, или стать музыкантом”.
Он выбрал фотографию. Ничего не зная и не умея пошел работать к… А уже через год его имя знал весь мировой глянец. Нет, не работа в студии с декорациями а-ля Сесил Битон стала переломным в карьере Дэвида. Я бы выделила два других.
1 фотография Паулины Стоун, «разговаривающей» с белкой, снятая для раздела моды газеты “Daily Express” в 1960 году. https://static.wixstatic.com/media/d7e49f_849a18909f1e437984ceafa21dc53d2f.jpg
В то время модель могла стоять, сидеть, ну, в крайнем случае - возлежать. Но сидеть на коленях перед белкой? Это было прорывом! Работу заметили и бригласили Бейли штатным фотографом в британский Vogue. Правда он согласился со второго раза. В первый, его не устроила зарплата. На тот момент Дэвид не сильно разбирался в глянце и название журнала ему ни о чем не говорило.
Собственно, отсутствие пиетета перед названиями и традициями модных фотографов прошлого позволило ему покорить Манхэтен, а с ним и мировую фэшн индустрию. Съемка в Нью-Йорке и стала переломным моментом номер 2.
Что в ней было такого? То, что потом и составило стиль Бейли: случайные моменты и движения вместо чопорных поз, улицы и столбы вместо памятников и знаковой архитектуры, кадрирование с подрезанием рук, ног и т.д., и модель не леди-леди, а живая красивая девушка.
Впрочем, знаменитости на его снимках тоже выглядели скорее как родственники в альбоме вашей тети, чем как иконы поколения. Жизнь, момент, энергетика - это то, что отличает снимки Бейди. Да, портреты на белом фоне делал и Айведон, и Ирвин Пенн, но у Бейли они выглядят просто и естественно. Без психологизма и драмы.
Самое интересное в фильме и в истории фотографа то, что это очень сильно коррелирует с современной фэшн индустрией. От гламура-гламура идет переход к картинкам “попроще”. Модели девчонки из соседнего двора, одежда без лейблов и уход от дорого-богато, к “ой, а вот так я хожу гулять с собакой”.
Кстати, сам Бейли изначально вдохновлялся фотографиями Анри Картье-Брессона и зачитывался журналом Life.
Но вернемся к Дэвиду Бейли. Из его интервью журналу Интервью я узнала, что он страдает дислексией, и что ей страдают всего 10% людей и все они - гении 😂 (да-да! Я знала это, я чувствовала! Я гееений! *бегает по дому и громко гогочет*)
Ну и как я писала выше, Бейли стал прообразом главного героя в “Фотоувеличении” Антониони. Это еще один фильм, который стоит пересмотреть 😋
В фильме прекрасно показана эпоха, в которой они начинали. Точнее нравы ее модной глянцевой части. Вообще, я смотрела, и прям в некоторых местах узнавала цитаты из автобиографии Хельмута Ньютона. Например, о том, что леди не фотографируются у столбов. А чтобы стать великим фотографом, нужно покорить Америку и американский Vogue.
“Свингующему Лондону” воспетому в фотографиях Бейли и всей вот этой сексуальной, музыкальной и прочих революций, предшествовало послевоенное время. В 50-е всем хотелось постоянства, уверенности в завтрашнем дне. Дамы меняли наряды по несколько раз в день. Стремились быть элегантными, добродетельными и допропорядочными такими леди-леди. В фотографии царила постановка, выверенные движения и эмоции. Даже у первым, кто вывел моделей на улицу - Айведона с зонтиком, аккуратно паря, летела леди-леди. Да и сами фотографы по большей части были голубых кровей из хороших семей. Не то, что Бейли. Если выразится по-русски - рабоче-крестьянского происхождения.
В конце 50-х передним, как и перед другими двадцатилетними, маячила перспектива стать “Можно было стать боксером, воровать машины, или стать музыкантом”.
Он выбрал фотографию. Ничего не зная и не умея пошел работать к… А уже через год его имя знал весь мировой глянец. Нет, не работа в студии с декорациями а-ля Сесил Битон стала переломным в карьере Дэвида. Я бы выделила два других.
1 фотография Паулины Стоун, «разговаривающей» с белкой, снятая для раздела моды газеты “Daily Express” в 1960 году. https://static.wixstatic.com/media/d7e49f_849a18909f1e437984ceafa21dc53d2f.jpg
В то время модель могла стоять, сидеть, ну, в крайнем случае - возлежать. Но сидеть на коленях перед белкой? Это было прорывом! Работу заметили и бригласили Бейли штатным фотографом в британский Vogue. Правда он согласился со второго раза. В первый, его не устроила зарплата. На тот момент Дэвид не сильно разбирался в глянце и название журнала ему ни о чем не говорило.
