#100фотографов Ирвин Пенн стал фотографом потому, что “хочешь сделать хорошо - сделай сам”. Изначально он учился у легендарного Алексея Бродовича, арт-директора Harper’s Bazaar, на курсе рекламного дизайна и работал у него асистентом.
В начале 40-х Александр Либерман взял его в Vogue, где Пенн отвечал за самое главное - обложку. Так случилось, что у Пенна было своё видение “лица” журнала и ему не нравилось то, что делают фотографы. Тогда Либерман предложил ему делать фотографии самому, раз его не устраивают фотографии других. Обложку октябрьского номера 1943 года впервые украсила работа авторства Ирвина Пенна - это был натюрморт.
Творчество Пенна можно разделить на два больших блока: натюрморт и портрет. Если рассматривать жанры, то у Ирвина есть и документальный проект и фэшн съемки.
Чем отличались работы Пенна от остальных? Как вспоминал Сесил Битон, другой классик фэшн фотографии, Ирвин Пенн часто использовал один источник света и крайне редко - штатив. Как это ни странно покажется нам сейчас, но съемка моделей на обычном однотонном фоне было новшеством для того времени, как и вычурные позы моделей. Еще, снимая портреты, Пенн любил поместить модель в угол и посветить сбоку, делая лицо асимметричным.
Черно-белые портреты знаменитостей его авторства - это то, что сейчас принято называть современным психологическим портретом.
Я помню чувство, что отдаю больше чем имею, что в этот момент я был больше чем я есть на самом деле, рассказывал не свою историю, а нечто большее …», – описывал свои ощущения антрополог Лионер Тайгер.
Во время работы Ирвина Пенна в Vogue обложку впервые украсила черно-белая фотография. До этого там размещали или цветные иллюстрации или цветные фотографии. К съёмке натюрморта Пенн относился не менее серьезно, чем портрета - “фотография пироженки - тоже может быть искусством”. Впрочем на кадрах Ирвина Пенна можно увидеть не только сладости, но и окурки, старые перчатки, потрепанные временем и владельцем.
Стоит отметить, что на фотографиях одежды свет всегда подчеркивает фактуру ткани. Даже на черно белом снимке видно из чего именно сделана вещь.
https://static.vogue.ru/iblock/f71/f7160652e03dc47c775185cb16285f3f.jpg
В начале 40-х Александр Либерман взял его в Vogue, где Пенн отвечал за самое главное - обложку. Так случилось, что у Пенна было своё видение “лица” журнала и ему не нравилось то, что делают фотографы. Тогда Либерман предложил ему делать фотографии самому, раз его не устраивают фотографии других. Обложку октябрьского номера 1943 года впервые украсила работа авторства Ирвина Пенна - это был натюрморт.
Творчество Пенна можно разделить на два больших блока: натюрморт и портрет. Если рассматривать жанры, то у Ирвина есть и документальный проект и фэшн съемки.
Чем отличались работы Пенна от остальных? Как вспоминал Сесил Битон, другой классик фэшн фотографии, Ирвин Пенн часто использовал один источник света и крайне редко - штатив. Как это ни странно покажется нам сейчас, но съемка моделей на обычном однотонном фоне было новшеством для того времени, как и вычурные позы моделей. Еще, снимая портреты, Пенн любил поместить модель в угол и посветить сбоку, делая лицо асимметричным.
Черно-белые портреты знаменитостей его авторства - это то, что сейчас принято называть современным психологическим портретом.
Я помню чувство, что отдаю больше чем имею, что в этот момент я был больше чем я есть на самом деле, рассказывал не свою историю, а нечто большее …», – описывал свои ощущения антрополог Лионер Тайгер.
Во время работы Ирвина Пенна в Vogue обложку впервые украсила черно-белая фотография. До этого там размещали или цветные иллюстрации или цветные фотографии. К съёмке натюрморта Пенн относился не менее серьезно, чем портрета - “фотография пироженки - тоже может быть искусством”. Впрочем на кадрах Ирвина Пенна можно увидеть не только сладости, но и окурки, старые перчатки, потрепанные временем и владельцем.
Стоит отметить, что на фотографиях одежды свет всегда подчеркивает фактуру ткани. Даже на черно белом снимке видно из чего именно сделана вещь.
https://static.vogue.ru/iblock/f71/f7160652e03dc47c775185cb16285f3f.jpg
В 1952 году Либерман сообщил Пенну, что Vogue перестала нравится его работа. Пенн перестроился и стал делать "чистые картинки милых девушек".