Собственно, отсутствие пиетета перед названиями и традициями модных фотографов прошлого позволило ему покорить Манхэтен, а с ним и мировую фэшн индустрию. Съемка в Нью-Йорке и стала переломным моментом номер 2.
Что в ней было такого? То, что потом и составило стиль Бейли: случайные моменты и движения вместо чопорных поз, улицы и столбы вместо памятников и знаковой архитектуры, кадрирование с подрезанием рук, ног и т.д., и модель не леди-леди, а живая красивая девушка.
Впрочем, знаменитости на его снимках тоже выглядели скорее как родственники в альбоме вашей тети, чем как иконы поколения. Жизнь, момент, энергетика - это то, что отличает снимки Бейди. Да, портреты на белом фоне делал и Айведон, и Ирвин Пенн, но у Бейли они выглядят просто и естественно. Без психологизма и драмы.
Самое интересное в фильме и в истории фотографа то, что это очень сильно коррелирует с современной фэшн индустрией. От гламура-гламура идет переход к картинкам “попроще”. Модели девчонки из соседнего двора, одежда без лейблов и уход от дорого-богато, к “ой, а вот так я хожу гулять с собакой”.
Кстати, сам Бейли изначально вдохновлялся фотографиями Анри Картье-Брессона и зачитывался журналом Life.
Но вернемся к Дэвиду Бейли. Из его интервью журналу Интервью я узнала, что он страдает дислексией, и что ей страдают всего 10% людей и все они - гении 😂 (да-да! Я знала это, я чувствовала! Я гееений! *бегает по дому и громко гогочет*)
Ну и как я писала выше, Бейли стал прообразом главного героя в “Фотоувеличении” Антониони. Это еще один фильм, который стоит пересмотреть 😋
#109фотографов Биография Синди Шерман выбила меня из колеи. Вдруг пришел ответ на не мой вопрос, и ответ этот шокировал своей откровенностью.
-Почему ты ничего не фотографируешь? - иногда спрашивает меня муж.
-Нууу, у меня нет идей, нет моделей, нет визажиста… Не судьба, короче, - отвечаю я.
И вот, прочитав биографию Шерман, понимаю, что это все корявые отмазки. Истинный ответ прост: “я - ленивая скотина и люблю лежать на диване”. Так что же это за фотограф такая? Точнее “художник, работающая в технике постановочной фотографии". Это цитата. Оказывается и такое бывает. Но хватит лирики, переходим к фактам.
В нелегкие для Америки 70-е Синди, пятый ребенок в семье инженера и учительницы, поступила в колледж с намерением стать художником. Стагнация, инфляция, безработица, банкротство промышленных предприятий - все прелести экономического кризиса на фоне борьбы женщин и меньшинств за свои права.
Собственно место женщины в мире вообще и в поп-культуре в частности и решает исследовать Шерман. На это ее подтолкнул друг - другой студент колледжа Роберт Лонго, эту самую поп-культуру изучавший. Он же посоветовал фотографировать, а не рисовать. И Синди начала проект принесший просто мега популярность, известность и все такое.
В 1977 году в возрасте 23х лет она начинает снимать серию Untitled Film Stills (кадры из неизвестного фильма). Это 69 фотографий, на которых изображены кино-клише с женщиной в кадре. Эти фотографии и эти женщины похожи сразу на всех героинь фильмов итальянских и американских режиссеров-неореалистов. Но при этом не на кого конкретно. На то это и клише.
Серия, вышедшая в начале 80-х, буквально взорвала Америку. Так никто не снимал.
Во-первых, фотограф и модель - один и тот же человек.
Во-вторых, это не автопортреты. В каждом кадре Синди играет определенную роль. Недаром Уорхол назвал ее настоящей актрисой.
В-третьих, о роли женщины в искусстве и жизни так ещё никто не говорил.
Конечно, не сразу, но эти фотографии 20*25 стали стоить миллионы. В декабре 1995 Музей современного искусства в Нью-Йорке приобрел все 69 черно-белых фотографий Синди Шерман из серии Untitled Film Stills. А репринт кадра #48 был продан за $2,965 000.
Что вдохновляло Синди?
Во-первых, фильмы. Ещё в детстве, в доме постоянно работал телевизор, по которому по несколько раз показывали одни и те же фильмы.