#100фотографов Ги Бурден - sex, death and red lipstick.
Как и другой провокатор - Хельмут Ньютон, француз Ги Бурден творил в эпоху сексуальной революции, феминизма и всяческой свободы - 60-е и 70-е. То, что раньше было табуировано, стало демонстрироваться. В т.ч. в глянце уровня Vogue, который считался достаточно консервативным.
Как Бурден попал в фешн индустрию? После военной службы в конце 40-х, где он и познакомился с фотографией, Ги возвращается в Париж и знакомится с фотографом-художником-режиссером и т.д. Ман Реем. Тот организовывает выставку художественных зарисовок Бурдена, а потом (в 1953 году) и первую прижизненную персональную фото выставку. А через два года в 1955-м Бурден начинает снимать для французского Vogue. Первая фотосессия слегка шокирует: модели в платьях сняты на фоне голов животных из мясной лавки. Но французский Vogue тогда был достаточно лояльным к экспериментам журналом и Бурден продолжил снимать. И снимал вплоть до 1987 года.
Однако по настоящему известным он стал, когда начал сотрудничать с известным дизайнером обуви Шарлем Журданом. Обувь - как фетиш. Его рекламные снимки всегда вызывали бурю обсуждений. Бурден впервые использовал в рекламе образ смерти и насилия.
Например, кадр, в котором силуэт женщины, очерченный мелом. Лужи чего-то на асфальте (кровь?). И яркие туфли.
Примечательно, что в отличие от Ньютона Бурден всегда снимал моделей даже в самых рискованных местах и позах. Там, где Хельмут использовал манекен, Ги - живую женщину. Собственно за это модели его не любили и не сильно горели желанием сниматься у Бурдена.
Кроме Vogue и дизайнера обуви Бурден снимал рекламу для Chanel, Issey Miyake, Emanuel Ungaro, Gianni Versace, Loewe, Pentax и Bloomingdale’s.
Считается, что движущей силой творчества Ги Бурдена была детская травма - его настоящая мать оставила через год после рождения. Его первая жена и последующие две любовницы покончили с собой.
Творчество Ги Бурдена, умершего в 1991 году от рака, вдохновило таких фэшн фотографов как Дэвид Лашапель (David LaChapelle), Мерт Алас (Mert Alas), Маркус Пиготт (Marcus Piggott), Ник Найт (Nick Knight). А на клип Мадонны Hollywood сын фотографа даже подал в суд за нарушение авторских прав, настолько он был наполнен ссылками на фотографии Бурдена - https://youtu.be/pGa3vDaydZQ
Как и другой провокатор - Хельмут Ньютон, француз Ги Бурден творил в эпоху сексуальной революции, феминизма и всяческой свободы - 60-е и 70-е. То, что раньше было табуировано, стало демонстрироваться. В т.ч. в глянце уровня Vogue, который считался достаточно консервативным.
Как Бурден попал в фешн индустрию? После военной службы в конце 40-х, где он и познакомился с фотографией, Ги возвращается в Париж и знакомится с фотографом-художником-режиссером и т.д. Ман Реем. Тот организовывает выставку художественных зарисовок Бурдена, а потом (в 1953 году) и первую прижизненную персональную фото выставку. А через два года в 1955-м Бурден начинает снимать для французского Vogue. Первая фотосессия слегка шокирует: модели в платьях сняты на фоне голов животных из мясной лавки. Но французский Vogue тогда был достаточно лояльным к экспериментам журналом и Бурден продолжил снимать. И снимал вплоть до 1987 года.
Однако по настоящему известным он стал, когда начал сотрудничать с известным дизайнером обуви Шарлем Журданом. Обувь - как фетиш. Его рекламные снимки всегда вызывали бурю обсуждений. Бурден впервые использовал в рекламе образ смерти и насилия.
Например, кадр, в котором силуэт женщины, очерченный мелом. Лужи чего-то на асфальте (кровь?). И яркие туфли.
Примечательно, что в отличие от Ньютона Бурден всегда снимал моделей даже в самых рискованных местах и позах. Там, где Хельмут использовал манекен, Ги - живую женщину. Собственно за это модели его не любили и не сильно горели желанием сниматься у Бурдена.