Во-вторых, явления культуры. Одна из серий - фотографии - копии картин великих художников, жительницы элитного района Голливуда, или совсем свежие работы - сэлфи, обработанные с помощью всего многообразия фильтров для мобильников. Эти работы (новые) выложены в Инстаграме художницы-фотографа - https://www.instagram.com/_cindysherman_
Всю свою жизнь Синди Шерман верна выбранному стилю фотографии: постановочное фото, отражающее то или иное явление современной или не очень культуры, где фотограф она же и модель, играющая роль, а не просто “бахающая себяшечку”.
Вообще, если бы ни эта деталь (модель играет роль, делая из автопортрета, просто портрет на тему), то о Шерман можно было бы сказать, что она делала селфи до того как это стало мейнстримом.
-Почему ты ничего не фотографируешь? - иногда спрашивает меня муж.
-Нууу, у меня нет идей, нет моделей, нет визажиста… Не судьба, короче, - отвечаю я.
И вот, прочитав биографию Шерман, понимаю, что это все корявые отмазки. Истинный ответ прост: “я - ленивая скотина и люблю лежать на диване”. Так что же это за фотограф такая? Точнее “художник, работающая в технике постановочной фотографии". Это цитата. Оказывается и такое бывает. Но хватит лирики, переходим к фактам.
В нелегкие для Америки 70-е Синди, пятый ребенок в семье инженера и учительницы, поступила в колледж с намерением стать художником. Стагнация, инфляция, безработица, банкротство промышленных предприятий - все прелести экономического кризиса на фоне борьбы женщин и меньшинств за свои права.
Собственно место женщины в мире вообще и в поп-культуре в частности и решает исследовать Шерман. На это ее подтолкнул друг - другой студент колледжа Роберт Лонго, эту самую поп-культуру изучавший. Он же посоветовал фотографировать, а не рисовать. И Синди начала проект принесший просто мега популярность, известность и все такое.
В 1977 году в возрасте 23х лет она начинает снимать серию Untitled Film Stills (кадры из неизвестного фильма). Это 69 фотографий, на которых изображены кино-клише с женщиной в кадре. Эти фотографии и эти женщины похожи сразу на всех героинь фильмов итальянских и американских режиссеров-неореалистов. Но при этом не на кого конкретно. На то это и клише.
Серия, вышедшая в начале 80-х, буквально взорвала Америку. Так никто не снимал.
Во-первых, фотограф и модель - один и тот же человек.
Во-вторых, это не автопортреты. В каждом кадре Синди играет определенную роль. Недаром Уорхол назвал ее настоящей актрисой.
В-третьих, о роли женщины в искусстве и жизни так ещё никто не говорил.
Конечно, не сразу, но эти фотографии 20*25 стали стоить миллионы. В декабре 1995 Музей современного искусства в Нью-Йорке приобрел все 69 черно-белых фотографий Синди Шерман из серии Untitled Film Stills. А репринт кадра #48 был продан за $2,965 000.
Что вдохновляло Синди?
Во-первых, фильмы. Ещё в детстве, в доме постоянно работал телевизор, по которому по несколько раз показывали одни и те же фильмы.
Во-вторых, явления культуры. Одна из серий - фотографии - копии картин великих художников, жительницы элитного района Голливуда, или совсем свежие работы - сэлфи, обработанные с помощью всего многообразия фильтров для мобильников. Эти работы (новые) выложены в Инстаграме художницы-фотографа - https://www.instagram.com/_cindysherman_
Всю свою жизнь Синди Шерман верна выбранному стилю фотографии: постановочное фото, отражающее то или иное явление современной или не очень культуры, где фотограф она же и модель, играющая роль, а не просто “бахающая себяшечку”.
Вообще, если бы ни эта деталь (модель играет роль, делая из автопортрета, просто портрет на тему), то о Шерман можно было бы сказать, что она делала селфи до того как это стало мейнстримом.
Forwarded from art impress | КИНЕМАТОГРАФ
О! Я помню 2011 год и новость о том, что “Рейн II” стал самой дорогой фотографией (в 2014 году рекорд побила фотография авторства Синди Шерман) Об этом писали в интернетах все кому не лень. А в реале фотографы обсуждали друг с другом, пытаясь найти ответ “За что? За что, Ъ, £4млн?!?!?” И посыпали голову пеплом, глядя на свои портфолио. Отфотошопленный пейзаж сделал Андреаса Гурски самым высокооплачиваемым фотографом современности. Впрочем, у него есть еще несколько фоточек, проданных за более, чем миллион баксов. Так как этот парень к успеху пришел?