Кроме Vogue и дизайнера обуви Бурден снимал рекламу для Chanel, Issey Miyake, Emanuel Ungaro, Gianni Versace, Loewe, Pentax и Bloomingdale’s.
Считается, что движущей силой творчества Ги Бурдена была детская травма - его настоящая мать оставила через год после рождения. Его первая жена и последующие две любовницы покончили с собой.
Творчество Ги Бурдена, умершего в 1991 году от рака, вдохновило таких фэшн фотографов как Дэвид Лашапель (David LaChapelle), Мерт Алас (Mert Alas), Маркус Пиготт (Marcus Piggott), Ник Найт (Nick Knight). А на клип Мадонны Hollywood сын фотографа даже подал в суд за нарушение авторских прав, настолько он был наполнен ссылками на фотографии Бурдена - https://youtu.be/pGa3vDaydZQ
Я посмотрела дату последнего поста и ужаснулась 😱 дело было почти две недели назад! Да, когда весь день посвящен ребенку, время летит невероятно быстро. Ускоряется до молниеностности. Но есть и другая причина столь долгого молчания - я нашла ответы на свои вопросы и теперь могу осмысленнее писать о фотографах.
Что за вопросы?
Как не заниматься банальным переписыванием википедии
На что обращать в биографии внимание, что главное и важное, что нужно знать?
И… какие фоточки выкладывать, ведь у великих фотографов их масса и одна круче другой?
И вот на онлайн-курсе Александра Медведева получила схему, как анализировать произведения (но там столько пунктов, это надо выйти из декрета, иначе не погрузиться настолько в материал 😂) и как разбирать автора. Конечно, я не могу без собственного видения, поэтому рассказ будет не совсем “как учили”))
Что за вопросы?
Как не заниматься банальным переписыванием википедии
На что обращать в биографии внимание, что главное и важное, что нужно знать?
И… какие фоточки выкладывать, ведь у великих фотографов их масса и одна круче другой?
И вот на онлайн-курсе Александра Медведева получила схему, как анализировать произведения (но там столько пунктов, это надо выйти из декрета, иначе не погрузиться настолько в материал 😂) и как разбирать автора. Конечно, я не могу без собственного видения, поэтому рассказ будет не совсем “как учили”))
#100фотографов Есть два фэшн-фотографа чьи работы я узнаю из тысячи. Нет, три. Паоло Роверси, Тим Уолкер и Давид Лашапель. Как, как они это делают? Первым решила “разобраться” с Роверси.
Умные дяди пишут, что нет смысла читать истории успеха. Стоит изучать истории неуспеха, потому что у каждого великого свой рецепт, а вот грабли на пути у всех одни и те же. Отчасти я с этим согласна, однако изучение биографий лучших из лучших фотографов избавило меня от некоторых сомнений мешающих жить и творить. В том числе и биография Паоло Роверси.
Посмотрите на фото, а теперь скажите, вы бы когда-нибудь подумали, что автор этой карточки начинал репортажником? https://f64.space/wp-content/uploads/2017/12/4Eq9VEhM7CA.jpg
О, да! Роверси снимал для Associated Press. И это меня вдохновило. Значит ничего страшного в метании от портретных а-ля фэшн фотосессий до стрита нет. Но хватит литературных отступлений!
Карьеру фотографа Роверси начал в непростые для Италии годы. 70-е получили название “Свинцовые”. Несмерившиеся с падением режима Муссолини и фашизма собирались в движения. Митинги, попытки переворота, теракты. Другое дело Франция, где в 70-е был взят курс на улучшение жизни людей, развития промышленности и в целом экономики страны. В мире продолжалась сексуальная революция. Глянец печатал вызывающие снимки Хельмута Ньютона и шокирующую рекламу Ги Бурдена.
В 1973 году после знакомства с арт-директором журнала Elle, Роверси уезжает в Париж, где продолжает карьеру репортера. Однако вскоре решает переключиться на съемку портретов и идет в ассистенты к Лоуренсу Сэкману. По словам Паоло именно Лоуренс научил его различным световым схемам, до понимания которых сам Роверси шел бы долго.
Заметным в фэшн мире, можно даже сказать - признанным, Роверси становится в 1980-х после съемки рекламы для Cristian Dior. Именно тогда он впервые использует Polaroid и старую фототехнику.
Почему это так “выстрелило” тогда? Как мне кажется, Роверси попал в главный тренд моды 80-х - переосмысление прошлого (классики). Снимать современные образы, которые есть переосмысленные образы прошлого - так как это делали фотографы прошлого века - не это ли ключ успеха Паоло Роверси?
1970-е репортажный фотограф
1980 - наши дни один из мировых фэшн фотографов
Примечательно, что когда Роверси спрашивают на кого он смотрел, кем вдохновлялся, он отвечает - работами фотографов прошлого и живописью.
Пожалуй в современной фэшн фотографии Паоло Роверси первый и единственный кто так работает со светом и все ещё снимает на старые камеры 8х10.
Тот самый палароид + световая кисть, нереальные портреты людей и вещей - вот как бы я описала Роверси.
Как-то на МК в Москве он сказал:”все, что я снимаю - это портрет. Даже если это стул, то портрет стула”.
Если говорить о технической стороне работ Паоло Роверси, то для его фотографий характерна длинная выдержка, световая кисть и модель в образе, который можно увидеть разве что на театральной сцене или в фентезийном фильме. Как сам Роверси говорит, его студия - это театр.
Умные дяди пишут, что нет смысла читать истории успеха. Стоит изучать истории неуспеха, потому что у каждого великого свой рецепт, а вот грабли на пути у всех одни и те же. Отчасти я с этим согласна, однако изучение биографий лучших из лучших фотографов избавило меня от некоторых сомнений мешающих жить и творить. В том числе и биография Паоло Роверси.
Посмотрите на фото, а теперь скажите, вы бы когда-нибудь подумали, что автор этой карточки начинал репортажником? https://f64.space/wp-content/uploads/2017/12/4Eq9VEhM7CA.jpg
О, да! Роверси снимал для Associated Press. И это меня вдохновило. Значит ничего страшного в метании от портретных а-ля фэшн фотосессий до стрита нет. Но хватит литературных отступлений!
Карьеру фотографа Роверси начал в непростые для Италии годы. 70-е получили название “Свинцовые”. Несмерившиеся с падением режима Муссолини и фашизма собирались в движения. Митинги, попытки переворота, теракты. Другое дело Франция, где в 70-е был взят курс на улучшение жизни людей, развития промышленности и в целом экономики страны. В мире продолжалась сексуальная революция. Глянец печатал вызывающие снимки Хельмута Ньютона и шокирующую рекламу Ги Бурдена.
В 1973 году после знакомства с арт-директором журнала Elle, Роверси уезжает в Париж, где продолжает карьеру репортера. Однако вскоре решает переключиться на съемку портретов и идет в ассистенты к Лоуренсу Сэкману. По словам Паоло именно Лоуренс научил его различным световым схемам, до понимания которых сам Роверси шел бы долго.
Заметным в фэшн мире, можно даже сказать - признанным, Роверси становится в 1980-х после съемки рекламы для Cristian Dior. Именно тогда он впервые использует Polaroid и старую фототехнику.
Почему это так “выстрелило” тогда? Как мне кажется, Роверси попал в главный тренд моды 80-х - переосмысление прошлого (классики). Снимать современные образы, которые есть переосмысленные образы прошлого - так как это делали фотографы прошлого века - не это ли ключ успеха Паоло Роверси?
1970-е репортажный фотограф
1980 - наши дни один из мировых фэшн фотографов
Примечательно, что когда Роверси спрашивают на кого он смотрел, кем вдохновлялся, он отвечает - работами фотографов прошлого и живописью.
Пожалуй в современной фэшн фотографии Паоло Роверси первый и единственный кто так работает со светом и все ещё снимает на старые камеры 8х10.
Тот самый палароид + световая кисть, нереальные портреты людей и вещей - вот как бы я описала Роверси.
Как-то на МК в Москве он сказал:”все, что я снимаю - это портрет. Даже если это стул, то портрет стула”.
Если говорить о технической стороне работ Паоло Роверси, то для его фотографий характерна длинная выдержка, световая кисть и модель в образе, который можно увидеть разве что на театральной сцене или в фентезийном фильме. Как сам Роверси говорит, его студия - это театр.
Одна из самых известных работ Паоло Роверси - портрет Натальи Водяновой