Фотографом, сын и внук фотографов (отец - рекламный фотограф) решил стать в непростые для ФРГ 70-80е. Экономический кризис, безработица, попытка переосмыслить итоги войны и не воспринимать 8 мая как крушение империи, осудить фашизм и покаяться. Неудивительно, что закончивший фотошколу Гурски, несмотря на именитого педагога, как фотограф был никому не нужен. Промышленное производство летело к черту, правительство урезало соцпакет и ужесточало наказание за стачки, а тут юнец решил стать фотографом. Ха! И Гурски подался в таксисты. Ну, просто в то время быть безработным означало быть неудачником. 80-е обстановка немного улучшилась (чтобы в какой-то момент снова пойти под откос) и Гурски снова пошел учиться. Наставниками стали мастера концептуализма Берда и Хиллы Бехер, известные серией фотографий промышленных объектов. Когда в гору пошли и дела у их учеников. В том числе у Гурски, подошедшему к фотографии весьма концептуально. Вот так выглядит первая его опубликованная работа (1980 год), которую он часто выставлял - https://losko.ru/wp-content/uploads/2016/12/Gas-Cooker-780x1061.jpg. Это газовая плита у него на кухне.
Что же стало переломным моментом в карьере? 90-е с их разрушением границ и повсеместной глобализацией и “изобретение” фотошопа. К тому моменту Гурски и так снимал на большой формат и печатал максимальный размер. Фотошоп в начале 2000-х позволил ему: увеличить фотографии до 2х4 метра, удалять/добавлять ненужное/нужное, собирать кадр из множества фотографий, управлять цветом.
От снимков природы Андреас перешел к фотографиям антиглобалистического толка. Много много элементов, людей, машин, товаров в магазине. “Муравьи” на огромном полотне. Структура мира, дух хай-тека и глобализма. В этом мире человек всего лишь один из миллиона. Кирпичек в стене. В 2010-х тема глобализма и потребительства стала невероятно актуальной. Причем же здесь Рейн? Это такой глобализм со знаком минус. Гурски “затер” людей и здания на фоне. Получился пейзаж, который мог бы быть, если бы людей вообще никогда не было. Только река, могучий Рейн. Фотография шириной 3,5 метра. Причем на фото видна каждая травинка.
Что еще кроме “Рейна”? Вторая по значимости, но первая хронологиечски, “дорогая” работа “99 центов”. Полки магазинов с бесконечным паттерном товаров - ода обществу потребления. Продана за $3 346 456 в 2007 году.
Конечно, Гурски не сразу пришел к съемке людей как “вида” (по его словам, его интересует человечество именно как вид), как множество маленьких элементов чего-то большого и сопутствующих этому виду предметов и явлений.
Сейчас Гурски преимущественно фотографирует архитектуру, пейзажи и толпы людей в различных ситуациях.
Кем же вдохновлялся Гурски? На кого смотрел? Конечно, на учителей Берду и Хиллу Бехер, создавших тотемические изображения промышленных зданий. А еще он вдохновляется электронной музыкой. Даже снимал на фестивале в Нидерландах Dance Valley и в клубе Cocoon во Франкфурте, которым владеет друг фотографа, диджей Свен Фэт.
Продолжение ⬇⬇⬇
Фотографом, сын и внук фотографов (отец - рекламный фотограф) решил стать в непростые для ФРГ 70-80е. Экономический кризис, безработица, попытка переосмыслить итоги войны и не воспринимать 8 мая как крушение империи, осудить фашизм и покаяться. Неудивительно, что закончивший фотошколу Гурски, несмотря на именитого педагога, как фотограф был никому не нужен. Промышленное производство летело к черту, правительство урезало соцпакет и ужесточало наказание за стачки, а тут юнец решил стать фотографом. Ха! И Гурски подался в таксисты. Ну, просто в то время быть безработным означало быть неудачником. 80-е обстановка немного улучшилась (чтобы в какой-то момент снова пойти под откос) и Гурски снова пошел учиться. Наставниками стали мастера концептуализма Берда и Хиллы Бехер, известные серией фотографий промышленных объектов. Когда в гору пошли и дела у их учеников. В том числе у Гурски, подошедшему к фотографии весьма концептуально. Вот так выглядит первая его опубликованная работа (1980 год), которую он часто выставлял - https://losko.ru/wp-content/uploads/2016/12/Gas-Cooker-780x1061.jpg. Это газовая плита у него на кухне.
Что же стало переломным моментом в карьере? 90-е с их разрушением границ и повсеместной глобализацией и “изобретение” фотошопа. К тому моменту Гурски и так снимал на большой формат и печатал максимальный размер. Фотошоп в начале 2000-х позволил ему: увеличить фотографии до 2х4 метра, удалять/добавлять ненужное/нужное, собирать кадр из множества фотографий, управлять цветом.
От снимков природы Андреас перешел к фотографиям антиглобалистического толка. Много много элементов, людей, машин, товаров в магазине. “Муравьи” на огромном полотне. Структура мира, дух хай-тека и глобализма. В этом мире человек всего лишь один из миллиона. Кирпичек в стене. В 2010-х тема глобализма и потребительства стала невероятно актуальной. Причем же здесь Рейн? Это такой глобализм со знаком минус. Гурски “затер” людей и здания на фоне. Получился пейзаж, который мог бы быть, если бы людей вообще никогда не было. Только река, могучий Рейн. Фотография шириной 3,5 метра. Причем на фото видна каждая травинка.
Что еще кроме “Рейна”? Вторая по значимости, но первая хронологиечски, “дорогая” работа “99 центов”. Полки магазинов с бесконечным паттерном товаров - ода обществу потребления. Продана за $3 346 456 в 2007 году.
Конечно, Гурски не сразу пришел к съемке людей как “вида” (по его словам, его интересует человечество именно как вид), как множество маленьких элементов чего-то большого и сопутствующих этому виду предметов и явлений.
Сейчас Гурски преимущественно фотографирует архитектуру, пейзажи и толпы людей в различных ситуациях.
Кем же вдохновлялся Гурски? На кого смотрел? Конечно, на учителей Берду и Хиллу Бехер, создавших тотемические изображения промышленных зданий. А еще он вдохновляется электронной музыкой. Даже снимал на фестивале в Нидерландах Dance Valley и в клубе Cocoon во Франкфурте, которым владеет друг фотографа, диджей Свен Фэт.
Продолжение ⬇⬇⬇
Начало ⬆⬆⬆
Исследуя биографии списка “100 фотографов”, могу точно выделить одну отличительную черту. У всех. Они были первыми! Каждый в своем, но первыми. Гурски первым начал снимать такие огромные полотна с такой детализацией. Откройте этот снимок http://www.andreasgursky.com/en/works/1993/paris-montparnasse на ПК и позумьте - в окнах здания на Монпарнасе (кстати, картинка собрана из нескольких кадров и показывает в развертке все стороны одного здания) видны мольберты, книги, настольные лампы и куча разных предметов быта. И первым Гурски стал искать структуру в окружающем мире, глядя на него с максимально высокой точки.
Если характеризовать его работы одним словом, то это - человечество как паттерн, взгляд инопланетянина на Землю свысока и беспристрастно.
Да-да, Гурски искал максимально высокие точки съемки. Арендовал краны, вертолеты и даже использовал спутниковые снимки для серии о море.
Во-вторых, это конечно огромный размер и невероятная детализация.
В-третьих, поиск структуры, паттерна.
В-четвертых, документальность, попытка запечатлеть жизнь.
В-пятых, смелое использование фотошопа для склейки нескольких кадров, ретуши, повышения резкости - в общем всего, того, что нужно для достижения результата, о который нарисовал в своей голове фотограф.
И одно из ключевых правил Андреаса Гурски: “Фотографа должно интересовать не место, а пространство“
Исследуя биографии списка “100 фотографов”, могу точно выделить одну отличительную черту. У всех. Они были первыми! Каждый в своем, но первыми. Гурски первым начал снимать такие огромные полотна с такой детализацией. Откройте этот снимок http://www.andreasgursky.com/en/works/1993/paris-montparnasse на ПК и позумьте - в окнах здания на Монпарнасе (кстати, картинка собрана из нескольких кадров и показывает в развертке все стороны одного здания) видны мольберты, книги, настольные лампы и куча разных предметов быта. И первым Гурски стал искать структуру в окружающем мире, глядя на него с максимально высокой точки.
Если характеризовать его работы одним словом, то это - человечество как паттерн, взгляд инопланетянина на Землю свысока и беспристрастно.
Да-да, Гурски искал максимально высокие точки съемки. Арендовал краны, вертолеты и даже использовал спутниковые снимки для серии о море.
Во-вторых, это конечно огромный размер и невероятная детализация.
В-третьих, поиск структуры, паттерна.
В-четвертых, документальность, попытка запечатлеть жизнь.
В-пятых, смелое использование фотошопа для склейки нескольких кадров, ретуши, повышения резкости - в общем всего, того, что нужно для достижения результата, о который нарисовал в своей голове фотограф.
И одно из ключевых правил Андреаса Гурски: “Фотографа должно интересовать не место, а пространство“
Andreasgursky
Andreas Gursky | selected works - Paris, Montparnasse
Official website of the photographer and artist Andreas Gursky